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0 10 astuces pour augmenter sa puissance vocale ...
Vous chantez depuis quelque temps déjà, mais vous avez l’impression que votre voix manque de puissance ? Dès que vous essayez de pousser un peu sur votre voix, c’est un son aigu et pas très harmonieux qui sort de votre bouche ? Bonne nouvelle, la puissance vocale n’est pas innée, c’est quelque chose que l’on acquiert en travaillant régulièrement. Même pour ceux et celles qui ont l’impression d’avoir une petite voix qui porte peu, il est tout à fait possible d’augmenter sa puissance vocale grâce à des exercices et à certaines petites astuces qu’on vous livre sans plus tarder ! Astuce n°1 : Toujours commencer par échauffer sa voixLorsque l’on souhaite se mettre à chanter, il est indispensable de prendre un peu de temps pour échauffer sa voix. Bien s’échauffer permet, comme pour un sportif, de livrer une meilleure performance, et surtout d’éviter de se faire mal. Quand on souhaite gagner en puissance, il ne faut surtout pas essayer de pousser trop fort sa voix, mais au contraire, il faut essayer d’atteindre sa puissance maximale petit à petit, et sans forcer.Pour bien s’échauffer, on commence par se détendre et prendre une bonne posture. On commence à respirer de manière calme en se concentrant sur la respiration ventrale. On place si besoin une main sur son ventre pour mieux sentir sa respiration. On pense aussi à bien relâcher sa mâchoire si elle a tendance à se crisper. Une fois bien détendu, on commence à faire des montées et descentes de gammes, idéalement avec un clavier, autrement, a cappella.Pour travailler les lèvres et la langue qui ont leur rôle à jouer en chant, faire des « brr » en cherchant la vibration s’avère très efficace ! Astuce n°2 : Faire des exercices vocauxQue l’on cherche à travailler sa puissance vocale ou une autre difficulté, chanter indéfiniment le même morceau du début à la fin en espérant que la difficulté s’envole à chaque nouvelle tentative, ne donne malheureusement que de piètres résultats. Afin de surmonter une difficulté et de progresser, il faut faire des exercices spécifiques, efficaces et s’entraîner régulièrement.De nombreux ouvrages ainsi que des vidéos tutoriels proposent des exercices à pratiquer au quotidien pour travailler notamment la résonance. Toutefois, l’idéal est de demander à son professeur de chant des exercices sur-mesure.Astuce n°3 : Travailler sa respiration et pratiquer la relaxationSouvent chez les apprentis chanteurs, l’absence de puissance vocale est liée à un problème de respiration. Bien maîtriser sa respiration est la base du chant, sans quoi bien chanter est très difficile. Pour ceux qui rencontrent des difficultés dans la respiration, la pratique de la relaxation et de la méditation s’avère souvent efficace. Les gyms douces comme le yoga et les Pilates sont basés sur la respiration et leur pratique est complémentaire avec l’apprentissage du chant.Astuce n°4 : S’accorder un temps de repos suffisantPour que les cordes vocales donnent le maximum, il faut qu’elles soient suffisamment reposées. Entre deux concerts ou entre deux répétitions, il faut 7 heures de repos minimum. Un sommeil réparateur est également indispensable pour bien chanter. Évitez de trop forcer après une insomnie ou si vous vous sentez particulièrement fatigué, cela ne servirait à rien et vous risqueriez une bonne extinction de voix.Astuce n°5 : Libérer sa voixNe pas réussir à libérer sa voix a souvent pour conséquence le manque de puissance ! La plupart du temps, il est difficile de libérer sa voix quand certaines zones du corps ont tendance à se crisper et à ne pas être relâchées. C’est notamment le cas de la zone qui se situe à la base de l’arrière du crâne, au niveau de la nuque. C’est une partie du corps que l’on pense rarement à solliciter en chant alors qu’elle est essentielle ! Pour réussir à libérer cette zone, pratiquez avant de chanter, le petit exercice suivant :Faire un « mmh » les lèvres fermées. Le but est qu’il vibre au maximum.Ensuite, pendant le « mmh », jouer avec la position des dents ou de la langueRefaire un « mmh » en faisant des petits cercles du bout du nez sans bouger les épaulesL’exercice peut ensuite se corser en rajoutant des sirènes ou des vocalisesAstuce n°6 : Ne pas avoir peur du ridiculeLa peur d’être ridicule en faisant une fausse note ou en sortant un horrible « couac » empêche certains élèves de chant de se libérer totalement, et donc de livrer toute la puissance vocale qu’ils possèdent. Lorsque l’on apprend à chanter il faut également à réussir à se détacher de ce type de craintes. Faire des fausses notes, cela arrive à tout le monde, même aux plus grands chanteurs ! Certains exercices peuvent également donner l’impression d’être ridicule, mais il faut garder en tête qu’ils sont très efficaces et que vous ne serez pas le premier à passer par là. Pour aider à se libérer, entraînez-vous à répéter devant votre miroir, puis ensuite devant quelques proches en qui vous avez confiance. Progressivement vous prendrez de l’assurance ! Astuce n°7 : Avoir une bonne alimentationMême s’il n’existe aucun aliment miracle qui vous permettra d’accroître soudainement votre puissance vocale, il y a tout de même certains aliments à éviter ou au contraire à favoriser, qui vous donneront un petit coup de pouce toujours bon à prendre !D’une manière générale, il est préférable de boire des boissons alcoolisées avec beaucoup de modération, voire de ne pas en consommer du tout, surtout avant une audition ou un concert important. De la même manière, il est déconseillé de boire de l’eau gazeuse, de consommer des produits laitiers et des plats acides ou épicés avant de chanter. Au contraire, il est recommandé de boire des boissons chaudes comme les tisanes avec un peu de miel, du thym, des crudités, des pâtes et du riz.Astuce n°8 : Bien s’hydraterLe savez-vous ? Lorsque vous buvez de l’eau, les cordes vocales sont le dernier organe à être hydraté, car ce sont les organes vitaux qui reçoivent l’eau les premiers. Il est donc important de boire beaucoup d’eau plusieurs heures avant de chanter et pas uniquement pendant ou après. Faire des inhalations de temps en temps contribue aussi à la bonne hydratation des cordes vocales.Astuce n°9 : Faire la différence entre « forcer sa voix » et « la faire résonner »Lorsque l’on chercher à gagner en puissance vocale, il est indispensable de comprendre que ce n’est pas en forçant sa voix que l’on se rapprochera de l’objectif. Pour développer sa puissance vocale, forcer au maximum sur sa voix ne vous mènera pas bien loin et pourrait même casser votre voix. Pour gagner en puissance vocale, vous devez apprendre à la faire résonner. C’est en travaillant sur les différents résonateurs que l’on développe la puissance.Astuce n°10 : Faire appel à un coach vocal Même s’il est possible de progresser en chant par ses propres moyens, faire appel à un coach vocal vous aidera considérablement à résoudre certains blocages et à dépasser certaines difficultés. En vous entendant chanter, le coach vocal saura immédiatement cibler vos difficultés avec précision et sera en mesure de vous corriger et de vous donner des conseils efficaces pour progresser très rapidement !
0 Bien placer sa voix en chant pour gagner en puissance ...
La voix chantée est aussi naturelle pour certains qu'étrangère pour ceux qui ne l'ont jamais vraiment utilisée. Par crainte de sonner trop lyrique, de laisser échapper des fausses notes, ou pire, d'abîmer leurs cordes vocales, les chanteurs débutants favorisent en première intention le registre de leur voix parlée et se montrent plus inquiets sur la pratique des gammes et des exercices d'échauffement.Pourtant, apprendre à placer sa voix en chant constitue une étape importante pour améliorer sa technique et trouver la tessiture qui lui correspond le mieux. Comme pour tout exercice physique, vous devrez commencer par apprendre à connaitre votre organisme et son fonctionnement avant de vous lancer dans les envolées de Whitney Houston. Placer sa voix, quésaco ?Chanter, cet acte si naturel et pourtant si complexe ! De par le monde, les hommes ne sont pas tous égaux face à la capacité ou non de produire une mélodie agréable. C'est en partie liée à la langue natale elle-même. Si vous parlez l'anglais couramment, vous avez sans doute remarqué que les sonorités de cette langue résonnent plutôt au niveau du visage avec des fréquences très aiguës, entre 2000 et 12 000 Hz, tandis que le français se place majoritairement dans la gorge sur des fréquences inférieures à 2000 Hz. Les anglophones auraient-ils plus de chances de devenir de bons chanteurs ? Peut-être pas, mais ils auront en tous cas plus de facilité à repérer la bonne position pharyngée pour chanter. Certaines personnes présentent des dispositions morphologiques qui leur permettent de chanter naturellement avec une voix bien placée. Cependant, il est primordial de savoir quels mécanismes entrent en jeu pour pouvoir réajuster le placement de la voix, après une maladie par exemple.À quoi ressemble une voix placée ?Pour faire simple, la voix placée est le contraire d'une voix forcée. Elle s'exprime avec légèreté, résonne facilement et donne une impression de souplesse sur toute l'étendue du registre. Sans être poussée, la voix placée offre une puissance satisfaisante qui permet aux chanteurs lyriques de concurrencer les orchestres sans utiliser de micro. Elle atteint les aigus sans effort, et descend facilement dans les graves. Grâce à cette technique, il est beaucoup plus facile de développer la justesse des notes. Une des caractéristiques principales de la voix placée, reconnaissable par le chanteur lui-même, et qui en fait d'ailleurs son avantage, c'est qu'elle se fatigue beaucoup moins vite que si la voix est mal placée. C'est ainsi que les professionnels réussissent à assurer des concerts de plus d'une heure sans subir d'altération de la qualité sonore et surtout, sans risque pour leur santé.Les différentes façons de placer sa voix Le placement de votre voix influe autant sur la qualité du son que sur la durée sur laquelle vous parviendrez à chanter sans aucune douleur. Si au bout d'un quart d'heure des tensions se font sentir au niveau du larynx, c'est certainement que votre voix n'est pas positionnée correctement et vous risquez d'abîmer vos cordes vocales. Un mauvais placement n'est heureusement pas une fatalité, et ne conditionne en aucun cas votre capacité à devenir un bon chanteur. Voici les quatre placements que vous pouvez distinguer dans le chant.La voix de gorge ou voix gutturale Elle se retrouve fréquemment chez les débutants, notamment dans la langue française, car comme vous l'avez compris en introduction, celle-ci utilise une fréquence moyenne qui place le larynx dans une position medium, et contribue à bloquer l'accès à des fréquences aiguës. La voix de gorge s'identifie par une impression de haut perché, de sonorité enfantine ou criarde qui semble coincée quelque part au fond de la bouche. Elle est peu naturelle à l'écoute, et manque singulièrement de coffre et de résonance. Si vous avez besoin d'ouvrir démesurément la bouche lorsque vous chantez pour atteindre certaines notes, votre placement est certainement situé en voix de gorge.La voix de nez ou voix nasale Essayez d'imiter une chanteuse de jazz langoureuse, traînez sur les consonnes nasillardes telles que le "m" ou le "n" : ça y est, vous entendez et sentez les vibrations qui se répercutent dans la cavité nasale ? La voix de nez manque clairement de spontané, pire, elle est désagréable à entendre sur tout un morceau. Elle peut servir d'effet ponctuel, mais ne doit en aucun cas constituer l'essentiel de votre technique.La voix de ventre, voix de poitrine ou voix ventrale La voix ventrale, plus fréquemment appelée voix de poitrine, est celle qui se rapproche le plus de la voix parlée. Elle est naturelle, ample, souple, et possède une bonne résonance. Lorsque l'on parle de voix placée, il s'agit généralement de cette dernière qui offre une sonorité personnelle, votre vraie voix en somme. Aussi agile dans les aigus que dans les graves, la voix de poitrine est idéale pour interpréter la majorité des morceaux qui composent le registre de variété, et ne présentent pas de difficulté particulière. En revanche, le registre lyrique et certains passages particulièrement aigus nécessiteront le recours aux quatrièmes types de placement de voix. Lorsque vous utilisez la voix de poitrine, le larynx se place en position basse, dite de repos. Il ne comprime pas les cordes vocales et permet une vibration ample et maîtrisée. Ces vibrations sont amplifiées au niveau du visage, dans le "masque", autrement dit les récepteurs que constituent les différentes cavités buccales, nasales et cervicales. Et la voix de tête, alors ?Un peu à part dans ce classement, la voix de tête mérite un article à elle toute seule. Elle n'est pas plus juste ou plus fausse que la voix de poitrine, mais doit être considérée comme un complément qui permet d'enrichir la tessiture de l'artiste. Le maître mot de la voix de tête, c'est la légèreté. La gorge doit être parfaitement détendue, pour que les vibrations se produisent harmonieusement sur les notes les plus aiguës.Exercices pratiques pour le placement de la voix chantée La position idéale pour chanter Avant de commencer un cours de chant, il faut déjà trouver la bonne position de départ. De celle-ci dépendra le confort du chanteur d'une part, et la qualité du son d'autre part. Debout, abaissez vos épaules et faites-les tourner dans un sens puis dans l'autre. Continuez par le cou et la nuque en hochant doucement la tête. Ouvrez grand votre mâchoire comme pour bâiller-bâillez, si vous en avez envie !- puis emplissez vos joues d'air et dégonflez-les. La tête se tient droite, le regard porté vers l'avant, les pieds écartés à largeur de vos hanches. Vous devez être à la fois complètement détendu et bien stable.Échauffement de la voix Ce conseil, répété et répété, ne perd pour autant pas son sens. La voix s'appuie sur une quantité de muscles qui nécessitent d'être échauffés avant de pouvoir produire le maximum de leur effet. Il est d'ailleurs conseillé de ne pas chanter dans les deux heures suivant le lever, le temps que le corps se réchauffe. Par temps froid, doublez votre temps d'échauffement. Les traditionnelles vocalises s'effectuent d'abord bouche fermée en humming (sur le son "hmm"), en commençant par les notes les plus accessibles puis en montant progressivement. Recommencez ensuite sur des voyelles, puis sur des consonnes.Les exercices pour trouver le bon placement de voix Rien de tel que d'avoir à disposition un bon professeur qui dispense des cours de chant : non seulement vous apprendrez à corriger vos mauvaises habitudes, mais il vous fournira également des pistes pour continuer votre entraînement en toute sécurité pour votre voix. À défaut, voici quelques pistes pour repérer le positionnement adéquat au bon placement de la voix.Chanter sur le ton de la parole : commencez par parler, puis essayez d'intégrer des mots chantés, continuez ensuite sur une chansonAllongez-vous et respirez avec le ventre pour bien ressentir la juste position du diaphragmeTrouver la position du larynx : touchez votre pomme d’Adam en déglutissant, la position idéale du larynx est celle qu'il prend à la fin de la déglutition, bas et relâchéBoucher son nez : chantez ou parlez le nez bouché, vous allez ressentir les vibrations dans la cavité nasale et le son ne sera pas projeté. Au contraire, si vous parvenez à diriger les vibrations vers le crâne, la résonance augmente et vous trouvez la bonne position pour poser votre voix Les différentes techniques pour appréhender le bon placement de la voix s'appuient sur l'idée de mobiliser les résonateurs placés à l'arrière de la gorge, afin de projeter la voix : cette pratique s’appelle la spatialisation du son. Ainsi, vous obtiendrez du coffre sans jamais forcer et le chant sera agréable sur la majorité de l'étendue de votre tessiture. L'importance du placement de la langue en chantantEn parlant de placement de voix, il faut également évoquer la position de la langue qui peut anéantir tout le travail effectué. Pour utiliser au maximum les résonateurs faciaux et le fameux masque du haut du visage, la langue doit se placer à plat dans la bouche, proche des dents inférieures. Si la langue se place trop haut, elle bloque la transmission des vibrations et étouffe une partie du son. Ce défaut survient souvent lorsque le chanteur est trop tendu, la langue étant alors maintenue rigide par sa racine. Pour délier la langue, rien de tel que de pratiquer toutes sortes de grimaces et bruits buccaux.Faites le poissonEnvoyez des bisous, des petits rapides, des longs insistants...Imitez le chien qui halèteFaites du bruit avec vos lèvres comme un moteur qui vibreTirez la langue puis ramenez-la au reposN'ayez pas peur du ridicule, tout est bon pour avoir la langue détendue ! Pensez également à ne pas la ramener trop vers l'arrière de la gorge, au contraire, elle doit frôler les incisives à l'avant de la bouche.Comment maîtriser sa voix sur toute sa tessiture ? Petit rappel : la tessiture de la voix constitue l'ensemble des notes qu'elle peut atteindre de façon homogène, de la plus grave à la plus aiguë. Cette tessiture n'est pas figée et peut s'améliorer, même si cette caractéristique permet de différencier les chanteurs. La soprano aura une tessiture large et aiguë, tandis que la mezzo atteindra facilement les notes plus graves, etc. La difficulté en chant consiste à passer d'une voix de poitrine, utilisée pour les notes plus graves ou medium, à une voix de tête, qui permet des envolées aiguës aériennes. Il existe des techniques pour appréhender cette transition, mais il faut avant tout bien maîtriser le placement de sa voix dans l'un et dans l'autre registre. Chanter aigu pour un homme, ou a contrario grave pour une femme, peut sembler dérangeant, surtout si la voix parlée ne correspond pas à la voix chantée. Une étape importante dans le chant consiste à accepter sa propre voix sans chercher à imiter des timbres entendus. En effet, vous n'êtes, d'une part, pas certain que le timbre en question soit bien placé, d'autre part, il ne correspondra jamais entièrement au vôtre qui est par définition unique. La voix représente la personne que vous êtes, la nier serait nier votre propre personnalité. Plutôt que de vouloir reproduire à l'identique une chanson, donnez-lui votre propre touche qui vous permettra d'être à l'aise avec le morceau tout en vous faisant plaisir. Quelques idées pour travailler autrement un morceau qui vous pose problème :Changez la tonalité en augmentant ou abaissant la note de départModifiez le rythme ou la vitesse si vous avez du mal à suivreAjustez la prononciation (certaines voyelles sont plus faciles à chanter dans les aigus, Le « i » lyrique devient presque un u par exemple)Essayez de ne pas penser à la version originale, mais à un souvenir qui vous est personnel, que vous voulez exprimerPour finir...Gagner en intensité et en volume sonore, telle est la promesse que vous offre une voix bien placée, en plus de préserver la santé de vos cordes vocales. En plaçant votre voix correctement, vous pourrez interpréter facilement des morceaux correspondant à votre tessiture et travailler la justesse de vos phrasés. Vous avez donc tout à y gagner !
0 Apprendre un instrument de musique après 50 ans, c’est possible! ...
Passé un certain âge, nombreux sont ceux à s’estimer « trop vieux » pour commencer une nouvelle activité, ou bien se lancer dans un nouveau projet. Ce qui est souvent le cas pour l’apprentissage de la musique : malgré une forte envie de prendre des cours de piano, de guitare ou tout autre instrument, une petite voix vient semer le doute en posant une question « et s’il était trop tard ? ». L’apprentissage de la musique, un art à tout âge Il est vrai que lorsque l’on s’imagine un élève prenant des cours de musique, c’est l’image d’un enfant qui nous vient le plus souvent à l’esprit. Sports ou activités artistiques, les enfants expérimentent généralement beaucoup de choses avant de vraiment « trouver leur voie » et s’inscrivent à différents cours.Cependant être élève à l’âge adulte est tout aussi normal. Il n’est pas rare qu’après avoir fait des études et avoir construit une famille, quand l’on a enfin un peu de temps à s’accorder, de souhaiter se lancer dans un projet qui nous tient vraiment à cœur, comme l’apprentissage d’un instrument de musique.De nos jours, les adultes prenant des cours de musique sont de plus en plus nombreux, pour une bonne raison : il n’y a pas d’âge pour apprendre la musique, et cet apprentissage est même recommandé pour ses nombreux bienfaits. La musique et ces nombreuses vertusUn bon stimulant pour les neuronesLa musique comme la plupart des arts, a de nombreuses vertus pour le cerveau, ce qui a est mis en avant par de nombreuses études. D’après les chercheurs, beaucoup d’activités n’impliquent que peu de zones du cerveau à la fois. Pourtant, apprendre à jouer d’un instrument de musique provoque une véritable gymnastique dans le cerveau. Pour garder l’esprit vif et stimuler sa mémoire, apprendre la musique est une véritable fontaine de Jouvence. En pratiquant régulièrement votre instrument, vous pourriez bien être surpris de la rapidité de vos progrès ! Choisis un instrument et je te dirai qui tu es Comme beaucoup d’entre nous, vous avez peut-être été contraint d’apprendre un instrument par vos parents ou bien à l’école. Qui n’a pas connu la cacophonie provoquée par 25 élèves apprenant la flûte à bec au collège ou à l’école primaire ? Peut-être avez-vous été obligé de prendre des cours de violon ou de piano par leurs parents ?Ou alors, vous n’avez peut-être jamais eu l’opportunité de toucher un instrument de votre vie et vous vous dites qu’il est temps !Il n’y a rien de mal à vouloir que ses enfants apprennent la musique, au contraire c’est même recommandé. Pourtant, certains d’entre nous sont entrés dans l’âge adulte en éprouvant une certaine amertume pour la pratique de la musique. Être forcé de faire une quelque chose ôte souvent la notion d’épanouissement.Maintenant que vous êtes dans la cinquantaine ou la soixantaine, vous avez la liberté de choisir. Le tout est de savoir ce que vous souhaitez, ce que vous aimez. Quel instrument vous a toujours intrigué ? Avez-vous toujours rêvé de jouer de la guitare ? Votre idole s’apparentait-elle plutôt à un rockeur à la voix éraillée ou bien à une chanteuse lyrique ? Rêvez-vous secrètement de devenir DJ ? Laissez libre cours à vos envies et réveillez la passion qui sommeille en vous et vous verrez à quel point il est gratifiant de produire des sons qui donneront ensuite une véritable mélodie dont vous serez l’auteur. La musique peut renforcer l’estime de soi Commencer à jouer d’un instrument est l’une des clés pour développer sa confiance en soi et la renforcer.Débuter un nouvel apprentissage provoque généralement une baisse de confiance. On hésite, on a l’impression de ne pas y arriver, on a peur de l’échec. Il ne faut pas se décourager pour autant. Ce phénomène est commun à tous les débutants, et ce, quel que soit l’âge. Passer ce cap, vous verrez votre confiance en vous reboostée et pas uniquement dans le domaine de la musique !L’une des idées reçues les plus répandues, c’est que nous rencontrons plus de difficultés à apprendre et acquérir de nouvelles connaissances en vieillissant. Cela est pourtant totalement infondé et rien ne permet d’affirmer une telle chose. Un être humain en bonne santé conserve ses capacités d’adaptations et de mémorisation tout au long de sa vie ! De belles rencontres dans le monde des musiciens Une fois la cinquantaine atteinte et plus particulièrement à la retraite, rester actif socialement peut se révéler être un véritable challenge pour certains. Lorsque leurs enfants quittent le nid, le foyer paraît subitement bien vide et certains ont du mal à faire de nouvelles rencontres.Apprendre à jouer d’un instrument peut être un très bon moyen de rencontrer de nouvelles personnes. Pour commencer, vous aurez surtout des interactions avec votre professeur. Vous pourrez proposer à votre professeur de vous mettre en relation avec d’autres musiciens, ou bien d’organiser des cours en groupe. En plus de faire de nouvelles rencontres, jouer à plusieurs et partager ses compétences est très enrichissant et ne vous fera progresser que plus rapidement. Le mot de la finAlors, pourquoi ne pas laisser la musique entrer dans votre vie ? Lancez-vous ! Votre corps, votre cerveau et votre vie sociale vous diront merci !
0 La fabrication d'un instrument : La Batterie ...
La batterie est un instrument assez complexe de fabrication, partagé entre une fabrication industrielle et une fabrication plus traditionnelle. Cet instrument est composé de multiples accessoires dont les systèmes de fabrication sont radicalement différents. LES FÛTS : LA CAISSE CLAIRE / TOMS Les fûts représentent la partie la plus volumineuse de la batterie, composés généralement de bois, mais aussi de métal ou encore de matériaux composites. Les fûts sont conçus de manière différente selon les marques mais généralement, une batterie standard est créée à partir de multiples couches de bois de même type ou diverses collées les unes sur les autres (appelées « plis ») ayant chacune leur spécificité sonore (érable / acajou / peuplier etc.). Plus le tom dispose de « plis », plus le son est qualitatif et puissant. Egalement, plus le bois est tendre, plus le son est « rond » et profond. Les diamètres des toms diffèrent : de 10 à 12'' pour un tom aigüe, de 13 à 15'' pour un tom medium, de 16 à 18'' pour un tom basse et de 18 à 22'' pour une grosse caisse. Les fûts sont par la suite vernis pour les batteries de haut de gamme ou simplement revêtis d'une feuille de rhodoïde pour les bas de gamme. LA CHARLESTONInventée au début du siècle par le fabricant de cymbale Zildjian, la charleston est un accessoire permettant au musicien de créer la pulsation rythmique d'un morceau. A la fois poumon et repère temporel du jeu d'un batteur, la charleston est un élément indispensable, constitué d'une pédale, actionnée par le pied gauche. Elle permet d'entrechoquer les cymbales fixées plus ou moins haut sur le pied. Une tige de métal permet de fixer celles-ci.LES CYMBALESLeurs formes rondes sont régies par des machines qui apportent une forme circulaire parfaite. Les matériaux sont multiples apportant chacun leurs spécificités sonores. Parmi ces matériaux figurent le bronze, l'étain, l'argent, le métal, entre autres. Les combinaisons de matériaux sont légion, car ils apportent plus ou moins de puissance, de clarté, de sonorités. Chaque cymbale a un son unique conçu en grande partie en Turquie où les artisans les martèlent à la main. Cette fabrication artisanale est à opposer à la fabrication des autres éléments de la batterie très industrialisés : elles sont la signature du set du batteur. LA PEDALE DE GROSSE CAISSEUtilisée par le pied droit du batteur, la pédale de grosse caisse va permettre d'utiliser l'élément le plus lourd et imposant du set : la grosse caisse. Un support en métal prenant la forme du pied droit actionne une mailloche en nylon qui frappe la peau de la grosse caisse.LE PIED DE CAISSE CLAIRE / LE PIED DE CYMBALECes deux types de pieds, servent à fixer les cymbales et la caisse claire. La caisse claire doit être placée devant le batteur à hauteur de ses genoux. Le pied de cymbale (droit ou perche) fixe la cymbale en suspension au dessus des fûts. Ces pieds sont fabriqués industriellement et doivent être solides, robustes, stables et capables de s'adapter à tous les jeux (du jazz au metal). Dans le même thème, retrouvez nos articles : Cours de batterie et percussions et Nos astuces pour progresser rapidement en batterie
0 Top 10 des morceaux de rock les plus faciles à jouer à la guitare ...
Vous venez de commencer à apprendre la guitare et vous avez envie de jouer vos premiers morceaux ? Avant de vous lancer dans l’apprentissage d’un solo complexe digne des plus grands comme ceux de Jimi Hendrix ou de Django Reinhardt, sachez qu’il existe des morceaux et des arrangements de différentes difficultés. Découvrez donc notre top 10 des morceaux de Rock les plus faciles à jouer par les débutants !Jouer des morceaux à sa portée, selon son niveauLorsque l’on débute à la guitare, pour progresser tout en prenant du plaisir l’idéal, c’est de jouer des morceaux qui se composent essentiellement d’accords de base et de rythmes simples. Si votre oreille musicale n’est pas encore assez aiguisée pour retrouver les accords de guitare à l'écoute, pas de panique ! Sur internet vous trouverez des tablatures gratuites et les grilles d’accords de très nombreux morceaux. Pour vous aider, vous pouvez également consulter les vidéos tutoriels d’internautes qui proposent également un large choix de morceaux, et qui sont pour la plupart assez pédagogiques.Si vous avez commencé à prendre des cours de guitare tout récemment et que vous ne vous sentez pas encore tout à fait à l’aise avec certains accords, évitez les morceaux qui contiennent des accords complexes comme les accords barrés. Au contraire, privilégiez les accords basiques (A, D, Em, C, E, G, Am, etc).Attention tout de même à ne pas rester trop longtemps dans sa zone de confort. En parallèle des morceaux simples, travaillez des exercices et les passages compliqués de certains morceaux afin de continuer à progresser. N’oubliez pas non plus de pratiquer des exercices régulièrement pour entraîner votre oreille à reconnaître les notes et les accords et pour entraîner vos doigts à apprendre des accords plus complexes. Jouer des morceaux de guitare pop-rockVous l’avez peut-être déjà remarqué, mais souvent, parmi les morceaux les plus faciles à jouer on trouve une grande majorité de morceaux de rock. John Lenon, Nirvana, The Cramberries, ces morceaux populaires devenus cultes suivent généralement un schéma assez similaire et sont réalisés à partir d’accords simples. C’est pourquoi nous vous proposons un Top 10 des morceaux de rocks les plus faciles à jouer. Let’s rock ! 1. Le vent nous portera de Noir DésirVoici l’exemple d’une rythmique simple pour jouer ce morceau (frottez les cordes uniquement sur le mouvement en gras) :La chanson du groupe Noir Désir, le vent nous portera n’est pas très difficile à jouer à la guitare. Bien sûr, il en existe des arrangements plus complexes, mais vous pouvez très bien vous accompagner au chant avec deux principaux accords à la guitare : l’accord de Ré majeur (D) et l’accord de Mi mineur (Em).[BAS HAUT BAS HAUT BAS HAUT BAS HAUT || BAS HAUT BAS HAUT BAS HAUT BAS HAUT]Ce titre a remporté un tel succès qu’il s’est vu auréolé disque d’or. Est-ce du à la présence de Manu Chao sur la partie guitare, au rythme entêtant de l’accompagnement, ou encore au style plus folk adopté par Noir Désir ? Il s’agit sans doute d’un mélange de tout cela, couplé à la simplicité apparente d’une mélodie qui reste en tête.2. Dead Flower – The Rolling StonesLa chanson Dead Flower des Rolling Stones ne compte que 3 accords : Ré majeur, Sol majeur et La majeur. Une fois que vous vous serez entrainé à enchainer ces 3 accords, vous serez en mesure de jouer l’un des tubes du groupe légendaire !La rythmique particulière utilisée sur ce titre, qui couple une basse et une mélodie en léger décalage auditif, est propre à la country honky tonk. Si votre oreille peine à saisir les placements du chant ou des accords, un professeur de guitare (vers les cours de guitare) vous sera d’un grand recours pour vous guider dans votre apprentissage.3. Turn the page de MetallicaMetallica est bien connu pour son mythique Nothing Else Matters , magnifique chanson sortie au début des années 1990. Si vous adorez le groupe, mais que vous ne vous sentez pas encore suffisamment à l’aise avec votre guitare pour vous lancer dans l’apprentissage du morceau, jouez plutôt Turn the page du même groupe, une reprise populaire d’une chanson de Bob Seger. Vous aurez besoin de connaitre seulement 4 accords de base pour la jouer (C, D, Em, A) !Avec une bonne guitare électrique, vous pourrez aussi vous essayer à la ligne mélodique de la guitare principale, plutôt simple et lente (à part sur les parties solistes). Un excellent moyen de travailler vos slides et vos bends ! 4. Jesus doesn’t Want me for a sunbeam – NirvanaNombreux sont ceux à avoir plaqué leurs premiers accords sur Come as you are de Nirvana. Cette chanson est très facile à jouer, et idéale pour les apprentis guitaristes débutants. Mais pour notre Top 10, nous avions envie de vous proposer quelque chose de différent. Jesus doesn’t want me for a sunbeam est une très belle chanson du groupe Nirvana, mais très facile à jouer grâce à ses quatre accords. N’hésitez pas à la chanter en même temps, vous pourriez être surpris du résultat !Emprunté au groupe The Vaselines, ce morceau existe en version électrique ou acoustique : à vous de choisir vos armes et d’en tirer une ambiance complètement grunge ou plus calme.5. Island in the Sun par WeezerCette chanson très rythmée à la mélodie joyeuse est très agréable à jouer. Ses 4 accords et son rythme assez basiques ne devraient pas vous demander trop de difficulté avec un peu d’entrainement ! Le tout est de travailler la régularité ! Avec les changements réguliers d’accord, vous appréhenderez également peu à peu les déplacements des doigts sur le manche. Pour bien vous entraîner, placez vos doigts dans les différentes positions sans gratter les cordes et habituez-vous à les déplacer. Il sera ensuite plus simple de vous focaliser sur la main qui donne le rythme et sur le chant.6. Waiting for you – Ben HarperVous souhaitez jouer une balade émouvante et vous accompagner au chant ? Waiting for you de Ben Harper est faite pour vous ! N’hésitez pas à vous faire accompagner par un clavier pour ajouter une petite touche de sensibilité en plus. En vacances ou lors d’une soirée, ce morceau plein d’émotion s’interprète facilement sur une petite guitare acoustique de voyage. Si les accords ne vous posent pas de problème, essayez d’ajouter quelques lignes mélodiques pour complémenter la partie chant, ou improvisez un solo en partant de la grille d’accords de base.7. Sullivan Street – Counting CrowsAutre balade pop-rock, Sullivan Street du groupe Counting Crows. Pour la jouer, vous n’aurez besoin que de 4 accords. Ci-dessous, on vous propose une petite cover acoustique pour vous inspirer : Simple et efficace, l’accompagnement s’apprend rapidement par cœur, vous laissant tout loisir de poser votre voix sur les accords. Ajoutez un clavier, une percussion et vous obtenez une ballade idéale pour clôturer un concert intimiste. 8. Heroes – David Bowie“We can be hereos, just for one day”Heroes est une chanson mythique qui a fait le tour du monde et qui n’est pourtant pas si compliquée à jouer ! Si vous savez jouer les accords de do majeur, ré majeur, mi mineur, sol majeur et la mineur alors vous saurez jouer Heroes ! Côté vocal, il sera sans doute compliqué d’égaler les prouesses uniques de David Bowie, toutefois la mélodie étant relativement monocorde pendant les couplets, n’hésitez pas à vous faire plaisir quitte à chanter les parties aiguës à l’octave inférieure si vous avez une voix grave.9. Yellow Submarine – The BeatlesOn connait tous au moins 2 ou 3 chansons de ce groupe de légende. Yellow Submarine est accessible pour tous les guitaristes débutants qui ont envie de jouer de bons morceaux ! Une rythmique régulière en allers-retours et des accords simples vous aideront à jouer cette chanson rapidement. Une atmosphère réjouissante gagnera rapidement vos auditeurs dès lors que vous entonnerez les premiers accords de ce titre mythique. Impossible de ne pas se laisser prendre au rythme et d’entonner le fameux refrain à l’unisson, « We all live in a yellow submarine » !10. Je t’aimais, je t’aime, je t’aimerai de Francis CabrelCette chanson est peut-être celle qui sonne le moins « rock », mais elle est tellement belle qu’il serait dommage de passer à côté. 5 accords vous suffiront à faire couler des larmes d'émotion dans votre public. Le plus gros du travail technique se fait sur les arpèges, qui nécessitent des doigts bien déliés pour capter l’accompagnement délicat et mélodieux de la guitare. Une fois cette gymnastique acquise, laissez-vous porter par la douceur de cet ode à l’amour.Vous souhaitez prendre quelques cours de guitare pour être capable de jouer encore plus de morceaux ?
0 Faut-il préférer le violon acoustique au violon électrique ? ...
Avant de vous orienter vers un violon acoustique ou un violon électrique, découvrons ensemble leur différence et les critères à considérer dans le choix. Dans tous les cas, sachez que la pratique de l’un n’exclut pas la pratique de l’autre, même si cela peut sous-entendre des réajustements dans certains apprentissages…Les grandes différences entre un violon acoustique et un violon électrique ! En comparant un violon acoustique (ou classique) et un violon électrique, vous ne manquerez pas de noter des différences visuelles entre les deux instruments, des singularités qui expliquent les différences dans leur jeu…Les différences entre les deux instrumentsUne structure pleine VS une structure creuseUn violon acoustique s’articule autour d’un corps creux, une caisse de résonance qui va naturellement amplifier le son produit. Un violon électrique s’appuie sur un corps creux qui ne reproduit aucun son sans appareil externe (ampli, sono, enceintes, pédales à effets, etc.).4 cordes VS 5 cordes et plusUn violon acoustique est composé de 4 cordes – de la plus épaisse à la plus fine, Sol, Ré, La et Mi. Un violon électrique en compte souvent au moins 5 (le Do s’ajoute aux cordes traditionnelles), ce qui lui permet d’avoir une corde plus grave (comme les Altos).Une apparence traditionnelle VS, un design éclectiqueUn violon acoustique a systématiquement la même apparence : quel que soit le modèle ou la taille retenu, on y retrouvera la volute, les chevilles, la table d’harmonie, la touche, les ouïes, le chevalet, le cordier… Un violon électrique ne respecte aucun tracé prédéfini – même s’il respecte évidemment les éléments de jeu, comme la touche, le manche ou encore la mentonnière.500 grammes VS 100 grammesSi un violon acoustique pèse en moyenne 480 grammes, le violon électrique peut aussi bien se limiter à 100 grammes comme largement dépasser les 700 grammes. Attention aux instruments trop lourds, qui fatiguent les mains comme les bras et peuvent être à l’origine de tendinites. Les différences dans le jeuUne sonorité naturelle VS une sonorité restituéeCompte tenu de son absence de caisse de résonance, le violon électrique n’offre pas une sonorité identique à celle du violon classique : quand ce dernier n’a besoin d’aucune technologique annexe pour se faire entendre, le modèle électrique doit utiliser un ampli. Concrètement, par le biais des capteurs présents dans son chevalet, il « transforme » la vibration des cordes en un signal électrique transmis à un ampli. À noter que la qualité de la restitution sonore d’un violon électrique dépend de son chevalet et du nombre des capteurs installés dessus.Schématiquement, le violon classique assure une sonorité, à la fois plus nuancée et plus subtile, quand sa version électrique étend considérablement sa palette de sons, grâce à la possibilité d’y insérer des effets.Une vibration VS aucune vibrationUn violon classique utilise sa caisse de résonance pour faire vibrer les sons et permet au violoniste d’y ajouter des nuances avec la technique du vibrato. Un violon électrique n’offre pas cette possibilité, puisque sa structure pleine ne permet pas les vibrations du son : il ne pourra l’obtenir que par le biais d’effets.Comment orienter son choix entre l’un ou l’autre ?Le style de musique jouéL’orientation d’un violoniste vers un instrument classique ou électrique dépend essentiellement du style de musique qu’il souhaite pratiquer. Malgré la polyvalence du violon acoustique, une prévalence pour le répertoire rock, métal, hip-hop ou jazz induit le choix d’un modèle électrique – notamment grâce à l’étendue des effets que l’on peut y coupler. Alors qu’un goût plus prononcé pour les morceaux classiques orientera davantage un violoniste vers un modèle acoustique, pour la subtilité de ses sons.Le contexte autour des sessions de jeuQu’il soit électrique ou acoustique, le prix de l’instrument dépend de sa qualité et de ses finitions. Dès lors, il ne peut être un critère valable pour orienter son choix.Par contre, le bruit peut être un facteur d’influence en appartement. En effet, quand un violoniste classique peut réduire le son produit avec une voc, un violoniste électrique peut totalement l’occulter en utilisant un casque, branché à son ampli ! Un musicien contraint à des horaires atypiques peut apprécier cette nuance. Un violoniste acoustique peut devenir un violoniste électrique (et inversement) ! Heureusement, le choix d’un instrument électrique ou acoustique n’est pas rédhibitoire : la pratique de l’un suppose simplement une période de réajustement, pour pouvoir pratiquer l’autre. En effet, même si les caractéristiques de deux instruments sont très proches, leur différence suppose une certaine adaptation du musicien… À noter qu’il est généralement admis qu’un violoniste acoustique aura moins de difficultés à basculer vers l’électrique que l’inverse, dans la mesure où le violon classique est globalement plus exigeant.Du violon acoustique à l’électrique !Le passage d’une structure creuse à une structure pleine peut perturber le violoniste classique qui a l’habitude d’entendre directement ce qu’il joue. Avec l’électrique, la provenance étant différente (elle vient de l’ampli ou des enceintes), la restitution de cette perception peut déstabiliser le musicien qui perd ainsi un de ses repères clés !L’absence de vibration requiert également une période d’acclimatation : au départ, le violoniste classique risque de forcer sur l’archet, pour parvenir à nuancer ses notes, ce qui ne produit aucune variation sur un modèle électrique. Ce n’est qu’en couplant le mouvement des doigts et les effets que l’on peut obtenir un résultat.Enfin, un poids supérieur peut également entraîner quelques difficultés pendant les premières sessions de jeu : le musicien devra s’habituer et se muscler en conséquence ! Du violon électrique à l’acoustique !Le temps d’apprentissage du violon acoustique est similaire à celui réalisé sur un violon électrique : les deux instruments réclament de l’entraînement et de la rigueur. Mais, si les bases et techniques restent acquises, le passage de l’électrique à l’acoustique va réclamer encore davantage de rigueur, dans la mesure où un violon classique ne tolère aucune approximation !De même, si un violoniste classique construit ses repères autour des vibrations qu’il produit, un violoniste électrique ne pourra pas s’appuyer sur ses acquis et devra entièrement les construire.Les premiers temps, en fonction de la variation de poids entre les deux instruments, le musicien va devoir acclimater sa tenue et à sa posture, aussi bien face à un violon plus léger, que face à un violon plus lourd.Enfin, avec un instrument classique, le violoniste pourra se libérer de ses nombreux appareils – la pédale à effets, le casque haute-fidélité, l’ampli et, le cas échéant, l’équaliseur et la station de travail MAO (Musique Assistée par Ordinateur) pour un retour à l’essentiel !Pour conclure, quel que soit votre choix de départ - violon électrique ou violon acoustique – une période d’acclimatation est requise pour opérer le changement. Une période plus ou moins longue selon les musiciens, mais qui, moyennant un travail soigné et régulier, n’est jamais rédhibitoire ! Pour votre information, sachez que beaucoup de violonistes professionnels disposent des deux types d’instruments et naviguent, au gré des concerts et besoins, entre les deux.
0 Idée reçue n° 5 : «Mon enfant est trop jeune pour commencer la musique». ...
De récentes études nous provenant d’Outre Atlantique ont mis en valeur l’influence positive de l’apprentissage de la musique sur le cerveau des enfants et notamment des enfants de moins de 7 ans.D’après cette étude, pratiquer la musique avant 7 ans permettrait à l’enfant de développer une meilleure coordination dans ses mouvements, de développer son ouverture d’esprit et d’accroitre ses aptitudes de travail en groupe, ses relations avec les autres et une meilleure autodiscipline, influençant à terme ses résultats scolaires.La musique ne ferait donc pas que travailler la partie du cerveau concernant la coordination des mouvements, mais permettrait aussi un développement accru des facultés cognitives et sociales des enfants. Comme nous le précisons souvent à nos élèves, il peut être extrêmement judicieux pour un enfant de débuter un apprentissage de la musique jeune. Cet apprentissage dont nous parlons, et notamment pour les plus jeunes, ne doit cependant pas être centré sur l’éveil musical pendant une année scolaire. Nous en sommes conscients et c’est pour cela que nous conseillons très souvent aux parents de nos élèves d’évoluer dans leur formule. Autrement dit, l’enfant peut faire quelques mois d’éveil musical avant de débuter sur l’instrument qui aura retenu son attention.Pour finir, que les débutants adultes se rassurent, commencer la musique en étant adulte, les aideraient aussi à mieux coordonner leurs mouvements : après deux semaines de pratique intensive, la matière grise se réorganiserait chez les débutants, y compris adultes et séniors. Paroles de profAfin d'éclairer notre propos, Marc, professeur de piano et d’éveil musical, nous apporte son expérience concernant l’enseignement de la musique chez les jeunes enfants."Je suis enseignant depuis une vingtaine d’années et j’essaye depuis tout ce temps de bien faire comprendre aux parents l’importance de l’apprentissage de la musique chez les jeunes enfants. En effet, ces derniers ont souvent d’excellentes capacités à engranger rapidement les informations que je leur apporte et les progrès se font plus rapidement que sur des personnes plus âgées. L’apprentissage de la musique leur permet donc de développer leur concentration, leur rigueur et leur curiosité, des éléments essentiels dans leur vie future.''
0 Trouver des accompagnements musicaux pour le chant ...
En prévision d'une audition ou pour le simple plaisir, chanter avec un accompagnement musical est essentiel pour progresser dans sa pratique vocale et bien appréhender un morceau. Voici quelques pistes qui vous aideront à trouver des partitions et enregistrements dédiés à l'accompagnement de chants classiques ou de variété.Chanter sur des enregistrements d'orchestre ou d'instrumentPour quelques euros, vous trouverez sur les sites d'accompagnement de nombreuses versions mp3 avec orchestre ou instruments pour soutenir votre chant. L'offre concerne principalement le registre classique, et s'adresse d'ailleurs aussi aux solistes instrumentistes qui veulent jouer des symphonies, concertos et autres pièces nécessitant un accompagnement complet. Attention à choisir la bonne version avant de procéder au paiement, l'idéal étant de pouvoir écouter un extrait (démo) directement en ligne juste avant l'achat. C'est une option particulièrement intéressante si vous vous produisez dans des ensembles avec d'autres musiciens, et que vous disposez d'un nombre de répétitions restreint en leur compagnie. Chanter sur les enregistrements instrumentaux vous aidera à :Respecter le tempo du morceauChanter juste, notamment sur les notes d'entréeEnregistrer mentalement les moments où vous ne chantez pas, et les moments de repriseRépéter avec plus de motivation et de rigueurEntraîner votre oreille aux harmonies avec les instrumentsRetenir facilement l'intégralité du morceau Bonus, si vous disposez d'un baladeur mp3, il vous sera aisé d'emporter partout avec vous l'enregistrement pour l'écouter dans les transports en commun, pendant votre pause de midi ou lors d'une promenade. Trouver des morceaux de karaoké pour le chantCréés pour accompagner le chant, les morceaux de karaoké se montrent généralement plus pauvres musicalement que les enregistrements studio, car ils s'appuient sur des sons générés par ordinateur ou synthétiseur. Néanmoins, ce sont de bons supports pour tous les morceaux de variété française, dont certains sont libres de droits. En travaillant avec eux, le chanteur ou la chanteuse apprend à se placer dans le rythme, à respecter la tonalité de la chanson, à varier les nuances en fonction de la mélodie, etc. Certains enregistrements comportent seulement la partie musicale, d'autres intègrent la partie chant à un volume très faible, pour permettre par exemple de s'entraîner à atteindre les notes aiguës en se basant sur la performance de l'artiste. Your browser does not support the video tag. Télécharger des partitions d'accompagnement au piano pour le chantLibres de droit ou payantes, les partitions d'accompagnement sont particulièrement utiles pour les chanteurs qui se produisent avec un pianiste, un guitariste ou un autre instrumentiste. Les morceaux tombés dans le domaine public, c'est-à-dire ne générant plus de revenus pour leurs auteurs, peuvent être facilement trouvés en ligne, comme sur le site de l'International Music Score Library Project qui regroupe des centaines de milliers de partitions. Autre option pour les titres plus récents ou la variété : rendez-vous dans un magasin de musique pour dénicher des partitions actuelles sous différents formats. L'inconvénient reste de devoir acheter tout le book du compositeur même si un seul morceau vous intéresse. Dans ce cas, n'hésitez pas à flâner sur les pages web consacrées aux partitions, qui proposent de nombreux titres d'accompagnement à l'unité, ou à solliciter votre professeur de cours de chant qui pourra sûrement vous prêter quelques partitions. Faire appel à un accompagnateur n'étant pas toujours possible, il vous reste la solution d'apprendre le piano en plus du chant pour vous accompagner, au moins pendant les répétitions. Vous constaterez que cette approche d'un instrument apporte de nombreux atouts à votre pratique vocale, à commencer par la maîtrise du rythme et de la justesse des notes.Chanter a cappella sans accompagnement, une technique difficile ?Le plus simple, finalement, ne serait-il pas de chanter sans accompagnement, en suivant ses propres sensations ? Si les groupes a cappella font fureur ces dernières années, cette pratique requiert une très bonne oreille, du coffre et un sens du rythme parfait pour pouvoir garder le tempo tout le long du morceau. Il s'agit donc d'une technique bien plus complexe que le chant avec accompagnement, en effet, pas d'instrument pour vous remettre sur la bonne note ou vous rappeler la suite du morceau : vous ne pourrez compter que sur votre mémoire et vos compétences musicales.Si vous souhaitez vous lancer et chanter seul ou à plusieurs sans instruments, voici quelques conseils qui vous aideront à appréhender le chant a cappella. Le mot de la finSi vous aimez chanter avec un accompagnement musical, plusieurs solutions s'offrent donc à vous, du téléchargement de mp3 à l'achat de partitions en passant par l'apprentissage du piano. Le plaisir de la musique se partage aussi à plusieurs, dans des groupes ou des chorales, avec les mêmes bienfaits sur l'entraînement de la justesse et du rythme. N'hésitez pas à vous lancer et à tester des répétitions en compagnie d'autres chanteurs. Vous y engrangerez des connaissances et techniques, et nouerez certainement des liens forts avec ceux qui partagent votre passion.
0 Comment réussir une improvisation au piano ? ...
Il y a souvent deux écoles en matière d'apprentissage du piano : ceux qui apprennent par la partition, et ceux qui apprennent par l'oreille. C'est ainsi que l'on pourrait différencier l'improvisation de l'interprétation d'un morceau déjà écrit. Pour autant, savoir improviser n'est pas qu'une question de son, et cette technique requiert un savoir théorique de base indispensable pour pouvoir jouer à plusieurs.Le solfège est-il indispensable pour improviser au piano ? Oui... et non ! Le solfège constitue l'ensemble des règles établies en musique pour noter et identifier. Or, légions sont les musiciens amateurs qui, sans pouvoir déchiffrer une seule note sur une partition, peuvent vous interpréter avec une justesse quasi parfaite le morceau de leur choix. Le solfège n'est pas indispensable pour se lancer dans l'improvisation, mais il reste essentiel de connaitre les principales notions de musique, notamment :les accords et leurs renversementsles gammes majeures et mineuresle rythme binaire, et éventuellement ternaireles nuancesles styles de musique au piano et leurs caractéristiquesInutile de tout maîtriser d'emblée, mais gardez à l'esprit que plus vous approfondirez vos connaissances en la matière, plus vous gagnerez en vivacité et en beauté dans vos improvisations.Pourquoi vouloir improviser au piano ?Plusieurs raisons peuvent vous amener à vouloir jouer vos propres arrangements au piano. D'abord, l'improvisation fait partie intégrante de l'accompagnement au piano, que vous jouiez dans un groupe ou que vous souhaitiez suppléer une chanteuse. Le plaisir de partager la musique s'appuie notamment sur la capacité des musiciens à créer à partir d'une base, afin de provoquer une émulation collective parfois exaltante.Mais l'improvisation sert également des desseins plus personnels, comme celui de vouloir inventer ses propres morceaux. La musique est source de créativité, et l'improvisation permet d'avoir les outils pour l'exprimer du mieux possible. Mélancolie, colère, joie ou tranquillité, tout est possible dès l'instant où vous maîtrisez votre instrument.Enfin, savoir improviser au piano est tout simplement un excellent exercice pour jouer n'importe où, chez des amis ou dans une gare, lorsque vous n'avez pas vos partitions à portée de main. L'effort demandé pour improviser améliore aussi la compréhension de la musique globale, et vous aidera à retenir des morceaux par cœur sans trop d'effort en retenant les accords et la progression de la mélodie. La grille d'accords, une base dans l'improvisation au pianoPrenez un morceau au choix, une symphonie de Mozart, une valse de Chopin, une ballade de Vianney ou un tango de Shakira. Qu'ont en commun ces titres très éclectiques ? Tous, sans exception, sont construits à partir d'une grille d'accords, c'est-à-dire d'un enchaînement d'accords joués par l'accompagnement, sur lesquels se pose la mélodie. Les morceaux les plus simples peuvent comporter seulement trois accords, mais les morceaux les plus complexes rivalisent de changements de tonalités. Si vous vous amusez à retrouver les accords de vos musiques préférées, vous constaterez toutefois que les enchaînements repris sont souvent similaires, ce qui facilite leur apprentissage.Les accords d'une musique se définissent en partie selon la tonalité du morceau. Par exemple, un morceau en do majeur se joue avec les notes de la gamme de do majeur : do, ré, mi, fa, sol, la et si. Les accords choisis comprennent généralement ces notes-là, vous pourrez ainsi retrouver dans le morceau des accords de sol majeur (sol-si-ré), de fa majeur (fa-la-do), ou de la mineur (la-do-mi). Ces accords constituent une base sûre, idéale pour débuter l'improvisation. Par la suite, les accords s'enrichissent de septièmes, de renversements ou d'allitérations.Inventer une mélodie d'improvisation au piano qui sonne juste En partant de la grille d'accords, comment improviser une mélodie sans risquer de faire des fausses notes ? Pour commencer facilement, cantonnez-vous aux notes de la gamme correspondant à la tonalité du morceau. Vous jouez en do majeur ? Concevez votre mélodie uniquement à partir des touches blanches.Un autre repère peut vous aider à concevoir vos premières mélodies d'improvisation. Toujours sur l'exemple du morceau en do, imaginons que la grille d'accords soit la suivant : DO - SOL - DO - FA - DO. Lorsque vous jouez un accord, essayez de vous concentrer sur les notes de l'accord dans la mélodie. Cela pourrait donner sur l'accord de sol, une mélodie qui ferait sol - si - ré - sol. Ensuite, vous enrichissez peu à peu ces notes avec d'autres notes de la gamme de do, puis avec quelques notes rapidement jouées en-dehors de la gamme, etc.Si vous prenez des cours de piano, vous pouvez demander à votre professeur de jouer l'accompagnement, et vous entraîner à improviser des mélodies d'abord très simples, puis de plus en plus élaborées. Cette astuce fonctionne aussi sur les pianos numériques qui proposent des accompagnements préenregistrés, souvent liés à des thématiques comme le jazz, le folklore ou la samba. Instaurer une rythmique d'improvisation au pianoVous arrivez à enchaîner vos accords et à improviser quelques notes à la main droite ? Il est temps de complexifier l'accompagnement de votre improvisation. La main gauche au piano donne le tempo, elle donne également souvent la couleur du morceau. Ainsi en blues, vous retrouverez beaucoup d'accords de septième en accompagnement.Définissez le nombre de temps par mesure de votre improvisation. Généralement, il y en a 2, 3 ou 4 en binaire. Les mesures à deux temps correspondent bien aux marches, aux musiques traditionnelles ou courtes, très rythmées. La mesure à trois temps est typique de la valse, elle produit un rythme entraînant et dansant. Enfin la mesure à quatre temps, la plus récurrente, s'adapte à une grande variété de morceaux. Une fois ce découpage obtenu, à vous de définir la façon dont vous allez jouer les accords :en arpèges (chaque note de l'accord à son tour)plaqués (toutes les notes ensemble)décomposés (note de base puis les deux autres notes ensemble par exemple)renversés (les notes de l'accord sont jouées dans le désordre) etc.Apporter de l'éclat à la mélodie improvisée avec des techniques virtuosesUn mélodie très simple peut prendre un tout autre tour en s'étayant de quelques fioritures, qui apporteront au morceau une dimension plus aboutie. Lorsque vous maîtrisez les trilles et les grands intervalles au piano, n'hésitez pas à en enrichir votre improvisation, tout en restant modeste afin de conserver une mélodie bien audible et agréable à l'oreille.Vous voici maintenant paré pour commencer à improviser sur vos premières grilles d'accords, et évoluer à votre rythme afin d'atteindre vos objectifs. Plus vous travaillerez votre jeu d'improvisation, plus vous aurez de plaisir à en faire !
0 Comment jouer de la guitare lorsque l’on est gaucher ? ...
Contrairement au piano qui sollicite les mains de façon équivalente pour les droitiers ou les gauchers, le guitariste dispose de deux alternatives pour utiliser son instrument. Faut-il apprendre à jouer de la guitare en fonction de sa main dominante ou est-il préférable d'acquérir la même position de base que la majorité des musiciens ? Est-il préférable de choisir une guitare adaptée ou de modifier les cordes d'une guitare de base ?Jimi Hendrix, Kurt Cobain ou encore Tony Iommi n’ont pas seulement en commun d’être d’excellents guitaristes à la carrière mondiale. Ils sont tous les trois gauchers et avaient chacun leur propre manière de gratter leur guitare. Cela peut sembler n’être qu’un détail de peu d’importance, mais lorsque l’on est gaucher et que l’on souhaite apprendre à jouer de la guitare dans un monde où tous les standards (modèles de guitare, ouvrages, vidéos, grilles d’accords, etc) sont faits pour les droitiers Pour tous les musiciens qui se posent des questions, voici un condensé des principaux points à considérer si vous êtes guitariste et gaucher.Guitariste gaucher, droitier ou ambidextre ? Dès la prise en main de l'instrument, le guitariste débutant se retrouve confronté à une question des plus équivoques : dans quel sens la positionner ? Manche vers la droite ou vers la gauche ? À partir de cette première impression, il est déjà possible de repérer une aisance particulière dans telle ou telle position. Certains saisiront d'emblée la guitare manche à gauche, tandis que d'autres se sentiront plus à l'aise avec la tête à droite. Même les droitiers se retrouvent face à un doute, et nombre d'entre eux, avec leur première guitare sur les genoux, réalisent qu'ils la tiennent en position de gaucher naturellement ! Académiquement, un guitariste droitier se placera avec la caisse sous son bras droit, le manche de la guitare placé dans sa main gauche. Inversement, la position de guitariste gaucher utilise la main droite pour plaquer les doigts sur le manche, et la main gauche pour gratter les cordes sur la caisse. Si vous n'avez pas de préférence particulière, vous pouvez apprendre à jouer de la guitare comme un droitier. Lors d'un cours de guitare, le professeur enjoint fréquemment ses élèves à opter pour cette position, car elle épargne certains soucis concernant le matériel, évoqués plus loin. De plus, le guitariste gaucher débutant présente des facilités sur la rythmique et le picking, avec une rapidité et une précision plus développée dans la main dominante.Guitaristes gauchers : et si vous ne parvenez pas à jouer comme un droitier ?Pas d'inquiétude, un débutant peut sans problème commencer la guitare du côté qu'il lui plaira. L'important reste de conserver la position acquise initialement, car le travail des deux mains diffère beaucoup. Gardez à l'esprit que, peu importe la main dominante, l'apprentissage de la guitare présente des contraintes techniques pour tout le monde. Choisissez votre côté, et c'est parti pour les leçons.Les guitaristes gauchers doivent-ils investir dans une guitare spéciale ? La première chose dont il faut bien avoir conscience lorsque l’on souhaite se lancer dans l’apprentissage de la guitare acoustique ou électrique, c’est que l’on utilise autant ses deux mains, même si on les utilise différemment. Un droitier tiendra le manche dans sa main gauche et grattera les cordes à la main droite. En revanche, droitier comme gaucher, la vraie difficulté réside dans la coordination des deux mains. Apprendre la guitare lorsque l’on est gaucher ne sera donc pas plus difficile que pour un droitier. Cependant, selon la manière dont l’on choisit de jouer, certains automatismes supplémentaires sont à adopter dès le début de l’apprentissage.Après tout, les pianistes jouent tous sur un même piano, mais il existe nombre d'instruments qui présentent des modèles droitiers et gauchers : le violon, le violoncelle, la flûte ou encore la clarinette. Qu'en est-il de la guitare ?Le cas de la guitare classiqueLes guitares classiques sont en apparence adaptées à tout le monde : il suffit d'inverser l'ordre des cordes pour pouvoir jouer normalement d'un côté ou de l'autre. Cependant, cette manipulation présente des inconvénients car une guitare est calibrée pour un type de jeu et risque de souffrir d'une inversion des cordes. D'abord, la manipulation en elle-même n'est pas aisée, surtout pour un débutant. Elle demande de la rigueur pour ne pas confondre les cordes et de la dextérité pour les placer correctement. Leur épaisseur varie du simple au double, mais les cordes proches se ressemblent beaucoup. Ensuite, la guitare peut sonner différemment. Sur des modèles d'entrée de gamme, la différence sera minime, mais sur des bonnes guitares, l'équilibre recherché lors de la fabrication sera en quelque sorte bouleversé. De plus, la longueur des cordes est prise en compte selon leur emplacement sur le manche. En modifiant l'ordre, vous risquez de modifier la longueur et donc la résonance finale des cordes. Autre point important, le sillet. Cette fine partie rigide conçue pour accueillir les cordes se paramètre en fonction de la taille de ces dernières. Dans l'idéal, si vous changez les cordes de place, il faut également déloger le sillet et le retourner, sinon les cordes ne s'useront pas de la même façon. Les cordes graves, plus éloignées du sillet, pourront poser problème à votre main située sur le manche. Le meilleur choix à faire, si vous souhaitez jouer sur une guitare classique pour droitier en la retournant, consiste à vous rendre chez un luthier qui pourra calibrer parfaitement votre instrument. Autrement, investissez plutôt quelques euros supplémentaires dans un modèle de guitare pour gaucher. Le cas de la guitare folk et de la guitare électriqueLa guitare folk ressemble à la guitare classique, mais elle possède un accessoire typique des guitares électriques qui la rend asymétrique : le pickguard. Cette plaque en forme de gros haricot se place sur la caisse de la guitare, et permet d'amortir les coups de médiator qui dérapent vers le bas. Il peut aussi cacher le matériel électronique, et servir d'amélioration visuelle. Retournez une guitare électrique : le pickguard se retrouvera en haut de la caisse. Pas très pratique, sauf pour Jimi Hendrix qui affectionnait cette disposition car elle lui offrait un meilleur accès au vibrato. Il faut cependant ajouter qu'il tordait lui-même la tige afin de l'approcher au maximum des cordes... La découpe pratiquée dans la caisse, permettant un accès aux aigus plus simple, se retrouve inversée si les cordes sont changées. L'accès aux graves nécessite rarement une découpe aussi profonde, tandis que les solos deviendront difficiles à exécuter sans l'espace nécessaire pour atteindre les hauteurs du manche. Les branchements, les boutons de sélection, toute l'électronique interne sont conçus pour fonctionner avec une position normale de la guitare. En modifiant le sens du manche, vous devrez ajuster les câbles pour les faire descendre derrière la caisse, accéder aux boutons avec votre pouce plutôt que vos doigts, bref, aller à l'encontre de l'aspect pratique imaginé par la marque de la guitare. La guitare électrique possède en outre une qualité de compensation. Chaque corde est ajustée par un pontet, de façon spécifique. En retournant la guitare, la compensation échoue et la guitare sonne faux. Il faut réajuster le chevalet avec précision pour obtenir à nouveau une harmonie parfaite. Pour débuter, acheter une guitare électrique pour gaucher semble la meilleure option.Réadapter une guitare standardAutre possibilité pour ceux qui ont du mal à trouver le modèle de guitare qu’ils recherchent parmi les versions gauchères : acheter une guitare de droitier et la réadapter pour vous. Pour cela, il vous suffit d’inverser les cordes et de les monter comme sur une guitare de gaucher. Cette méthode est exactement celle qu’avait choisie Jimi Hendrix et cela n’a jamais eu aucun impact sur ses solos ! Attention cependant si vous choisissez d’inverser les cordes : le sillet doit lui aussi être changé pour pouvoir procéder à l’inversion. Selon le modèle de guitare, en particulier pour les guitares électriques, le changement peut être complexe, surtout si vous débutez. N’hésitez donc pas à le faire faire par un luthier professionnel.Où acheter sa guitare pour gaucher ?Beaucoup moins nombreuses que les guitares de droitiers, les guitares de gauchers existent pourtant bel et bien ! Leur nombre est assez restreint. On en compte environ 10% contre 90% guitares de droitier, ce qui correspond à peu près à la proportion de guitaristes gauchers/droitiers. Même si le choix est réduit, vous pourrez trouver de très bonnes guitares de gaucher parmi les marques les plus connues. Petit bémol, ces guitares étant plus rares, leur prix est un peu plus élevé que celui des guitares de droitier, mais rien d’insurmontable non plus. Acheter une guitare de gaucher quand on est gaucher est la solution la plus logique et la plus confortable. Cependant, veillez bien à ne jamais oublier votre instrument de musique car si vous deviez vous en faire prêter un, il y a de grandes chances que ce soit une version pour les droitiers. De façon générale, vous disposez de plusieurs choix pour acheter une guitare :en occasion lors de brocantes et vide-grenierspar les petites annonces entre particuliersdans un magasin spécialisé en ligneen grandes surfacesdans un magasin physique de musiqueSi le choix en magasin est restreint, les enseignes qui vendent en ligne disposent de plusieurs références de guitares pour gaucher. Tout dépend de votre besoin de tester l'instrument avant l'achat : si cela vous est nécessaire, direction le magasin spécialisé. Sinon, tentez votre chance du côté des revendeurs sur internet. Que vous soyez gaucher ou droitier, retrouvez tous les conseils pour bien choisir votre guitare électrique selon le style que vous affectionnez.Les difficultés pour les guitaristes gauchers Trouver une guitare pour gaucher à un bon prixSi vous décidez de jouer sur une guitare pour gaucher, vous constaterez vite une injustice réelle au niveau du choix et des tarifs pratiqués sur les instruments. La clientèle étant plus rare, les fabricants rechignent à s'engager dans ce secteur. La première difficulté du guitariste gaucher est donc de trouver un modèle qui lui plaise et qui corresponde à son budget, souvent sans pouvoir l'essayer avant achat (commande en magasin ou en ligne). Heureusement les marques de guitare s'adressent de plus en plus fréquemment aux musiciens gauchers, et tentent de pallier au manque existant. Voyez du côté de Fender, Yamaha, Takamine, Ibanez, Alhambra ou Seagul.Suivre les tutoriels et apprendre les accordsIl y a la partie facile : votre professeur joue face à vous, il est droitier, vous l'imitez en miroir et le positionnement des doigts en est largement simplifié. La difficulté apparaît avec le déchiffrage des tablatures et des diagrammes d'accords. Ces derniers sont essentiellement écrits pour des droitiers. Il faut alors transposer les indications dans le sens inverse, car si les guitaristes droitiers comptent leurs cases de gauche à droite, les gauchers les comptent de droite à gauche. Ce problème se résout en utilisant des partitions solfiées, puisque la notation musicale est la même pour tous les instruments. Il est toujours temps d'apprendre le solfège !S'entraîner uniquement sur sa guitareÀ moins d'apprendre à jouer de la guitare sur la position droitier, vous serez condamné à utiliser votre instrument pour toutes vos répétitions, mais aussi pour vos concerts ou vos soirées. Vous n'aurez pas de possibilité d'emprunter la guitare d'un ami droitier pour jouer lors d'une soirée, ou de récupérer l'ancienne guitare de vos parents pour vous entraîner pendant les vacances, sauf si vous vous amusez à changer toutes les cordes, avec les inconvénients qui en découlent.Jouer de la main gauche à la guitare, ce que cela change Globalement, être gaucher altérera pas votre manière de jouer et ne vous empêchera jamais de devenir un excellent guitariste. En revanche, à part si vous choisissez de jouer comme un droitier, apprendre la guitare en gaucher nécessite quelques ajustements. Vous devrez apprendre à systématiquement convertir dans votre tête toutes les informations que vous recevrez. Par exemple, les diagrammes d’accords sont tous écrits pour un droitier. Il faudra donc prendre le réflexe du « miroir » et les lire pour votre guitare. Cela nécessitera un petit temps d’adaptation, mais avec de l’entrainement cela deviendra bien vite un automatisme.Quoi qu’il en soit, lorsque vous prenez des cours de guitare, que vous où vous professeurs soit droitier ou gaucher cela ne change absolument pas l’enseignement. Le professeur s’adaptera et vous apprendra selon votre manière de jouer. Jouer de la guitare comme un droitier, pourquoi ?Ils sont appelés "gauchers contrariés", ces guitaristes et autres musiciens forcés au début de leur apprentissage à utiliser leurs mains comme des droitiers. Mais vous pouvez très bien choisir, sans contrainte, d'apprendre la guitare dans la même position que les droitiers, pour plusieurs raisons :Renforcer votre main "faible"Avoir des facilités pour la partie de la main gaucheApprendre les mêmes positions que les autres guitaristesPouvoir jouer sur quasiment tous les modèles de guitareDévelopper votre coordination généraleApprendre la guitare sans solfègeEn plus, augmenter la souplesse et la musculature de votre main droite vous permettra de jouer plus facilement du piano, un instrument complémentaire à la pratique de la guitare.Les guitaristes gauchers célèbresLe plus fameux des guitaristes gauchers reste Jimi Hendrix. Selon les sources, ce virtuose de l'électrique aurait pu être droitier, et aurait choisi de retourner sa première guitare acoustique afin d'en tirer des sonorités uniques. Toujours est-il que le musicien fétiche des années 1960 jouait essentiellement sur des guitares de droitier dont il montait les cordes à l'envers. L'accès au vibrato et aux sélecteurs de micros s'en trouvait facilité, tout comme la production de bends aigus (une modification de la hauteur de la note en tirant sur la corde) et l'apparition de graves chargées en harmoniques. Il est certain qu'à l'époque, les marques de guitare commercialisaient peu de modèles pour gauchers. Les guitaristes devaient ainsi choisir entre le confort d'une guitare adaptée à leur position, ou la variété des modèles de guitare pour droitier. Kurt Cobain, légendaire guitariste chanteur du groupe Nirvana, et Paul McCartney, indissociable membre des Beatles, ne font que s'ajouter à la longue liste des artistes gauchers. Auraient-ils, comme le soutient la croyance populaire, une créativité exacerbée par rapport à la population normale ? Plus d'excuses pour ne pas se mettre à la guitare : droitiers et gauchers y trouvent chacun leur compte !Dans le même thème : 10 choses que tout débutant à la guitare devrait savoir / Pratiquer la guitare quand on a la flemme
