Cours de Musique à Bruxelles & Uccle Categories
0 L'entretien du matériel : La guitare ...
Lorsque l'on pratique un instrument de musique, il est important de savoir l'entretenir et de s'en occuper régulièrement. Cela à la fois pour le respect de l'instrument, mais surtout pour le garder dans le meilleur état possible et assurer sa pérennité. Après avoir bien choisi votre première guitare, le temps est venu d'en prendre soin ! Je vous propose quelques conseils pour bien entretenir une guitare (acoustique, électrique ou bien une basse). Une guitare est majoritairement construite en bois. Le bois est une matière sensible qui peut bouger et évoluer selon les températures, l'humidité, les chocs...Il est donc primordial de s'occuper de son instrument en fonction des ces différents éléments. Le soleil, le froid ou encore l'humidité sont logiquement les ennemis principaux d'un instrument en bois.A titre d'exemple, nous observons souvent des violonistes être extrêmement rigoureux avec leur instrument. Nous comprenons facilement cela car le violon est un instrument au prix relativement élevé. Malheureusement ce genre d'attitude est moins répandu chez les guitaristes et cela peut avoir des conséquences très dommageables sur l'instrument : décollage du bois, désaccordage constant ou encore fissures diverses peuvent arriver lorsque l'on s'occupe mal de sa guitare. 1 : Les chocs Ils sont forcement dangereux pour les instruments fragiles, il est donc important de protéger sa guitare lors des transports avec une housse pour les petits trajets ou avec un « fly case » (housse rigide) pour les longs trajets, voiture, avion... Il est important de ne jamais poser sa guitare contre un mur, sans supports. Pour cela, il est préférable de faire l'acquisition d'un « stand » (repose guitare) afin de pouvoir poser sa guitare, que ça soit chez soi, en concert, ou en répétition. Cela principalement, afin d'éviter les chutes dangereuses. Le manche et la table son logiquement les parties de l'instrument les plus fragiles lors des chocs. Par exemple, les guitares Gibson sont connues pour avoir une table très lourde ce qui, en cas de choc violent, casse quasi instantanément la tête de manche. Il le ne reste plus qu'à racheter une nouvelle guitare, ce qui est plutôt dommage ! 2 : La rouille et les changements de températureLes éléments en métal sur la guitare comme les micros, les vis, ou les mécaniques (qui servent à accorder l'instrument), sont souvent sujet à la rouille. Cela peut devenir gênant lorsque l'on veut changer certains de ces éléments. En effet, les pas de vis deviennent alors impraticables. Au delà de l'aspect visuel de la rouille, il est important d'éloigner l'instrument des radiateurs et autres fenêtres ou courant d'air afin éviter ce type de problème. Les modèles haut de gamme ont souvent des matériaux anti rouille mais cela est loin d'être le cas pour toutes les gammes d'instruments. Les différences de temperatures agissent généralement sur le manche de la guitare ce qui joue alors sur la justesse de l'instrument et sa capacité à « tenir l'accord » (rester accorder juste, le plus longtemps possible). Un manche de guitare est bien évidemment réglable, mais cette opération doit être absolument réalisée par des professionnels ou des personnes qui le pratiquent régulièrement. Pour les guitaristes débutants, il est indispensable de rapporter sa guitare au magasin pour un réglage complet si les problèmes d'accordage persistent. Un manche mal réglé peut se révéler, à long terme catastrophique pour la guitare. Les cordes sont aussi des éléments sujets à la rouille. Cela peut être à cause de l'univers ambiant de la pièce où est entreposé l'instrument, mais aussi en raison d'une pratique intensive ou encore d'une forte transpiration des doigts. Certains éléments pénètrent alors sous le filetage et affecte la vibration des cordes, ce qui influe sur la netteté du son et accélère également l'oxydation (d'où les problèmes de rouille). 3 : Le nettoyage :Dans ces différents cas, il faut appliquer, après l'usage de l'instrument, du produit d'entretien des cordes qui sert à combattre la rouille et garde l'effet clinquant des cordes neuves. Ou simplement un chiffon à passer sur chaque corde. Les produits de nettoyage se trouvent facilement dans tous les magasins de musique. Le manche et les frettes doivent aussi être nettoyés régulièrement avec des produits, par exemple à base de citron, la table de la guitare se nettoie avec des produits plus classiques pour le bois ou les surfaces plaquées. Le plaisir de la musique est aussi le plaisir de se saisir de son instrument. Ces conseils sont aussi importants que la technique, ils font partie intégrante de la bonne pratique musicale. Nos professeurs transmettent leurs savoir faire musical mais aussi leurs connaissances du matériel, de l'entretien ainsi que leurs expériences professionnelles. Enseigner, c'est surtout transmettre sa passion et ses connaissances : ces éléments permettront aux élèves de progresser dans de meilleures conditions et d'avoir une plus grande compréhension du fonctionnement de leur instrument. Voila donc pour ces quelques conseils simples d'entretien de votre instrument, sachant qu'une guitare en bon état donne toujours plus envie de jouer qu'une vieille relique au fond de l'armoire... Dans le même thème : Tout ce que vous devez savoir avant d'apprendre la guitare / Bien choisir son modèle de guitare classique.
0 Les 7 étapes pour déchiffrer un morceau au piano et le jouer ...
Savoir lire les notes sur une partition est une chose, fort appréciable par ailleurs. Savoir les retrouver sur le piano en est une autre. Entre le déchiffrage de la partition et l'interprétation d'un morceau, plusieurs étapes sont nécessaires pour parvenir à une exécution réussie, comprenant l'apprentissage du rythme, des nuances et de l'intention du compositeur. Voici répertoriées 7 notions importantes qui vous accompagneront dans l'étude d'un nouveau morceau.Étape 1 : le solfège, indispensable pour déchiffrer une partition de pianoContrairement à la guitare qui utilise des tablatures, ou au violon qui s'écrit principalement en clé de sol, le piano nécessite deux clés différentes et donc deux portées pour y inscrire toutes les notes nécessaires à l'interprétation du morceau. En général, la portée supérieure en clé de sol se jour à la main droite, et la portée inférieure en clé de fa se joue à la main gauche. À moins de posséder l'oreille absolue, il est très difficile de reproduire avec exactitude un morceau entendu, notamment à partir d'un certain niveau de technique. Le solfège permet de retranscrire précisément les notes jouées, le rythme, le tempo, les nuances, mais aussi l'utilisation des pédales, ou le choix des bons doigtés pour chaque main.Dans les cours d'éveil musical, les professeurs apprennent à leurs petits élèves à chanter le nom des notes. N'hésitez pas à faire de même en déchiffrant à voix haute les notes de la partition, cette action aidera votre cerveau à faire plus rapidement le lien entre la boule noire sur la deuxième ligne et la note du sol. Étape 2 : repérer les notes sur le clavier du pianoCette étape concerne plutôt les débutants, mais il est essentiel de commencer le morceau à la bonne octave et sur la note juste. Normalement, si vous parvenez à lire les notes, vous devriez retrouver leur place sur le clavier sans trop de problèmes à partir du do médian, qui est le do situé à la quatrième octave sur un piano droit traditionnel. Sur la partition, il se place soit une ligne en dessous de la portée en clé de sol, soit une ligne au-dessus de la portée en clé de fa. Il constitue un point de repère et une liaison entre les deux portées.L'idéal pour apprendre à s'y retrouver parmi les 88 touches reste de prendre des cours de piano. Ainsi, votre professeur pourra vous renseigner sur différentes méthodes d'apprentissage et vous guider vers vos objectifs. Étape 3 : bien lire les indications données par la partitionEn dehors des notes proprement dites, une partition de piano comporte de nombreuses indications qui vous renseigneront sur la façon de jouer le morceau. Il faut donc prêter attention en particulier aux critères suivants pour réussir une interprétation juste :Année de création et courant musical concernéForme musicale du morceau : sonate, concerto, gavotte, etc.Compositeur (chacun possède ses propres spécificités de notation)Tempo auquel se joue le morceauAltérations présentes (dièses et bémols) notées juste après la cléTonalité du morceauNombre de temps par mesure (4/4, 6/8, etc.)Autres indications de nuances ou de vitesseSi vous avez des doutes concernant une indication, la meilleure méthode pour vous imprégner du morceau est d'en écouter une version jouée par un pianiste professionnel. Mieux, si possible, écoutez au moins deux versions différentes, car les interprétations de chacun peuvent largement différer, surtout si les indications sont assez floues ou libératrices (comme le fameux Rubato affectionné par Chopin qui laisse au pianiste le choix du tempo). Ainsi, vous aurez en tête une idée plus précise de ce que vous souhaitez obtenir à l'issue de l'étude.Étape 4 : jouer lentement le morceau au piano mains séparéesCette étape cruciale se révélera parfois frustrante. Car oui, une fois les notes déchiffrées, l'envie de se lancer directement dans l'interprétation prédomine. Pourtant, pour bien apprendre chaque partie, il est essentiel de les travailler mains séparées. Lors du déchiffrage de la partition ou juste après, le pianiste appose les doigtés aux endroits qu'il juge nécessaires, si ce n'est pas fait par l'éditeur. Cette action consiste à écrire sous les notes ou au-dessus de la portée le numéro du doigt qui la joue. Bien sûr dans les morceaux complexes, tous les doigtés ne sont pas indiqués et certains d'entre eux vous paraîtront logiques au fur et à mesure de l’apprentissage. Néanmoins, pour débuter et par la suite dans les passages difficiles, le respect des doigtés apportera fluidité et vélocité au morceau. Le cerveau n'a plus besoin de réfléchir à quel doigt utiliser pour la note, car c'est toujours le même à chaque interprétation.Avant de commencer l'étude proprement dite du morceau, quelques exercices pour délier les doigts s’avéreront utiles afin de bien les préparer. Ensuite, jouez calmement chaque main à son tour, en procédant par petites parties du morceau s'il est long. Rien ne sert de vouloir apprendre l'intégralité de la pièce d'un coup, vous obtiendrez de bien meilleurs résultats en fractionnant la partition par pages ou par dizaines de mesures. Étape 5 : jouer lentement le morceau au piano mains ensembleChaque main joue sa partie parfaitement ? Voici venue une autre étape cruciale, et non des moindres. Il s'agit à présent de jouer les deux mains ensemble.Même pour les pianistes expérimentés, la différence entre cette étape et la précédente peut se montrer énorme. Avec l'habitude, vous vous habituerez à coordonner vos mains, mais la complexité de certaines partitions rendra toujours cette tâche ardue. Pas d'inquiétude, en commençant à un tempo très lent, vous parviendrez peu à peu à intégrer l'ensemble. Ne cédez pas à la tentation d’accélérer dans les passages plus simples, essayez plutôt de garder une certaine régularité au long du morceau. Le jeu à deux mains vous révélera éventuellement des erreurs de doigtés ou de rythme, voire de déchiffrage de notes lorsque l'ensemble sonne faux. Mais c'est aussi à cette occasion que vous commencerez à saisir la véritable essence de la mélodie et de ses harmonies. Un véritable plaisir auditif.Étape 6 : jouer selon le tempo indiqué en améliorant les nuances Une fois le plus gros du déchiffrage et de la coordination effectué, l'étape suivante apporte des précisions techniques et d'interprétation. C'est à ce moment notamment que vous vous intéresserez aux nuances. Celles-ci se notent de différentes manières, et interviennent à plusieurs reprises dans la partition. Une indication globale est généralement donnée avant même l'écriture des portes, se référant soit au tempo d'interprétation (Largo, Allegro), soit à l'émotion transmise par la musique ("Con brio", "Affectuoso").Au cours du morceau, vous rencontrerez également les indications suivantes, classées de la plus forte à la plus douce :ff pour fortissimof pour fortemf pour mezzo fortep pour pianopp pour pianissimoEn plus de ces différentes notations, deux autres symboles visent à renseigner l’interprète sur la nuance à utiliser dans tel ou tel passage. Il s'agit des signes "inférieurs à" (crescendo, jouer de plus en plus fort) et "supérieur à" (decrescendo, jouer de plus en plus doucement). Ils s'écrivent normalement de façon plus étirée, de façon à correspondre à toutes les notes concernées. Dans le cas contraire, le symbole de l'accent signifie simplement qu'il faut accentuer la note, comme sur le premier temps d'une valse par exemple.Lorsque vous parvenez à jouer un morceau mains ensemble au bon tempo, attardez-vous sur les passages hésitants qui posent encore problème et rejouez-les lentement, mains séparées si besoin, plusieurs fois. La régularité paie toujours.Étape 7 : essayer de jouer le morceau au piano de mémoirePour une meilleure interprétation, les grands pianistes d’aujourd’hui jouent souvent sans partition. Cet exercice de mémoire parfois difficile selon la complexité du morceau garantit aussi de pouvoir s'en détacher, de se consacrer librement à l'expression de son ressenti. Comment parvenir à jouer de mémoire un morceau de piano sans se tromper ? Si vous avez bien suivi les étapes précédentes, vous constaterez que vous connaissez déjà une bonne partie des notes d'instinct. Essayez de jouer les premières mesures à chaque séance avant même de sortir votre partition, puis consultez-la lorsque vous avez un doute et reprenez.Il y a plusieurs façons de retenir un morceau, que ce soit à l'oreille, par le mouvement automatique des mains ou par la visualisation de la partition dans sa tête. Trouvez la vôtre et laissez vivre le morceau sous vos mains en y injectant vos émotions, quitte à vous éloigner de la partition originale ou des interprétations entendues. C'est ainsi que vous pourrez réellement vous l'approprier et l'apprécier.
0 Apprendre à jouer de la batterie tout seul : est-ce possible ? ...
Possible…oui ! Facile…Non ! Acquérir les bonnes bases, les postures adéquates, les bons gestes, cela ne s’improvise pas et peut même refroidir certains futurs apprentis batteurs, ados ou adultes, s’ils n’ont pas démarré l’apprentissage de la batterie dans des conditions correctes et avec des connaissances minima ! Apprendre la batterie en autodidacteApprendre à jouer de la batterie par ses propres moyens Adolescent passionné et prêt à s’investir ou autodidacte adulte qui souhaite démarrer sur de bonnes bases, il faut malgré tout appréhender quelques essentiels, que ce soit pour être capable d’improviser un bœuf avec un petit groupe d’amis, ou bien entreprendre un apprentissage approfondi dans le but de devenir un batteur aguerrit ! Sans quelques repères et conseils dispensés par un professeur, certaines erreurs seront plus difficiles à éviter pour un débutant. Apprendre à jouer de la batterie tout seul reste un challenge bruyant et inefficace si l’on n’est pas motivé à 200%. Ne pas rester seul face à son instrumentPour commencer, il est important de bien se documenter avant de frapper de ses baguettes le charleston, la caisse claire et les cymbales. Visionner des vidéos d’apprentissage et consulter des manuels est la première étape de l’apprentissage. Il faut vous imprégner de l’univers des percussions et vous familiarisez avec ce nouveau langage.Même si vous n’êtes pas encore véritablement certain de vos aptitudes, n’hésitez pas à pratiquer, à vous entrainer avec d’autres musiciens car cela vous aidera à progresser de manière considérable, surtout si vous êtes confrontés à quelques blocages. Contrairement à la plupart des instruments de musique, la batterie n’est pas un instrument à pratiquer en solo, au contraire, elle est mise en valeur par les autres instruments. La difficulté réside dans la coordination et l’harmonie avec l’ensemble musical.Si vous débutez en autodidacte, prêtez particulièrement attention à : L’ajustement de votre siège votre position La position des éléments de la batterie La prise en mains et la bonne tenue des baguettes Vous assurer d’une belle frappe sur les instruments Bouger et vous répartir face à l’ensemble de la batterie Maîtriser les techniques des pédalesAvoir le rythme dans la peau, c’est un plus, mais savoir le développer comme De John Bonham ("Led Zeppelin") ou Ian Paice ("Deep Purple" ), en passant par Keith Moon ("The Who") c’est le must ! Prendre des cours de batterie avec un professeur de musiquePour débuter, prendre des cours de batterie avec un professeur reste le moyen le plus sûr de commencer son apprentissage dans de bonnes conditions. Cela apportera à tout débutant, quel que soit son âge, une motivation qui fera la différence dès les tous premiers cours, ainsi que l’assurance de ne pas prendre de mauvaises habitudes ou bien d’accumuler des lacunes. Des cours de batterie vous permettront de :Maîtriser les bases (postures, tenue de baguette, frappe)Etre capable de jouer des rythmes et les fills (roulements) avec les enchaînementsSavoir jouer en musique, en accord avec les bons temposMaîtriser son jeuEvoluer de façon autonomeVotre professeur de musique vous accompagnera tout au long de votre apprentissage et sera présent pour vous prodiguer ses conseils et vous redonner confiance en vous en cas de doute ou de baisse de motivation. Il vous aidera à découvrir l’univers des percussions et pourra vous aiguillez vers certaines références, certains styles musicaux dans lesquels vous pourriez bien vous reconnaître et vous épanouir.Apprendre à jouer de la batterie, ce n’est pas simplement faire du bruit en tapant sur un tambour. C’est l’apprentissage d’un ensemble de subtilités qui vont donner de la structure à un morceau. Contrairement à certaines idées reçues, la batterie n’est pas un instrument facile, même s’il est accessible à tous. Il nécessite de l’investissement personnel et une certaine volonté.Si vous souhaitez devenir un bon batteur amateur ou professionnel, il est indispensable de maîtriser les bases et de comprendre le rythme et la structure d’un morceau. Si cela vous semble compliqué, ne baissez pas les bras et n’hésitez pas à faire appel à un professeur particulier !
0 Portrait de guitariste et chanteur : Éric Clapton ...
Proclamé second guitariste de tous les temps par le magazine Rolling Stone, juste derrière Jimi Hendrix, Éric Clapton s’est construit sur une enfance tourmentée, au gré de plusieurs influences « blues » comme Big Bill Broonzy, Robert Johnson ou encore Muddy Waters. Au fil des années, au sein de ses nombreux groupes et en solo, ses multiples talents se sont révélés - instrumentiste, chanteur, compositeur - pour aujourd’hui en faire une vraie légende de la musique blues ! Portrait. La guitare, refuge d’une jeunesse tourmentéeFils illégitime d'un soldat canadien et d'une mère anglaise de 16 ans, Éric Clapton est né à Ripley dans le Surrey au Royaume-Uni le 30 mars 1945. Confié à ses grands-parents, ce n’est qu’à l'âge de 9 ans qu’il apprend que sa grande sœur est, en réalité, sa mère. Profondément choqué, l'adolescent peine à trouver son équilibre et ne trouve aucun refuge dans les études : il est renvoyé de l’École d’art de Kingston upon Thames à cause de ses mauvais résultats.Pour son 13e anniversaire, ses grands-parents lui offrent sa première guitare acoustique, une Höfner de fabrication allemande. S’il a jugé son apprentissage de l’instrument très difficile, au point de presque l’abandonner, il persévère, mais reste peu confiant sur ses talents : « J'en fais un peu ; j'ai bossé quelques trucs de blues depuis un moment ; rien de sérieux. »[1]À la même époque, il commence à fréquenter les clubs de musiciens, à l’image du Ealing Club, qui accueille les Rolling Stone, auprès de qui le jeune Éric fera même occasionnellement le chanteur. Un style personnel développé dans ses différents groupesAprès avoir appris par cœur un album de Chuck Berry, Éric Clapton intègre son premier groupe Les Roosters en mars de 1963. Mais grâce à sa réputation de guitariste (construite sans même un cours particulier de guitare !), il est rapidement embauché par les Yardbirds, son premier groupe professionnel : avec eux, ils ne jouent pas de compositions personnelles, juste des reprises entre rock et blues.Avec l'expérience, Éric Clapton développe un style très personnel, un jeu influencé par Buddy Guy, Freddie King et B. B. King. Face à cette forte personnalité, il devient une des figures clés du groupe. À l’époque, on le surnomme « Slowhand », en référence au claquement de mains du public, quand le spectacle est interrompu par le changement d’une corde cassée.De 1965 à 1970, l’artiste navigue au sein de plusieurs groupes. Les Bluesbreakers, avec un univers R&B qui lui fait troquer sa Fender Telecaster par une Gibson Les Paul Standard, au son plus puissant et authentique. Idole adulée à Londres, il est érigé au statut de dieu : « On disait que j'étais le meilleur guitariste du monde. C'est vrai, j'ai toujours voulu l'être, mais ce n'est qu'un idéal inaccessible ». Avec les trios célèbres des Cream (Ginger Baker et Jack Bruce), il développe sa technique de chant et ses talents d’auteur. L’univers psychédélique du groupe lui permet de faire de longues improvisions sur scène. Un artiste marqué par des tragédiesAvec le guitariste Duane Allman, il crée la chanson « Layla ». George Harrison et Pattie Boyd sont déjà fiancés quand Éric Clapton rencontre le couple en 1967. Rapidement, l’artiste devient ami avec George et nourrit des sentiments pour Pattie. Un amour à sens unique (à cette époque-là), qui lui inspirera ce titre « Layla », mais c’est un échec commercial qui le plongera dans la déprime. Puis viendront l’alcool, la drogue et la mort de Jimi Hendrix ou de Duane Allman (accident de moto).Heureusement, il pourra compter sur ses amis pour le sortir de la spirale infernale et le libérer de l’héroïne. En solo, il renouera avec le succès, grâce à sa reprise de « I Shot the Sheriff ». Au cours des années 70, il réalise plusieurs albums, accueillis de manière très inégale par les médias et le public. Alcoolique non repenti, il est hospitalisé à la fin de cette décennie et doit suivre une cure de désintoxication.De retour sur le devant de la scène, il réalise plusieurs albums, dont « August » produit par Phil Collins en 1986. Mais il est encore touché par deux tragédies personnelles : la mort du guitariste Stevie Ray Vaughan dans un crash en hélicoptère, alors qu’il devait initialement être sur le vol et le décès de son fils de 4 ans et demi, défenestré du 53e étage de son appartement. De ce terrible accident naîtra la magnifique chanson « Tears in Heaven ». En 1992, avec l’album acoustique Unplugged, « Layla » devient un vrai tube et marque le retour de la légende sur scène. Les années suivantes sont marquées par de belles collaborations, comme celles avec Carlos Santana, B. B. King, Luciano Pavarotti… En 2002, il organise le « Concert for George » pour son ami, décédé d’un cancer du poumon un an plus tôt. Puis, il continue les albums, les tournées et les participations remarquées. En 2015, on apprend qu’Éric Clapton souffre d’une lésion au système nerveux qui le handicape au niveau de son jeu de guitare, mais cela ne l’empêche pas de sortir son 23e album un an plus tard… Aujourd’hui, la légende du blues tourne toujours ![1] Source citation : https://fr.wikipedia.org/wiki/Eric_Clapton
0 Pourquoi motiver son enfant pour apprendre le piano ? ...
Les activités extra-scolaires telles que le piano peuvent devenir des facteurs déterminants dans le développement de votre enfant. Des études scientifiques ont maintes fois prouvé que les leçons de musique dès le plus jeune âge renforcent les capacités cérébrales et l’intelligence. Les enfants musiciens sont moins enclins à l’anxiété ou à la dépression une fois adultes. Cela améliore même leur créativité et les aide à mieux exprimer leurs sentiments.Alors, si vous hésitez encore à motiver votre enfant à faire du piano, voici quelques pistes pour vous aider à vous décider ! Apprendre le piano pour renforcer sa mémoireLes instruments de musique comme le piano contribuent au développement neurologique, au renforcement de la mémoire et des capacités d’apprentissage. La structure rythmique et les notes du piano augmentent leur potentiel d’apprentissage en les aidant à comprendre des concepts abstraits. Entraîner leur oreille pour apprendre de nouveaux morceaux améliore aussi considérablement la capacité des enfants à retenir des informations.Pour développer ses capacités motrices et sa coordinationOutre la connaissance des notes, jouer du piano implique de pratiquer doigtés et positions de mains. Cela aide les enfants à améliorer leur coordination et leur posture. De plus, les cours de musique sont très efficaces pour calmer les enfants hyperactifs en leur permettant de canaliser leur énergie de manière positive.Pour qu’il s’améliore en mathsQui eût cru que la musique pouvait donner la bosse des maths ? Car oui, comprendre le rythme et la structure des morceaux peut aider les enfants à comprendre des concepts mathématiques, comme les fractions par exemple. Cela leur permet de renforcer leur capacité de raisonnement, en les aidant à reconnaître des motifs. Des études ont également montré que la musique peut aider les enfants à progresser dans d’autres matières comme la physiques ou les langues.Découvrez également nos 9 bonnes raisons de choisir le piano pour commencer l'apprentissage de la musique.Pour mieux comprendre le monde qui l’entoureLa musique n’est pas simplement une suite de notes. Comprendre comment un morceau est construit peut permettre à votre enfant de développer sa créativité, de mieux s’exprimer. Cela permet aussi d’ouvrir leurs esprits à des concepts et des idées très différentes, de quoi avoir les moyens de réfléchir hors de la boîte. Pour améliorer sa confiance en luiLa musique est connue pour avoir une influence positive sur les gens et particulièrement sur les enfants. Une pratique régulière mettant en valeur ses progrès peut faire des miracles sur la confiance en lui. Les critiques constructives de la part de ses professeurs l’aideront à avancer et à se construire de manière positive, lui permettant plus tard de savoir se remettre en question.Prendre des cours de piano pour développer ses compétences socialesC’est bien connu, la musique rapproche les gens quelles que soient leurs cultures et leurs différences. En prenant des cours de musique ou en jouant dans des groupes votre enfant rencontrera et interagira avec d’autres enfants, élargissant ainsi ses horizons et lui permettant de se créer de nouvelles amitiés.Pour le déstresserLe piano inculque un sens de la discipline aux enfants en leur apprenant le goût de l’effort et la patience. De plus, les cours de musique sont amusants et permettent de se détendre après la pression de l’école, ils permettent de se changer les idées. Alors, encouragez vos enfants à jouer des morceaux qui leur plaisent !Le mot de la finVous n’avez pas besoin d’un passif musical pour aider vos enfants dans leurs leçons. Des encouragements et du soutien sont suffisants pour leur donner la confiance et l’envie de s’améliorer. Voici quelques petits conseils :Impliquez-vous dans leurs entraînementsParlez avec leur professeur pour savoir où en sont leurs progrèsAccompagnez vos enfants à leurs coursAyez des livres d’exercices pour pratiquer à la maisonEt surtout encouragez les efforts et les réussites de votre petit musicien ! Dans le même thème : Comment se passe un premier cours de piano ? / Quel instrument choisir pour mon enfant ?
0 Idée reçue n°3 : « Je ne pourrai jamais chanter juste, ma voix est irrécupérable ». ...
Nous sommes dans l’ère du développement durable : tout est récupérable aujourd’hui ! Et même votre voix. Pour cela il vous faudra commencer par prendre confiance en vous, et suivre quelques exercices de respiration, et vous découvrirez rapidement le potentiel de votre voix ! Le chant est un outil formidable et présente un potentiel très riche chez chacun. Il nécessite une attention particulière et parvenir à la maîtrise de sa voix est une aventure à la découverte de vous-même. Le fait de chanter faux ne doit pas être considéré comme une fatalité car, tout le monde peut parvenir à chanter juste.Votre professeur sera là pour vous guider dans ce travail et vous donner les moyens de redécouvrir votre voix, de l’apprivoiser et d’en devenir maître. Au-delà du travail technique qui vous permettra de développer votre potentiel, vous travaillerez aussi sur l’interprétation de chansons que vous appréciez voire sur la composition. Je laisse la parole à Nathalie, 42 ans, qui prend des cours avec nous depuis plus d’un an : « Je suis une femme assez occupée, avec un travail prenant, des enfants fatigants et finalement peu de temps pour moi. Il y a un peu plus d’un an, je me suis dit que j’allais prendre des cours de chant pour me faire plaisir, penser un peu à moi. Aujourd’hui, je regrette de ne pas avoir commencé plus tôt car ces séances de chant sont pour moi vitales. Au-delà de m’amuser sur des chansons de France Gall ou de Dalida, ce cours est aussi pour moi un moment de relaxation, de bien-être, une vraie bulle d’oxygène chaque semaine qui me permet de me booster. »
0 Comment réussir à chanter les notes aiguës ? ...
Le chant demande, dans certains cas, une maîtrise parfaite des notes aiguës. On le pratique aussi bien dans les chorales qu’en solo, pour dynamiser un titre ou lui apporter une autre émotion. Traversant les époques et infiltrant tous les genres, cette méthode indémodable séduit de nombreux apprentis chanteurs : ils aspirent à pouvoir, un jour, poser leur voix sur ces notes hautes. Quelques exercices existent pour mieux s’entraîner et finir par chanter les notes aiguës sans difficulté, sans forcer la voix. Découvrez nos conseils?! Bien connaître sa voix avant toutPour commencer, toutes les personnes n’ont pas les mêmes possibilités en chant, parce qu’elles ont naturellement une voix différente. De la plus aiguë à la plus basse, les femmes peuvent avoir une voix soprano, mezzo-soprano, alto ou contralto. Pour les hommes, les voix les plus aiguës sont les ténors, suivies des barytons puis des basses, pour lesquelles les notes hautes semblent logiquement plus difficiles à atteindre.D’une manière générale, les excès nuisent aux cordes vocales : c’est la raison pour laquelle on encourage les chanteurs à prendre compte de leur registre, pour ne pas en sortir de façon trop significative. Une femme soprano aura plus de facilités sur les notes aiguës qu’une alto : c’est normal, et l’alto ne doit pas tenter de surpasser la soprano sur ce registre. Chacun peut tirer pleinement bénéfice de ses propres capacités, sachant que tous les types de voix recèlent un grand potentiel.Concrètement, quel que soit le type de votre voix, vous pouvez chanter des notes aiguës. Mais ce qui relève de l’aigu pour vous peut entrer dans le cadre naturel d’un autre musicien.La voix de tête, une bonne alternative pour chanter aigu ?Dans l’univers de la pop et de la variété, de nombreux artistes mobilisent leur voix de tête pour les notes aiguës (on parle de falsetto pour les hommes). Bien maîtrisée, la technique offre l’opportunité de chanter haut et puissamment — sans risquer d’endommager les cordes vocales.Avec cette méthode, vous devez vous détendre et solliciter en priorité les muscles abdominaux. Utilisez votre voix «?parlée?», puis poussez-la à sa hauteur maximale. En parallèle, maîtrisez l’appui (le contrôle de l’air) pour ne pas nuire à vos capacités. Dans cet esprit, travaillez votre respiration avec le diaphragme et les muscles du ventre. La posture, dans ce cas, demeure très importante.Comment s’entraîner à chanter les notes aiguës ?Au moment de vous lancer dans l’apprentissage des notes aiguës, veillez bien à ne jamais créer des douleurs ou des tensions : l’entraînement peut vous fatiguer dans la mesure du raisonnable, mais il ne torture en aucun cas vos cordes vocales (sinon, demandez conseil à un professeur de chant, pour pratiquer les bonnes méthodes).Pour commencer les entraînements, réalisez une série de glissando ascendants et descendants. Puis, jouez avec toutes les voyelles existantes, à la manière d’un chanteur d’opéra. Vous ressentirez des résonances différentes et apprendrez ainsi à mieux maîtriser et poser votre voix. Par la suite, abaissez le volume pour préserver vos cordes, mais abordez les notes plus hautes. L’apprentissage progressif vous aidera à chanter naturellement ces notes qui, auparavant, vous paraissaient inaccessibles?!Un bon échauffement et des cours de chant pour se perfectionnerNe l’oubliez jamais : on ne se lance jamais dans le chant (et encore moins dans les notes aiguës) sans échauffement. Cette étape importante doit vous préparer aux exercices qui vont suivre sans vous fatiguer. Il suffit de chanter la note la plus basse de votre propre registre, puis de monter petit à petit.Quand vous arrivez au stade de la note la plus haute, bloquez temporairement la respiration, puis expirez en soufflant avec le fond de votre gorge. Jouez avec les sons, effectuez des mouvements avec vos lèvres et votre bouche et chantez uniquement quand vous vous sentez prêt.Le chant est un art nécessitant beaucoup de connaissances théoriques et une véritable discipline : si vous ne parvenez pas à progresser seul, la meilleure solution demeure de demander des cours particuliers, qui vous aideront à mieux comprendre vos capacités et à remplir plus facilement vos objectifs.
0 Comment choisir son violon ? ...
Le violon est un instrument magnifique qui continue de séduire par les nombreuses possibilités qu’il offre en termes de sonorités et de musicalité, aussi bien dans la musique traditionnelle que dans la musique plus contemporaine. Le choix d’un violon n’est pas anodin pour les passionnés : l’instrument est pour le violoniste un véritable compagnon avec qui il forme un duo harmonieux, produisant des mélodies submergées d’émotions. Lorsque l’on débute et que l’on n’y connait pas grand-chose, choisir son premier violon est une étape pas toujours facile à appréhender. Quelle taille choisir ? Comment être sûr de choisir un violon de qualité ? Quel budget allouer à son premier violon ? Autant de questions dont les réponses peuvent varier selon les conseils des uns et des autres. Nous faisons le point sur les différents éléments à prendre en considération pour choisir le violon parfaitement adapté à ses besoins. Choisir un violon selon sa tailleIl n’existe pas moins de 8 tailles de violon différentes. Pour un adulte, la taille d’un violon est généralement toujours là même : 58 cm, notée 4/4. En revanche pour les enfants la taille du violon varie en fonction de l’âge. Les plus petits violons sont des 1/32 et mesurent à peine 33 cm. Ils sont destinés à des enfants de moins de 3 ans, or, il est rare que des enfants si jeunes commencent à jouer du violon. Les violons ¼ sont plus fréquents. Ils mesurent 48 cm et sont destinés à des enfants de 6 à 7 ans. À partir de l’âge de 8 ans, on choisira un violon ½ qui mesure 52 cm. Enfin, pour un enfant de 10 à 11 ans, ce sera un violon ¾ qui mesure à peine 3 cm de moins que les violons pour adultes. Choisir un violon adapté à la taille de l’apprenti violoniste est important pour qu’il prenne dès le début de son apprentissage une bonne position et qu’il apprenne à manier l’archer avec justesse.Choisir son violon selon son budget et son niveau de pratiqueL’acquisition d’un violon représente un investissement. Si vous optez pour un violon de qualité, votre investissement sera vite rentabilisé, car l’instrument sera solide et vous accompagnera pendant de nombreuses années, voire plusieurs décennies, à condition toutefois de bien en prendre soin. Si vous avez un certain niveau et que vous comptez continuer à jouer du violon pour le plaisir ou en faire une carrière, alors le jeu en vaut la chandelle. Optez pour un violon de gamme supérieure qui se distinguera des autres modèles par sa qualité sonore exceptionnelle. Le budget à prévoir pour un violon haut de gamme est de 800 € minimum, mais il existe des modèles bien plus chers. Cela peut représenter une somme conséquente à l’achat, mais elle sera rentabilisée dans le temps.Pour débuter, il existe de très bons violons à des prix plus abordables. Vous pouvez trouver des violons corrects à partir de 150€, mais pour commencer avec un bon violon, il faut généralement prévoir au moins 400 €. En dessous de 150€, mieux vaut éviter, même si vous débutez. Il s’agit souvent de violons de qualité médiocre, peu solides et aux sonorités peu agréables qui ne vous donneront pas le goût de l’instrument.Si vous ne souhaitez pas investir tout de suite dans l’achat d’un violon pour vous ou pour votre enfant qui grandit vite, d’autres alternatives existent comme la location et l’achat d’occasion. Dans ces cas-là, n’hésitez pas à vous faire conseiller par des professionnels afin de vérifier la qualité et l’état de l’instrument de musique. Quelques points à vérifier à l’achat du violonMême si vous optez pour l’achat d’un violon neuf il y a certains points à vérifier sur l’instrument pour être sûr de son achat. En premier lieu, vérifiez que la fabrication du violon est issue d’essences massives d’épicéa et d’érable sculptés. Le vernis doit être impérativement bien appliqué et le violon doit posséder de vrais filets. Ensuite, le montage doit être correct et les chevalets doivent être de bonne qualité. Les accessoires doivent aussi être de bonne qualité et de préférence faits en ébène ou en palissandre. Pour les cordes, préférez des cordes Pirastro, Thomastik, Corelli ou Addario.Quelques points à éviter à l’achat du violonÉvitez à tout prix l’acquisition d’un violon fait en contre-plaqué avec un assemblage industriel. Cela aura des conséquences sur la solidité de l’instrument, mais également sur le son. Un bon violon doit être fait à partir d’ébène et non d’un bois différent. Vérifiez que le violon ne possède aucun élément en plastique ou en bois teintés.D’une manière générale, la qualité d’un violon est essentielle, et ce, quel que soit votre niveau. N’hésitez pas à vous faire conseiller par votre professeur de violon ou bien par des vendeurs en boutiques spécialisées, mais évitez les achats hasardeux sur internet sur des sites promettant des tarifs particulièrement peu élevés.
0 Apprendre à chanter : quelques astuces pour travailler sa respiration ...
Beaucoup le savent, certains le devinent ou le ressentent, travailler sa respiration tel un coureur de fond ou un nageur à l’entraînement est la base d’une voix au timbre ferme, coordonné et bien posé. Deux principaux acteurs de la respiration pour le chant s’utilisent, s’alternent et se complètent. Le but final des exercices vise à passer d’une respiration naturelle à une respiration de soutien (appoggio en italien). Des astuces pour travailler sa respiration et apprendre à chanter ? C’est ici et tout de suite !La respiration thoracique Instinctive, naturelle et innée, on vit grâce à elle et par elle : pas de poumons, pas de respiration, pas de Vie ! Que ce soit pour énoncer des paroles ou des sons, la première étape pour travailler sa respiration pour le chant consiste à éloigner toute ambiance stressante ou bruyante qui empêche la décontraction et la paix intérieure. Tant que le corps et le buste restent contractés, raidis ou mal positionnés, le son ne passera que pour des utilisations essentielles : parler – plus ou moins bien -, s’exprimer, mais en aucun cas, chanter avec amplitude.Le flux d’air expulsé par la cage thoracique provient d’une familiarisation avec son corps : tant que l’on ne ressent pas l’envie de respirer profondément, calmement, régulièrement, dans un espace serein et qui incite à la relâche ou à la décompression, rien ne se fait. Dès que vous avez trouvé votre Coin de Paradis, testez-vous simplement et doucement. Apprendre à contrôler son souffle pour mieux chanterAssis, en tailleur ou à genoux, sur une chaise ou un pouf, prenez le contrôle de votre rythme respiratoire après avoir inspiré ou aspiré profondément et sans forcer. La position du thorax doit toujours être droite et non raide à l’excès, pour maintenir votre capacité d’absorption d’air. Petit à petit, vous sentez après chaque inspiration/aspiration, la suivante devenir plus ample et plus développée. Votre buste se redresse instinctivement, après les tâtonnements de début de séance. Prolongez l’exercice tant que le ressenti se fait avec aisance, et augmente votre volume d’air. Cessez dès que la crispation et la fatigue voûtent votre buste et désorganisent votre respiration. Apprendre à se relâcherUne fois parfaitement à l’aise dans votre posture préférée, placez vos deux mains sur votre thorax, juste sous votre poitrine, puis après avoir appuyé légèrement le temps de sentir le flux et le reflux de votre respiration, écartez- les vers l‘arrière de votre buste jusqu’à sentir vos épaules parfaitement parallèles. Relâchez doucement et recommencez une dizaine de fois, sans chercher l’effort, mais en apprenant à connaître les muscles qui bougent sous vos mains. Après plusieurs jours du même exercice, vous trouvez d’instinct la position idoine et vos mains effleurent alors à peine vos muscles déjà sensibilisés. La respiration abdominaleEnfant ou adulte, pour celui qui veut développer sa respiration pour le chant, la respiration abdominale prônée et encouragée depuis des siècles comme une discipline plus importante même que le contrôle de la respiration thoracique, est aujourd’hui considérée comme le « second cerveau » du corps. La respiration thoracique et la respiration abdominales, pour le chant, sont, pour notre corps deux accès indispensables à coordonner et faire cohabiter, s’entraider, pour développer de façon harmonieuse et puissante la quantité d’air dont vous aurez besoin pour canaliser et contrôler votre voix. Cette respiration de soutien est indispensable à l’apprentissage du chant.Pour mieux faire connaissance avec les capacités de votre abdomen, il vous faut l’apprivoiser, avant de chercher le contrôle. Tout comme pour la respiration thoracique, cherchez le moment, la position et le lieu confortables qui vous permettent d’être en totale relaxation, sans risque d’être perturbé par l’idée d’un RDV urgent en suivi de l’exercice ou un environnement bruyant. L’exercice se fera, là aussi, le dos bien droit mais en posture d’assise agréable comme pour la respiration thoracique.Retrouvez également nos techniques de chant S'entraîner à respirer par le ventreL’apprentissage de la respiration abdominale passe par le toucher et la découverte de votre diaphragme, juste en-dessous des côtes. Faites tourner, bien à plat, votre paume en appuyant doucement, et en déplaçant votre main de façon circulaire dans le sens des aiguilles d’une montre. Après plusieurs « tours de cadran » votre respiration s’amplifie, votre abdomen se gonfle et se relâche à un rythme régulier et apaisé par les mouvements de votre paume.Le buste et la tête droits, effacez bien les épaules, respirez et expirez bouche ouverte très vite. Avant de reprendre une respiration à rythme plus normal, posez vos mains bien à plat sur votre abdomen dès les premières goulées d’air accumulées à grande vitesse : lorsque le ventre est plat à l’inspiration et dès le ressenti du gonflement lors de l’expiration – et non pas de l’inspiration - , appuyez fermement et régulièrement sur la bouée abdominale jusqu’à ce qu’elle se vide de l’air accumulé durant l’exercice . Un exercice de soutien qui doit être travaillé régulièrement et compris à l’inverse de la respiration thoracique où l’inspiration emplit les poumons d’air tandis qu’ils se vident à l’expiration.Quelques astuces régulières bien comprises pour travailler sa respiration pour le chant et développer une capacité vocale ample et modulée passent aussi par la connaissance de votre corps et de ses étonnantes facultés de canalisation !L'impact de la respiration abdominale sur le chantLe but de la respiration abdominale est d’obtenir un son continu et ferme dans une seule expiration. Pour que le son, la note ou la parole soit maintenus, ces exercices de respiration pour le chant simples mais entretenus au quotidien chez soi, permettent des progrès rapides, si bien démontrés et dirigés lors d’un cours de chant professionnel, pour une bonne évolution pratique en solo.Vous avez optimisé votre démarche respiratoire ? vous obtenez une voix pleinement arrondie qui vous surprendra par sa fermeté et sa stabilité ! Ne cherchez pas le Contre-Ut ! Seule la qualité de tessiture compte, notamment dans les mélodies très douces et à faible intensité où le travail accumulé de respiration thoracique et abdominale se ressentira alors pleinement.
0 LE ROCK : Populaire et contestataire ...
Le rock est un courant musical et populaire apparu principalement dans les années 50 dans la continuité du blues, du Rythm & blues, du gospel et de la country. Aujourd'hui, le rock se définit de manière relativement large comme un style de vie, une attitude, un mode de pensée immédiatement identifiable et perpétuellement renouvelé, qui va bien au-delà de la musique. Il est un mode d'expression social plus qu'évident.Années 50 et 60 : le « rock'n'roll »Au départ, le rock'n'roll est un mouvement issu du blues et du Rythm & blues noir américain. Le terme de rock est inventé lorsque les blancs s'approprient le style. Les premiers pratiquants du genre s'appellent Bill Haley (et son immense tube « Rock around the clock »), Chuck Berry, Gene Vincent, Buddy Holly, Jerry lee Lewis, Eddy Cochran etc. Les thèmes développés à l'époque sont beaucoup associés à l'adolescence et à la vie ouvrière. Années 70 et 80 : Contestations :C'est dans les années 60 / 70, avec l'apparition des grandes formations et d'icônes (Elvis Prestley, The Beatles, Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Doors), que le genre s'ouvrit au grand public. Il est à l'époque intimement lié aux courants de pensées les plus en avance sur leur temps et il s'amuse d'une attitude provocatrice peu soucieuse du conformisme ambiant. Le rock est alors l'instrument populaire par excellence de contestation sociale.
