Cours de Musique à Bruxelles & Uccle Categories
0 Guitare folk ou classique : laquelle choisir ? ...
Qu’est-ce qu’une guitare folk ? Qu’entend-on par guitare acoustique ? Comment se décider entre l’une ou l’autre de ces solutions ? Comme il n’est jamais facile de sélectionner une nouvelle guitare, en particulier lorsqu’il s’agit de sa toute première gratte, découvrez notre petit guide qui vous aidera à bien saisir les différences entre les principales alternatives que l’on trouve sur le marché, leurs avantages, leurs inconvénients et leurs spécificités.Guitares folk, acoustique, classique : une question de vocabulaire avant tout?!Pour commencer, avant de vous rendre dans un magasin de musique ou de chercher votre futur instrument sur Internet, vous devez comprendre les subtilités du vocabulaire des guitaristes?! Concrètement, une guitare acoustique peut-être folk ou classique. Comment bien s’y retrouver ? En connaissant parfaitement la définition de chaque terme employé?!Qu’est-ce qu’une guitare classique ?La guitare classique est parfois appelée «?guitare espagnole?», parce qu’elle est particulièrement présente dans les musiques traditionnelles hispaniques. Bien sûr, on l’utilise volontiers dans la pop, puisqu’il s’agit d’un instrument de base incontournable. Ces modèles présentent l’avantage d’avoir une taille assez compacte, ce qui les rend plus accessibles. Leur spécificité réside surtout dans le choix de la matière pour les cordes : elles sont en nylon, ce qui provoque un son que l’on définit comme plutôt «?rond?». Quelles différences avec une guitare folk ?La principale différence entre la guitare classique et la guitare folk se matérialise au niveau des cordes : alors que la première sollicite le nylon, la seconde fonctionne avec l’acier. Cela génère un son très clair, que l’on apprécie plus particulièrement en rock.Attention, même si la nature des cordes est le critère de distinction essentiel entre les guitares folk et classique, ne construisez pas une guitare folk sur une classique en montant des cordes en acier (et vice-versa). En effet, dans la conception de la caisse et de chaque partie de l’instrument, on trouve d’autres différences. On ne peut donc pas «?transformer?» une guitare classique en guitare folk, ni l’inverse. Qu’entend-on par guitare acoustique ?Une guitare acoustique peut être «?classique?» ou «?folk?». En réalité, on utilise ce terme par opposition à la guitare électrique, puisque l’acoustique se caractérise par une caisse creuse large et profonde, avec une rosace au centre. Concrètement, on dispose déjà d’un certain volume sonore sans amplification. Ce n’est pas le cas d’une électrique, qui ne produit aucun son (ou presque) en jouant, sur laquelle il faut toujours raccorder des amplificateurs.Bien sûr, l’acoustique ne dispense pas des grandes représentations, puisque ces instruments peuvent aussi être amplifiés, quand on opte pour les guitares électroacoustiques, avec la forme d’une guitare acoustique, mais tout le nécessaire pour se brancher sur des amplis.Débuter en guitare : faut-il choisir un modèle classique ou folk ?Pour commencer à jouer de la guitare, on peut logiquement se demander s’il est préférable de miser sur un modèle classique ou folk.Concrètement, on considère la guitare classique comme un excellent exercice pour se familiariser avec l’instrument. Elle sera probablement difficile à apprivoiser au début, car son manche est plutôt large, comparé à celui d’une folk ou d’une électrique. Cependant, quand on réussit à bien placer ses doigts sur le manche d’une guitare classique, on peut ensuite très facilement s’adapter à tous les autres types de guitares?!Toutefois, si les premiers essais ne sont vraiment pas concluants, on peut aussi apprendre avec la guitare folk, plus difficile à prendre en main que l’électrique, mais un peu moins impressionnante que la classique. En effet, son manche est légèrement plus fin et moins large. Seule ombre au tableau : les cordes en acier peuvent provoquer quelques ampoules sur les doigts au début, mais la plupart des musiciens s’habituent vite.D’une façon générale, les deux guitares (classique et folk) sont très polyvalentes : on peut les utiliser avec ou sans médiator, pour des solos ou des rythmiques d’accompagnement ou de simples exercices. L’idéal, pour quelqu’un qui veut apprendre la guitare, reste d’essayer physiquement différents modèles en magasin, car il faut savoir s’il parvient à bien prendre le tout en main (le manche est important, mais la taille de la caisse et le poids de l’ensemble peuvent aussi avoir un impact, surtout chez les jeunes).Guitare acoustique classique ou folk : comment la choisir ?Une fois la décision prise entre guitare classique ou folk, il est temps de choisir le modèle qui vous accompagnera. Un moment décisif : ne manquez pas de vous intéresser à tous les critères importants, afin de ne pas regretter cet achat plus tard. Choisir le bon formatEn acoustique ou en folk, toutes les guitares n’ont pas les mêmes dimensions. Sur la guitare classique, le format 4/4 est le plus répandu. En folk, la Dreadnought domine. Il s’agit de tailles «?adulte?», que les personnes jeunes prendront difficilement en main, mais qui offrent généralement de bonnes performances en termes de son.Il existe des formats plus petits, plus maniables pour les enfants : les guitares folk «?Jumbo?» (qui restent toutefois imposantes) sont plus grandes que les mini formats, comme les «?0?», «?00?» et «?000?» de chez Martin. Du côté des guitares classiques, on recommande le 7/8 pour les 11-12 ans et les plus petits formats (1/2) pour les jeunes de moins de 7 ans.Sélectionner le boisL’essence utilisée pour fabriquer une guitare impacte le son généré à chaque note. Le cèdre et l’épicéa dominent le marché de la guitare acoustique (classique et folk). Le premier sera chaleureux et plutôt compatible avec un jeu calme. Pour plus de dynamisme et davantage de possibilités en termes de notes basses, on privilégie l’épicéa.Les plus minutieux regardent également quel bois a été choisi pour les éclisses et le fond, il s’agit parfois d’acajou ou de palissandre. Cependant, si vous débutez, ne vous attardez pas sur l’essence : seuls les musiciens expérimentés observent les différences qui en résultent?!Tester plusieurs largeurs de manchesIl est essentiel de passer du temps, sur chaque modèle de guitare, à tester le manche, en plaçant ses mains sur toutes les cases, en tentant de jouer quelques accords. En effet, vous ne pouvez pas choisir une guitare sur laquelle vous ne vous sentez pas à l’aise. En revanche, si vous débutez, il est normal d’être impressionné par les dimensions de l’instrument : il faudra alors sélectionner le modèle qui vous semble le plus accessible, tout en n’hésitant pas à profiter des conseils d’un vendeur.Généralement, on se sent plus à l’aise sur les manches des guitares folk, parce qu’ils sont moins imposants. Cependant, il est tout à fait possible de trouver une alternative confortable dans le rayon des guitares classiques : testez sans préjugés?!Connaître le style souhaitéChaque guitare a ses propres particularités, au niveau du son, des résonances, de la prise en main, etc. Au moment de sélectionner votre propre instrument, vous devez avoir une idée du registre dans lequel vous voulez vous placer.La guitare acoustique classique, comme son nom l’indique, est préconisée pour jouer des sons classiques, espagnols, brésiliens, jazz ou même de la chanson française. Rassurez-vous, elle ne vous fermera pas non plus la porte au blues, au rock ou à la pop. Toutefois, si vous cherchez à vous placer sur un nombre important de styles différents, nous vous conseillons de préférence la guitare acoustique folk, qui sera plus polyvalente.Naturellement, le choix entre la guitare classique ou folk va reposer sur de nombreux autres critères : votre budget conditionnera la décision, la réputation des différentes marques aussi. Et pour conclure, n’oubliez jamais de regarder les finitions de la guitare, il s’agit d’un bon indice de sa qualité réelle.
0 Allegro, Andante, Largo : comprendre les mouvements au piano ...
Qu'est-ce qu'un mouvement en musique classique ? Comment les différencier dans un morceau de piano, à quelle vitesse les jouer ? Faut-il marquer une pause entre deux mouvements ? Retrouvez toutes les réponses à vos interrogations sur cette notation musicale dans cet article, et les indications à suivre pour bien jouer un allegro ou un largo.Définition du terme de mouvement en musique classiqueIl s'agit en fait d'une partie d'un morceau qui en comporte plusieurs. Vous savez sans doute qu'il existe différentes formes de morceaux de piano, comme la symphonie ou le concerto. Le mouvement qualifie l'un des découpages effectués dans, par exemple, une sonate. Le nombre total de mouvements dépend à la fois de la forme choisie par le compositeur, de l'époque, et de sa propre inspiration.Les mouvements se caractérisent dans la période baroque et classique d'après leur tempo. Dans un concerto pour piano, vous reconnaîtrez majoritairement l'alternance de trois mouvements dans l'ordre suivant : rapide, lent, rapide. Il existe cependant d'autres façons de désigner un mouvement, qui se développent peu à peu après le XIXème siècle. Le compositeur peut choisir de le caractériser par :La structure de composition (fugue, toccata, variation, prélude)Le caractère exprimé dans la partie (scherzo, cantabile)La place du mouvement dans l'ensemble de la pièce (duo, trio, quator)La technique de jeu propre à l'instrument (pizzicato, louré, tierce en taille)Le nom de la danse le cas échéant (gavotte, gigue, sarabande)L'inspiration très personnelle du compositeurAinsi Hector Berlioz, compositeur classico-romantique, nomma les cinq mouvements de sa "Symphonie Fantastique" de façon très poétique, dont voici le dernier, "Songe d'une nuit de Sabbat": Your browser does not support the video tag. Les mouvements au piano classés selon leur tempoParce qu'il s'agit d'une notation encore courante, il est intéressant de connaitre les appellations de mouvements en fonction de leur tempo, c'est-à-dire de leur vitesse d'exécution. Les voici exposés du plus lent au plus rapide.Largo, le plus lentLarghetto, à peine plus rapideLento, lentAdagio, lent, mais plus enjouéAndante, modéréAndantino, modéréModerato, modéréAllegretto, plus rapideAllegro, plus rapideVivace, vifPresto, rapidePrestissimo, très rapideToutes ces vitesses ne se jouent pas au bon vouloir, selon l'interprétation personnelle de chaque pianiste pour ce qui lui semble lent ou rapide. Elles se basent en fait sur le tempo donné par le métronome. Si vous disposez d'un modèle traditionnel de métronome, vous pouvez d'ailleurs constater que chaque palier de vitesse est associé à un des noms de mouvements. La vitesse du Largo correspond à 40 à 60 pulsations par minute. L'Adagio se joue entre 66 et 76 pulsations par minute. L'Andante correspond à 76 à 108 pulsations par minute, tandis que l'Allegro est entre 120 et 168 pulsations par minute.Ces indications laissent toutefois une certaine marge à l'interprète, d'autant plus que le métronome n'existait pas avant le XIXème siècle. La valeur donnée au tempo dépendait alors du chef d'orchestre, de la capacité des musiciens, ou du pianiste pour les morceaux solistes. Actuellement, la vitesse d'exécution recommandée est souvent indiquée par une noire, une croche ou une noire pointée avec un signe "égal" et la valeur du tempo. Un mouvement se jouera ainsi à la noire à 80, ou à la croche à 60.Les autres notations qui peuvent apparaître dans un mouvement de pianoPour aider le pianiste à jouer le morceau de la façon dont l'a souhaité le compositeur, ce dernier ou l'éditeur de la partition peut ajouter un certain nombre de renseignements au-dessus de la portée, relatifs à l'expressivité ou à un changement de tempo au cœur même d'un mouvement.Les indications d'expressivitéElles sont nombreuses, disséminées dans la partition ou indiquées en début de mouvement. Si vous tombez sur une expression inconnue, demandez des précisions à votre professeur de cours de piano qui pourra vous éclairer sur la façon de jouer le passage.Voici quelques notations qui reviennent souvent dans la musique classique, baroque ou romantique :Agitato, de manière rapide et agitéeCantabile, libre, en chantantCon brio, avec brillant, vivacitéCon fuoco, avec feuCon spirito, avec espritGrave, d'un ton graveGrazioso, gracieusementMaestoso, majestueusementModerato, avec modérationMosso, de façon animéeRisoluto, d'un air résoluScherzo, en badinantSostenuto, de façon soutenueVivace, vifCes indications peuvent aussi être modulées par des adverbes comme Poco a poco, peu à peu, Non molto, pas très, Non troppo, pas trop, ou encore Un poco pi, un peu plus. Les indications de modification du tempoBien qu'un mouvement soit joué à priori à un tempo donné, les modifications de vitesse à l'intérieur du mouvement sont fréquentes, d'autant plus que le piano est un instrument particulièrement expressif qui offre de nombreuses possibilités.Le passage concerné peut être accéléré : Animato, Accelerando, Pi moto.Il peut également être ralenti : Rallentado ou Rall., Ritenente ou Rit.Une autre façon de modifier le tempo consiste à l'abolir en laissant au pianiste la liberté de jouer à sa façon dans ce passage, sans tenir compte de la pulsation, voire en ajoutant des improvisations : Ad libitum ou Ad lib., Rubato.Enfin, le retour à la vitesse initiale du mouvement s'indique par les notations suivantes : A tempo, Lo stésso tempo.Les combinaisons d'indication de tempo et d'expressivitéPourquoi se restreindre, après tout, à une seule indication ? Lorsqu'un compositeur souhaite que son oeuvre soit interprétée parfaitement, il peut ajouter autant de notations qu'il le souhaite. On retrouve ainsi le fameux Adagio, ma non troppo, con brio ou encore le Quasi vivace, cantabile.Andante de la Symphonie n°40 en sol mineur, KV. 550 : qu'est-ce que cela signifie ? Le nom d'un mouvement de piano ou de musique classique peut parfois paraître incompréhensible, car il cumule des indications lettrées et des chiffres. D'abord, vous avez pu comprendre à travers cet article la signification du nom de mouvement, qu'il soit déterminé par son tempo (ici, Andante) ou par une autre terminaison. Ce mouvement appartient à un morceau composé de plusieurs mouvements. La symphonie en comporte généralement 4, l'Andante en est dans ce cas le deuxième.Un morceau dit "en sol mineur" est joué dans la tonalité correspondante, il comporte donc certaines altérations valables pour tout le morceau, qui sont dites à l'armure ou à l'armature : le si bémol et le mi bémol.Enfin, l'indication "KV.550" n'est autre qu'une spécificité de l'oeuvre de Mozart, qui a été regroupée dans le catalogue Köchel (en allemand Köchelverzeichnis, abregé KV) et dont ladite symphonie apparaît en 550ème place. Généralement, les compositeurs numérotent leurs œuvres à l'aide de la mention Opus qui signifie tout simplement oeuvre, de façon à pouvoir différencier les morceaux créés. C'est aussi plus facile pour le pianiste de retrouver une valse en particulier en s'aidant du numéro d'opus, surtout pour les compositeurs prolifiques qui ont des centaines de morceaux à leur actif. Faut-il applaudir entre deux mouvements de piano ?L'école classique est très claire sur ce point : pas d'applaudissements entre deux mouvements d'une symphonie ou d'une sonate. En sachant que ces compositions peuvent durer plus d'une heure au total, vous voici prévenu(e) si vous assistez à un concert de musique classique.Cependant, plusieurs cas particuliers peuvent amener les auditeurs à applaudir entre deux mouvements :Dans un cadre moins formel, avec un public éclectiquePour certains morceaux qui invitent le public à applaudir en chœurDans des compositions contemporaines qui présentent de longues pausesAprès une prestation particulièrement remarquable d'un soliste ou d'un chanteurDans le doute, fiez-vous aux autres auditeurs et attendez qu'ils applaudissent pour vous lancer, vous éviterez ainsi l'embarras de faire du bruit au mauvais moment !
0 Les 10 meilleures applications pour les musiciens ...
Nous avons tous une tonne d’application sur notre smartphone pour nous faciliter la vie, faire du sport ou simplement se divertir. Il est désormais possible d’avoir dans la poche une multitude d’outils pour les musiciens. Et comme il est parfois compliqué de s’y retrouver au royaume des applications, nous avons sélectionné les 10 applications incontournables pour tous les musiciens : que ce soit pour apprendre, créer ou découvrir, la musique vous suivra partout ! 1. Shazam, l'incollableShazam, c’est un peu comme le bon copain qui connait tous les groupes du moment et qui est incollable lors de vos soirées blind test. C’est l’application-star des curieux de musique.En soirée, dans un magasin ou même devant votre télévision, la musique est partout ! Cela vous est déjà surement arrivé : vous entendez un morceau qui vous plait, dans un film ou en faisant du shopping mais vous ne connaissez ni l’artiste ni le titre. Vous souhaitez l’inclure à votre playlist favorite ? Shazam a la réponse…Comment fonctionne Shazam ? Le principe est simple, il suffit juste de placer votre téléphone proche de l’enceinte qui diffuse le titre et en quelques secondes seulement vous verrez apparaitre, l’artiste, le nom de l’album et le nom du morceau ! 2. Bands in Town, l'appli "live"L’application par excellence pour les amoureux de concerts ! Vous êtes à Marseille, Bordeaux ou Paris ? L’application scanne directement les pages que vous avez liké sur les réseaux sociaux ou vos artistes préférés dans Deezer ou Spotify. En quelques clics vous trouverez tous les concerts autour de vous avec un classement en fonction de vos goûts. Vous ne raterez plus un seul concert ! 3. Accordeur Fender Tune, sonnez justeLe meilleur accordeur pour smartphone ! Développé par la célèbre marque Fender. Comme leurs guitares, la recette est simple et efficace. Choisissez un accordage sur votre application, accordez votre guitare grâce au micro intégré à votre téléphone, et jouez ! 4. Guitar Pro, vos partitions dans la pocheLe célèbre logiciel Guitar Pro est depuis quelques temps disponible sur smartphone. Toutes les partitions et tablatures pour guitare sont dans votre poche… Vous pourrez acheter des partitions à l’unité ou vous abonner pour un accès illimité. Idéal pour vos répétitions. L’application permet aussi de travailler votre jeu, noter vos idées pour vos futures compositions ! 5. Sing ! Karaoké, vos premiers fans Parce qu’il n’y en a pas que pour les guitaristes, les développeurs de chez Smule ont créé il y a quelques mois l’application idéale pour les amateurs de karaoké.Vous pouvez désormais interpréter vos morceaux favoris à l’aide de votre téléphone et chanter en ligne avec vos amis. Avec plus de 800.000 morceaux disponibles, il y en a pour tous les goûts ! N’hésitez pas à partager vos performances et peut être vous faire vos premiers fans… C’est sûrement le début du succès, Foncez !6. Figure, la magie au bout des doigtsL’application pour les amateurs de musique électroniques et de MAO portable ! Figure c’est votre nouveau séquenceur de poche : vous trouverez à portée de doigts, un clavier basse, un clavier Lead et une boite à rythme. Niveau utilisation, rien de plus simple, vous avez juste à déplacer votre doigt sur votre écran et laissez la magie opérer ! N’hésitez plus une seconde, vous allez adorer. 7. Pro Metronome, ne soyez plus en retardSoyez dans les temps avec votre métronome… C’est l’outil indispensable, que vous soyez chanteur, violoniste, guitariste ou batteur, votre métronome doit vous suivre partout. A l’aide d’une interface intuitive, simple et moderne, vous trouverez toutes les fonctionnalités d’un bon métronome, mais sur votre smartphone. 8. NotesTeacher, le solfège prend vieVous ne verrez plus jamais le solfège comme avant. NotesTeacher, c’est l’application qui va vous aider à travailler votre solfège, elle est parfaite pour les musiciens en herbe. En plus de vos cours de musique vous allez pouvoir compter sur cette application pour vous perfectionner en vous amusant, et pour surprendre votre professeur. Le principe est simple, vous avez deux minutes pour reconnaître et trouver la bonne note sur la portée. 9. GuitarTuna, accordez tout ce que vous voulezGuitarTuna est un accordeur incontournable lorsque l'on commence à jouer d'un instrument à cordes. Grâce à lui, vous pourrez accorder tous types d'instruments : Guitare, Basse, Ukulélé, Mandoline, Banjo, Violon, Violoncelle . . . tout y passe ! Une fois essayé, vous ne pourrez plus vous en passer. 10. Bloom, laissez votre créativité s'exprimer« Bloom est une machine musicale perpétuelle, le jukebox du 21e siècle. Jouez avec lui ou laissez-le jouer seul. » - Simple et efficace, Non ? Développé par le célèbre producteur Brian Eno qui a travaillé avec les plus grands comme David Bowie ou Coldplay. Bloom va vous offrir la possibilité de créer de la musique sans fausse note et de laisser place à votre esprit créatif sans encombre. A l’aide d’une interface simple et colorée, vous créerez des ambiances sonores qui vous porterons au rythme de votre imagination.
0 Apprendre à jouer du violon en autodidacte est-ce possible ? ...
Le violon est un instrument qui fascine beaucoup. Moderne, chic et pourtant si classique à la fois, il s’inscrit dans tous les registres musicaux et revêt tous les sons. Vous êtes alors nombreux à vous demander si le violon peut s’apprendre seul, en autodidacte, loin des cours et du solfège… Voici notre avis sur la question !Découvrir le violon, cet instrument puissant et fragile Si vous avez déjà eu un violon et un archet entre les mains, vous savez peut-être qu’il n’est pas du tout évident d’en obtenir un son clair. Les premières semaines d’un violoniste novice sont assez compliquées à vivre pour les tympans de l’entourage. Les sons ne sont pas clairs, grinçants, abimant parfois l’archet au crin trop ou pas assez tendu… Le violon est déjà un instrument complexe, physiquement parlant, dans la façon dont vous devez le manipuler. Tout le monde peut taper sur la caisse d’une batterie ou pincer les cordes d’une guitare et obtenir un son correct. Mais il en va tout autrement pour le violon !Apprendre à jouer du violon commencerait alors déjà par apprendre la posture du violoniste : quelle est la bonne façon de tenir son instrument, comment utiliser à bon escient la mentonnière et surtout, comment positionner et manier l’archet pour ne pas obtenir un son grinçant et désagréable. Le violon est réellement un instrument que l’on doit apprendre à manier avant d’en jouer.Apprendre le violon tout seul, un parcours semé d’embuchesNous sommes bien placés pour vous parler d’un tel cheminement. Nous vous expliquions il y a peu que le solfège n’était pas un impondérable de la guitare mais qu’il pouvait vraiment être très utile. Pour le violon, les choses sont loin d’être aussi simples. Une fois que vous aurez appris à manier correctement votre instrument, il vous faudra comprendre comment il fonctionne : sonorités et singularité de chaque corde, position des doigts sur la touche, optimisation des va-et-vient de l’archet…Un piano est composé de touches noires et blanches différemment agencées, une flûte comporte des trous ou des clés, une guitare possède des frettes… Tous ces éléments qui pourraient vous permettre de trouver rapidement où positionner vos doigts n’existent pas sur un violon. Un long travail de mémorisation et de nombreux exercices pratiques sont donc nécessaires à la maîtrise de cet instrument. Apprendre le violon en autodidacte, tout en nuancesComme vous pourrez le constater en écoutant un morceau de violon, il s’agit d’un instrument qui demande la maîtrise de nombreuses nuances : sons, hauteurs, cordes pincées ou frottées… Difficile dans ces conditions de jouer un morceau sans partition, sauf si l’on est doté d’un véritable talent (ce qui est possible !).Si vous maîtrisez déjà le solfège, une fois que vous serez parvenu à déterminer sur votre touche quelle position de doigt donne quelle note, et sur quelle corde, vous pourrez commencer à jouer, en vous basant sur une méthode spécialement conçue pour les débutants. Si en revanche vous n’avez jamais pris de cours de solfège, il vous faudra vous armer de patience et prendre le temps de découvrir ce qu’est une partition, ou oser et tenter d’apprendre le violon « au feeling ».Le mot de la fin : même si vous souhaitez apprendre le violon en autodidacte, prendre quelques heures avec un professeur diplômé vous permettra de partir sur de bonnes bases et de vous éviter un découragement précoce. Nos professeurs sont ouverts à toutes propositions et capables de vous délivrer quelques heures de cours pour démarrer, comme plusieurs centaines !Dans le même thème : Apprendre le violon est-ce inaccessible ? / Quels types de morceaux jouer au violon ?
0 Quels sont les plus grands guitaristes d’aujourd’hui ? ...
Lorsque l’on apprend à jouer de la guitare, ou que l’on pratique déjà cet instrument depuis plusieurs années, il est parfois important de pouvoir s’identifier à un guitariste célèbre, d’écouter ses morceaux, de suivre sa carrière et ses évolutions... Il existe tant de styles musicaux, de types de jeux ou de guitare… Nous faisons le point avec vous sur les plus grands guitaristes d’aujourd’hui.Des guitaristes célèbres aujourd’hui, c’est possible ?Alors que les émissions découvreuses de talents se multiplient, et que les chanteurs placés sur le devant de la scène sont de moins en moins des instrumentistes confirmés, il est important de préciser que les grands guitaristes ne sont pas une espèce en voie de disparition. Tous les jeunes guitaristes ont en tête des morceaux de Jimi Hendrix, maître incontesté de la guitare, d’Éric Clapton, de Jimmy Page ou encore de Carlos Santana. Mais il n’est pas nécessaire de remonter si loin dans le temps pour découvrir de réels talents. Le XXIème siècle possède lui aussi son lot de guitaristes aguerris qui méritent toute notre attention et notre admiration. Romane, dans la droite lignée de Django ReinhardtAmateur de jazz manouche mais aussi de créations bien plus personnelles, le guitariste Romane aime aller de l’avant et explorer toutes les possibilités de son instrument. Tantôt classique, électrique ou jazz manouche, il est à l’origine de magazines dédiés à la musique mais aussi de méthodes de guitare. Avec plus de 21 albums à son actif, Romane prend plaisir à jouer avec ses deux fils Richard et Pierre Manetti. À découvrir sans modération sur les routes de France (www.romaneguitare.com) Bill Frisell, à la croisée des styles et des rencontresDepuis déjà 30 ans, le grand guitariste Bill Frisell promène ses doigts sur sa guitare à travers le monde mais aussi à travers les registres musicaux. Ayant appris d’abord la clarinette, il sait combien la musique peut tout, tout jouer, tout transformer, tout transporter. Bill Frisell maîtrise alors le Jazz, le blues, la country mais sait aussi s’essayer à des genres nouveaux, modernes voire expérimentaux. Un jeu discret et pourtant profond, des sons prolongés par des harmoniques puissantes… Le talent de Bill Frisell se trouve surtout dans son corps à corps avec toutes les guitares qu’il touche. Installé aujourd’hui à Seattle, il continue de composer pour lui mais aussi pour le cinéma. (www.billfrisell.com) Jean-Pierre Llabador, la culture et la passion de l’instrumentCelui que l’on surnomme « El Bobo » est l’un des plus célèbres guitaristes français mais aussi peut-être l’un des plus cultivés. Diplômé de l'Université Montpellier III en littérature anglaise et en philosophie, Jean-Pierre Llabador est aussi diplômé du conservatoire de Montpellier et du Guitar Institute of Technology de Los Angeles. Véritable « globe -trotter », il apprécie de jouer avec toutes sortes d’autres instruments ainsi qu’avec les plus grands chefs d’orchestre. Des guitaristes interprètes de talent, c’est aussi possible !Parmi les plus grands guitaristes actuels, vous pouvez aussi compter tous ceux qui sont auteurs-compositeurs-interprètes. Nous ne citerons que quelques français puisque la liste est longue : Jean-Jacques Goldman, Serge Teyssot Gay, Louis Bertignac, Paul Personne, Matthieu Chédid, Maxim Nucci, Thomas Dutronc… Ces musiciens seront plus souvent chanteurs que guitaristes sur scène, ou en tout cas, il sera rare d’entendre d’eux des morceaux purement instrumentaux.La liste des plus grands guitaristes d’aujourd’hui est bien longue et dépend de nombreux critères d’appréciation. Il ne vous reste plus qu’à écouter, vous laisser porter et vous inspirez des plus grands noms de la guitare. Les noms que nous avons cités sont une goutte d’eau dans un océan de talents. Une remarque cependant : très peu de femmes dans ces listes citées sur le net, alors mesdames, à vos guitares ! Retrouvez nos conseils pour mieux jouer de la guitare
0 6 astuces pour réussir son chant au karaoké ...
Issu du Japon, le karaoké est une pratique des plus amusantes pour qui aime s'adonner à la chanson. Nul besoin de connaitre les paroles ou d'avoir un orchestre à disposition : le karaoké permet à tout le monde de chanter les titres les plus connus du répertoire international. Que vous soyez un adepte des bars-karaokés ou que vous aimiez pratiquer chez vous, voici 6 astuces pour bien chanter en karaoké.1. Bien choisir son morceau de karaoké Il y a les morceaux très connus et très risqués, comme "I will always love you" de Witney Houston ou "SOS d'un terrien en détresse" de Balavoine. Évitez à tout prix de vous lancer dans une telle aventure si vous n'êtes pas certain(e) d'avoir la tessiture adéquate !Et puis, il y a aussi tous les morceaux plus faciles, et néanmoins très beaux, qui mettent l'accent sur les paroles ou la mélodie. Dans cette catégorie, vous retrouverez par exemple :Les ballades, au tempo lent, parfaites pour chanter à son rythmeLes morceaux de rock où la précision vocale est moins importante que l'énergieLes morceaux de pop dont le refrain est entonné par tous les invitésLes chants de variété dans le style d'Alizée, Vanessa Paradis ou Charles TrenetLes chants français plus récents avec Christophe Maé, Stromaé, Adèle, etc. 2. Apprivoiser le micro et le système de sonorisation Les micros des bars-karaokés sont positionnés et réglés de façon générale, et donc non adaptée à des chanteurs particuliers. Si vous connaissez quelques bases techniques et que les réglages du micro ne vous conviennent pas, n'hésitez pas à demander à la régie son ou au responsable d'adapter les balances à votre convenance en précisant votre timbre de voix et votre tessiture.Si le micro n'est pas fixé ou statique, vous serez peut-être plus à l'aise en le prenant en main, auquel cas, veillez à le garder à la bonne distance de votre bouche pour que le public vous entende. Pendant les passages musicaux, éloignez-le afin d'éviter les bruits parasites de respiration -attention aussi à l'effet Larsen avec le système d'amplification !3. S'entraîner à chanter du karaoké chez soiIl n'est pas si aisé de chanter tout en suivant des paroles qui défilent. Si l'exercice vous semble laborieux, pourquoi ne pas vous entraîner chez vous avant de pratiquer le karaoké en public ?Internet regorge de vidéos de karaokés dans différents genres, en voici quelques unes :Angèle - Balance ton quoiAlexandra Burke - HallelujahRenaud - Mistral GagnantZaz - Je veux 4. Tenter quelques effets de voix... mais pas tropÀ partir du moment où vous connaissez la mélodie et la majeure partie des paroles, le point intéressant consiste à réellement interpréter la chanson en rajoutant votre propre empreinte musicale. Si vous adorez le rap, vous pourriez improvisez quelques phrases à slamer sur un pont musical. Si votre voix couvre une grande tessiture, particulièrement dans les aigus, le public appréciera une ou deux montées à l'octave pendant le dernier refrain. De manière générale, essayez d'apporter de l'émotion à ce que vous chantez pour mieux toucher le public tout en évitant les prouesses techniques non maîtrisées.Vous pouvez aussi prendre des cours de chant afin de mieux connaitre votre voix et de pouvoir chanter juste et bien.5. Si vous avez le trac, chantez un karaoké à deux ou en groupePlutôt que de rester seul(e) paralysé(e) par le stress devant le micro, demandez à un ami de vous accompagner sur la scène. Bien sûr, il serait préférable que votre proche ait le sens du rythme afin de vous aider à chanter plutôt que de vous embrouiller... En tous les cas, se tenir à deux ou à plusieurs devant un public diminue d'autant le stress ressenti.Vous maîtrisez bien votre voix, et votre ami(e) aussi ? Pourquoi ne pas vous lancer dans une interprétation en duo en alternant les couplets, puis en ajoutant une deuxième voix dans les refrains ? Le public y trouvera certainement autant de plaisir que vous en aurez à chanter.6. Amusez-vous avant tout et prenez plaisir à chanter !Au fond, qu'importent les fausses notes et les trémolos mal placés, le but ultime du karaoké n'est-il pas de se faire plaisir ? Si vous voulez vous lancer dans une voie professionnelle musicale ou tester la scène, c'est également un bon moyen d'apprendre à gérer le trac et le placement de la voix dans un milieu sonorisé.Le premier karaoké est souvent le plus difficile, mais avec ces astuces, vous devriez parvenir à vous lancer dans l'aventure et à y prendre plaisir. Vous risquez même de ne plus vouloir vous arrêter !
0 Quelle chanson choisir pour une audition ? ...
Vous vous apprêtez à passer un casting pour intégrer un groupe de musique, une comédie musicale ? Vous participez à un concours de chant ou bien vous allez bientôt passer une audition pour intégrer une grande école de musique ? Si le morceau de musique n’est pas imposé, bien choisir la chanson que l’on va interpréter a une grande importance et pourrait même être décisif pour le jury. Voici donc quelques conseils pour bien choisir la chanson qui vous ouvrira peut-être la porte sur de future carrière ! Choisir une chanson qui vous ressembleInterpréter une chanson qui vous correspond est sans conteste la clé d’une audition réussie ! Au niveau du texte, la chanson doit être cohérente avec vos valeurs et votre personnalité. Si vous êtes plutôt pétillant(e) et plein(e) d’énergie et que c’est cet aspect de votre personnalité que vous souhaitez mettre en avant, évitez les textes tristes sur les ruptures amoureuses par exemple, ou bien la douleur de la perte d’un être cher. Si le texte de la chanson est assez engagé, il est important que vos convictions soient en accord avec le texte, car chanter, c’est faire passer un message, faire naître une émotion et le meilleur moyen de le faire c’est de puiser dans son vécu et dans ses valeurs.Il est conseillé de choisir une chanson dans laquelle vous pouvez vous identifier facilement. Imaginez une petite fille de 10 ans pleine de vie interpréter « Mad World » de Gary Jules, ou à contrario, un homme barbu et plutôt baraqué, la cinquantaine, chanter « Teenage Dream » de Katy Perry. Ces choix ne seraient pas les plus judicieux et ne mettraient pas forcément votre personnalité en valeur face au jury. Même si vous chantez juste et bien, votre auditoire pourrait ne pas être réceptif à votre interprétation à cause de la « contradiction » évidente. De même, si vous avez un tempérament plutôt posé et que vous avez tendance à rester statique lorsque vous chantez, préférez une chanson assez calme et évitez les chansons dans le style de « I will survive » de Gloria Gaynor. S’imprégner de l’ambiance de l’auditionAvant d’arrêter votre choix il est primordial de bien connaître l’univers du casting. De quoi s’agit-il ? D’un opéra ? Dans ce cas on évitera les styles trop contemporains et on restera dans le classique. S’il s’agit d’une comédie musicale, renseignez-vous sur l’histoire, les influences et l’esprit général du spectacle. Optez ensuite pour quelque chose qui vous semble cohérent. Ne vous sentez pas obligé de chanter absolument un extrait d’une précédente comédie musicale, mais évitez tout de même des chansons dans l’anti-style de ce pour quoi vous candidatez.Vous souhaitez intégrer un groupe de rock ? Ici, même démarche, renseignez-vous sur le style du groupe, leurs influences, ce qu’ils ont déjà produit. Inutile de reprendre un de leur morceaux. Proposez aux membres du groupe une interprétation d’une chanson qui se rapproche de leur genre musical. Cela montrera que vous avez bien compris ce qu’ils recherchent et que vous maîtrisez le style. Pour un concours ou une audition s’il n’y a pas de morceau imposé ou s’il y a également une interprétation libre, optez pour un morceau plutôt « passe-partout ». Evitez les styles assez spécifiques comme le métal, le rap, le trip hop, etc.Autre élément à prendre en compte, la popularité de la chanson. Il est conseillé d’éviter les chansons à la mode que l’on entend sur toutes les stations de radio. Le jury l’aura probablement déjà entendu une dizaine de fois et ces chansons ne vous feront pas sortir du lot. Attention également lorsque vous reprenez les grands classiques comme Michael Jackson, David Bowie, Queen, etc. S'attaquer à des tels monuments est à double tranchant : cela montre votre audace et votre volonté de vous les approprier et cela peut jouer en votre faveur. En revanche, les titres de ces artistes sont tellement connus qu’il est parfois difficile pour le spectateur de se détacher de la version originale.Bien connaitre sa chansonCela peut semble évident, et pourtant on ne le répétera jamais assez : il est indispensable de connaitre sa chanson sur le bout des doigts, d’autant plus qu’avec le stress on a tendance à rapidement perdre ses moyens. Vous avez l’impression de la connaitre par cœur ? Continuez à la travailler encore et encore jusqu’à ce que vous n’ayez plus à y penser pour la chanter. Vous ne la maîtriserez jamais assez ! Optez pour un style musical dans lequel vous êtes à l’aise et pour un morceau dans votre tessiture. Inutile de se lancer un défi supplémentaire en choisissant des chanson qui nécessitent plus d'octaves que vous ne maîtrisez ou en vous improvisant chanteur lyrique si vous n’avez jamais rien chanté d’autre que de la variété ! Votre capacité d’auto-analyse sera également un allier précieux. Jauger son niveau avec objectivité aura son importance dans votre choix. Choisissez une chanson dans votre niveau et avec laquelle vous êtes parfaitement à l'aise. L'objectif n’est pas de montrer vos limites au jury, mais vos capacités, votre technique et tout ce que vous avez dans le ventre !A vous de chanter !
0 Comment apprendre les gammes au piano ? ...
Vous vous êtes mis au piano il y a peu et vous rêvez de pouvoir accompagner d'autres instruments ou même votre voix ? Vous avez entendu parler des gammes et vous souhaitez juste vous exercer ? Voici quelques informations sur les gammes au piano et la meilleure façon de les intégrer. Les gammes, les bases du piano ludiqueLors de ses premiers mois ou premières années d’instrument, un pianiste apprend le solfège, soit les notes et les rythmes, mais pas nécessairement les gammes. Pourtant, c'est l'un des premiers enseignements apportés aux guitaristes par exemple. Les gammes, ce sont donc les notes qui, jouées ensemble, "sonneront bien". Les notes qui composent une même gamme sont dans la même tonalité et sont harmonieuses.Jouer la gamme de Do Majeur, c'est monter d'un Do à l'autre, sur le clavier, les deux mains ensemble, puis redescendre. Le passage du pouce et du majeur sont alors pour cet exemple précis deux étapes techniques qui vous permettrons de jouer vos gammes sans vous arrêter. Plus vous maîtriserez ce passage des doigts, plus votre jeu sera fluide.Si vous numérotez vos doigts de 1 à 5 (le pouce étant le numéro 1), vous devrez monter la gamme ainsi avec votre main droite : Do/1 – Ré/2 – Mi/3 – Fa/1 – Sol/2 – La/3 – Si/4 – Do/5. Vous devrez donc apprendre à passer votre pouce sous votre majeur, tout en gardant la main bien droite. On notera en revanche 5-4-3-2-1-3-2-1 pour la main gauche. Un autre doigté est à maîtriser pour d’autres gammes, ou pour jouer deux gammes à la suite. Répétons nos gammes et nos arpèges"Si nous voulons chaque jour les pratiquer, Nous verrons nos progrès vite encouragés", voilà ce que chantent les Aristochats avec conviction dans le dessin animé éponyme. La rigueur est le secret de l'apprentissage de nombreux instruments et le piano n'échappe pas à la règle. Les gammes peuvent être travaillées seules, à l'aide des notes jouées les unes à la suite des autres, ou via d'autres méthodes. Découvrez comment lire une partition en 7 points."Le Déliateur » d’Ernest Van de Velde est par exemple un recueil d'exercice permettant de travailler à la fois l'enchaînement des notes, la rapidité et le délié des doigts. Certains professeurs conseillent à leurs élèves de poser un objet, par exemple une gomme, sur le dessus de leur main pour que seuls les doigts bougent.La Gamme de Do majeur, mais pas seulement !Les gammes majeures sont les plus simples à maîtriser et bien souvent les plus harmonieuses à l'oreille. C'est pourtant juste une question d'habitude. Les gammes majeures sont en réalité la suite d’intervalles suivante : 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton.Les gammes dites "altérées" sont celles qui ne suivent pas cette logique. Elles sont tout aussi jolies à entendre et vous seront d'une grande utilité lorsqu'il vous faudra par exemple improviser ou accompagner un chanteur par exemple. On différencie trois types de gammes mineures : La gamme mineure naturelle : 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 tonLa gamme mineure harmonique : 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 ton - 1 ton et 1/2 - 1/2 tonLa gamme mineure mélodique : 1 ton - 1/2 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1 ton - 1/2 tonPour tous les élèves qui souhaitent un éclairage particulier, pensez à nos professeurs. Une seule heure de cours peut parfois tout changer. Dans le même thème : 40 termes de solfège expliqués aux débutants, Comment travailler l'indépendance des deux mains ?
0 3 bonnes raisons de s’enregistrer pour apprendre la musique ...
Vous cherchez un moyen de rendre vos entraînements plus efficaces ? Vous avez l’impression de ne plus vraiment progresser voire de stagner en chant, piano, guitare ou tout autre instrument de musique ? Et si vous commenciez à vous enregistrer lorsque vous jouez ? En effet, c’est en vous enregistrant que vous pourrez remarquer une tendance à jouer trop vite ou trop lentement par exemple. Voici donc les 3 raisons qui font de l’enregistrement le meilleur outil pour s’améliorer en tant que musicien !1- Un excellent moyen d’analyser son propre jeuEn tant que musicien, c’est un réel défi de pouvoir évaluer objectivement la qualité de son propre jeu. Au moment où l’on joue, on est tellement concentré pour garder le rythme, suivre la mélodie qu’il devient compliqué d’analyser le son que l’on produit à sa juste valeur. C’est là qu’intervient l’enregistrement ! L’avantage est de pouvoir réécouter et analyser son jeu avec du recul. Si vous n’avez pas de matériel professionnel, aucun problème, vous pouvez vous enregistrer avec votre téléphone portable. Quand vous vous enregistrez, vous pouvez également utiliser un métronome. Après votre entraînement, cela vous permet de vous réécouter et de vous rendre compte des moments où vous vous êtes écarté du tempo. 2- Un moyen de comparer votre jeu à celui des musiciens que vous voulez égalerVous apprenez une chanson ? En vous enregistrant, vous pouvez facilement et rapidement comparer votre jeu à celui du musicien que vous voulez égaler. Voici deux méthodes que vous pouvez utiliser pour imiter vos musiciens préférés :Utiliser un accompagnement musical Si vous avez la chance d’avoir un peu de matériel d’enregistrement, vous pourrez importer des accompagnements musicaux sur votre logiciel de création numérique. Vous trouverez très facilement des accompagnements musicaux ou des pistes d’arrière-plan sur YouTube ou bien sur des sites spécialisés. Si vous n’avez pas de matériel informatique très perfectionné chez vous, vous pouvez utiliser des logiciels simples et gratuits pour ce faire comme par exemple Audacity ou Reaper.En important une piste son, vous pourrez jouer en même temps que votre groupe préféré et vous comparez directement avec le musicien que vous cherchez à imiter ! Utiliser un égaliseur pour accompagner un groupe Cette méthode fonctionne avec certains instruments mieux qu’avec d’autres et nécessite un peu plus de connaissances en son. Si vous importez une chanson sur votre logiciel, vous pouvez utiliser un égaliseur pour ajouter des instruments à votre groupe virtuel. Cela fonctionne notamment très bien pour s’entraîner à la basse. En enregistrant votre propre piste sonore, vous pourrez alors voir la différence entre le bassiste du groupe et vous. Vous mesurerez ainsi le chemin qu’il vous reste à parcourir ou, au contraire, constater que vous pouvez tout à fait le remplacer au pied levé lors de son prochain concert !3- Une solution pour vous rendre compte de vos tics musicauxAu fil des enregistrements, vos tics de jeu vont commencer à vous sauter aux yeux. Au départ, vous ne remarquerez pas vos petites manies, ou tout du moins vous ne réaliserez pas qu’elles en sont. En vous enregistrant, vous allez pouvoir corriger ces mauvaises habitudes comme par exemple une tendance à aller trop vite ou à être en retard sur le tempo. Le mot de la finGardez toujours à l’esprit que rien de ce que vous apprenez n’aura d’importance si vous ne savez pas comment faire en sorte que les gens écoutent volontiers votre musique. Alors n’oubliez pas de vous entraîner régulièrement devant un public, même si celui-ci n’est au départ composé que de votre famille ou de vos amis proches. Ils auront des conseils à vous donner pour que vous deveniez meilleur et ils remarqueront des choses qui vous auraient peut-être échappées lors de vos séances enregistrées.
0 Comment choisir ses cordes de guitare ? ...
Tout guitariste doit passer un jour ou l’autre par l’étape du changement des cordes. Si certains redoutent ce cap parce qu’ils ont peur de se tromper dans la mise en place, d’autres sont perdus dès lors qu’il s’agit de trouver les bonnes cordes : il en existe différents types, pas toujours avec les mêmes matériaux et revêtements. Pour simplifier le choix et guider les musiciens au moment de leur achat, voici toutes les informations à connaître absolument ! Quand faut-il changer les cordes de sa guitare ?La première raison qui pousse les instrumentistes à poser de nouvelles cordes est généralement l’usure. Ainsi, si le manche reste une pièce durable que seuls les professionnels sont parfois amenés à remplacer, les cordes demandent à être renouvelées plusieurs fois, selon un rythme qui variera d’un musicien à l’autre. Si certains changent systématiquement leurs cordes avant un concert important, d’autres ont l’habitude de le faire une fois tous les 4 ou 8 semaines, pour conserver un certain confort et une qualité sonore identique. Idéalement, un guitariste bien équipé aura toujours un jeu de secours sur lui. Pendant un spectacle ou un entraînement, il n’est jamais à l’abri d’un petit accident ! Face à une corde cassée, la seule solution pour continuer à jouer est d’en installer une autre : mieux vaut donc être prévoyant.En outre, il faut savoir que les cordes s’altèrent sous l’effet de la transpiration. Exposées à l’acidité de la sueur, aux saletés qui sont sur les mains et aux « petites peaux » que l’on perd quotidiennement, elles s’oxydent et sonnent moins bien avec le temps. Ainsi, pour garder la même jouabilité et une qualité optimale, on recommande de renouveler régulièrement son jeu de cordes.Comprendre la composition d’une corde de guitarePour savoir quelles cordes acheter pour son instrument, il convient avant tout de connaître leur constitution. Au fil des années, la recherche dans l’univers de la musique a permis de varier les matériaux de fabrication, les types de revêtements et les âmes des cordes. Aussi, pour choisir la meilleure alternative, il est primordial de bien saisir les notions d’âme, de filetage et de gaine.L’âmeComme son nom l’indique, l’âme désigne ce qui forme le cœur de la corde. Matériellement, il s’agit du fil principal, généralement de forme circulaire. Dans certains cas, on identifie aussi des conceptions en hexagone. Différents métaux peuvent constituer cette partie centrale, parmi lesquels on trouve souvent l’acier, le nylon et le nickel.Le filetage Tout autour de l’âme, un second fil est enroulé : c’est le filetage. Encore une fois, si l’on utilise un filage circulaire dans la majorité des cas, d’autres configurations existent également. En effet, on peut trouver des filages plats, notamment sur des basses qui produisent un son mat apprécié dans le jazz. De plus, il existe aussi des modèles sur lesquels un filage intermédiaire est mis en place : il se situe entre l’âme et le filage externe.La gaineBien qu’elle ne détienne pas de caractère obligatoire, la gaine est présente sur une grande majorité de références en vente. Concrètement, une fine couche synthétique vient « enrober » la corde, dans l’optique de la protéger de l’usure prématurée, tout en la rendant plus agréable à jouer.Véritable barrière contre la sueur, la saleté et l’oxydation, le revêtement agit comme une sorte de seconde peau. Par rapport aux anciennes cordes qui n’ont pas de gaine, celles qui en possèdent une ont une durée de vie quatre à cinq fois supérieure. Le tirant, un critère incontournable pour choisir ses cordes de guitareTous les guitaristes parlent fréquemment de « tirant » lorsqu’ils choisissent leurs cordes. Ce paramètre agit sur le « sustain », désignant la durée du son émis quand une corde est pincée à vide. Il impacte aussi la jouabilité.Quel tirant pour les cordes de guitare ?Concrètement, le tirant fait référence au diamètre des cordes. Plus il est haut, plus la corde est tendue et difficile à jouer. À l’inverse, quand le diamètre s’affine, la corde se détend et se montre plus facile à jouer (mais elle résonne moins).Le tirant se quantifie en mentionnant le rapport entre le diamètre le plus fin et le diamètre le plus élevé du jeu. Par exemple, si la corde la plus fine mesure 0,013 pouce et la plus grosse 0,056 pouce, on aura un jeu de « 13-56 ».À titre d’exemple, les guitares acoustiques neuves sont souvent livrées avec des cordes 12-54 : il s’agit d’un tirant léger très couramment utilisé, qui constitue une bonne base pour commencer.Choisir le tirant en fonction du type de guitareLe tirant optimal n’est pas le même pour tous les types de guitares. Si les cordes « light » 12-54 sont recommandées sur les guitares acoustiques, on préconise le tirant 12-53 pour une guitare folk (sachant qu’on peut aller jusqu’à 14-59, pour obtenir davantage de résonance, mais que le jeu sera alors plus difficile). Pour une guitare électrique, un débutant peut se lancer avec un tirant de 9-46, qui sera suffisamment polyvalent pour se placer sur tous les types de jeux. Afin d’améliorer encore la qualité sonore, les plus expérimentés basculent sur un tirant de 10-46. Enfin, le tirant « Custom Heavy » de 11-49 ou 12-52 plaît surtout à ceux qui cherchent un « gros son », avec bien évidemment un niveau de maîtrise confirmé.Un tirant « Light » pour commencer, avant de viser le « Regular » !Les différents tirants sont classés par niveaux, les diamètres les plus faibles étant considérés comme « Light », les intermédiaires « Regular » et les plus épais « Heavy ».Au début, il faut idéalement monter des cordes fines, sachant que c’est avec la guitare électrique qu’on obtient les diamètres les plus faibles. Par la suite, quand le musicien commence à prendre de l’aisance, il peut changer de jeu et augmenter légèrement le diamètre, afin d’avoir plus de possibilités. L’objectif n’est pas forcément de jouer sur les cordes les plus épaisses, mais plutôt de trouver un bon équilibre entre la jouabilité et la qualité du son. Quels matériaux choisir pour ses cordes de guitare ? Plusieurs matériaux différents peuvent composer une corde de guitare. Ils ont naturellement des conséquences sur le son, la jouabilité et la durabilité.L’acier (inoxydable, plaqué nickel ou à filage poli) La majorité des cordes de guitare et de basse sont en acier plaqué nickel. Le choix de l’acier facilite les interactions avec les aimants des micros et l’ajout de nickel permet d’éviter la corrosion, tout en offrant un meilleur confort d’utilisation.Pour avoir un son plus brillant et plus fort, on peut opter pour de l’acier inoxydable. Il sera alors plus rugueux et plus difficile à jouer. On note aussi que cette matière peut entraîner une usure prématurée des frettes, à cause de son côté légèrement abrasif.Enfin, l’acier à filage poli (ou Flatwound) se montre particulièrement agréable. Il évite certains bruits de glissements que les guitaristes redoutent fréquemment. Ce choix concerne essentiellement les instruments des musiciens jazz.Le nickelPlus souples que les cordes en acier, les modèles en nickel permettent d’aboutir sur un son plus doux, qui sera plus faible en sortie de guitare. Ils sont montés pour viser des sonorités chaudes.Le nylon Reconnues pour leur son très brillant, les cordes en nylon se retrouvent essentiellement sur les guitares classiques.Le titaneEn termes de résultats sonores et de confort de jeu, les cordes en titane restent très proches de celles qui sont en acier. En revanche, elles présentent l’avantage d’être insensibles à la corrosion sans être trop abrasives (problème rencontré du côté de ceux qui ont essayé les cordes en acier inoxydable).Du phosphore, du cuivre ou du bronze dans les cordes : à quoi ça sert ? Si les cordes sont constituées d’un métal principal, elles incluent parfois des ajouts qui ont un rôle bien spécifique. Par exemple, quand le phosphore fait partie des composantes, on sait que la précision du son sera meilleure, et le rendu plus chaud. Lorsque l’on souhaite une résonance plus brillante, presque métallique, on sélectionne plutôt le bronze. Enfin, le cuivre sera surtout sollicité pour améliorer la qualité des basses.Concernant la composition des cordes, il est essentiel de connaître son registre, afin de choisir le métal qui correspond le mieux au résultat désiré. De plus, les compositions moins sensibles à l’oxydation ou enrichies avec des métaux spécifiques (cuivre, phosphore) permettent de prolonger la durée de vie des cordes, ou d’avoir un son plus proche des attentes initiales.Pour répondre à des besoins toujours plus ciblés de la part des musiciens, les fabricants continuent d’ailleurs d’effectuer des recherches, en vue d’améliorer leurs produits. Par exemple, on peut trouver des cordes spéciales pour le finger picking, qui incluent une section en soie. Elles adoucissent encore les sons. À l’opposé, les cordes sans gaine et sans traitement satisfont ceux qui aspirent à un très gros son, « à l’américaine ».La gaine protectrice : un revêtement qui révolutionne le quotidien des musiciens !Désormais, la majorité des cordes de guitare sont fabriquées avec une gaine, revêtement les préservant de toutes les saletés auxquelles elles sont naturellement exposées. Permettant de prolonger la durée de vie, elles sont également appréciées parce qu’elles rendent les cordes plus agréables à jouer. Côté son, elles améliorent la brillance.Dans certains cas, seul le filage est gainé. Ici, on protège bien la corde de l’oxydation et de la corrosion, mais on n’empêche pas que des salissures viennent se déposer à la surface et restent coincées dans les mailles.À l’inverse, le choix d’un gainage intégral offre une robustesse supérieure, puisque toute la corde est prémunie des nuisances extérieures. À l’heure actuelle, ce type de gainage n’est pas forcément le plus courant, mais on peut en trouver en demandant conseil aux vendeurs en magasins de musique.Durée de vie des cordes : l’enjeu de l’entretienPour éviter de devoir changer ses cordes trop souvent, les musiciens doivent savoir qu’il est essentiel d’avoir les bonnes habitudes d’entretien.L’essuyage quotidienTous les jours, après chaque séance d’entraînement ou de jeu, il faut essuyer ses cordes de guitare. Un simple chiffon sec en microfibre suffira dans cette optique : il retirera facilement la transpiration, les petites peaux et la poussière.Les traitements chimiques pour protéger les cordesAfin d’augmenter la durée de vie de ses cordes, on peut appliquer un produit d’entretien spécifique pour la guitare. Outre son effet protecteur, il améliore également la sensation de glisse pendant le jeu. Toutefois, il faut bien connaître les consignes du fabricant avant de mobiliser ces mélanges, car certains déconseillent leur usage (notamment quand la corde a déjà été traitée).Enfin, il existe aussi des solutions pour polir le bois de la guitare et la rendre encore plus brillante, à utiliser de nouveau en lisant bien les instructions.Nos conseils pour changer ses cordes de guitareUne fois toutes les règles connues pour choisir et entretenir ses cordes de guitare, on peut enfin passer à leur remplacement. Ici encore, quelques conseils simples s’appliquent :Changer toutes les cordes en même temps. En remplaçant seulement la corde cassée, le son de l’instrument risque de devenir déséquilibré.Démonter les cordes : elles sont tellement tendues que, coupées brutalement, elles peuvent blesser l’utilisateur.Procéder corde par corde plutôt que de tout enlever et de tout remplacer. On enlève une corde, on la remplace puis on en enlève une autre, on la remplace et ainsi de suite.Respecter un ordre prédéfini, en commençant idéalement par la corde du Mi, avant de faire le Mi aigu. On continue avec la corde du La en poursuivant la même logique, pour garder une tension idéale sur tout le manche.Chaque corde doit avant tout être insérée dans le cordier, à l’arrière de l’instrument. Elle vient ensuite rejoindre la tête du manche, on l’embobine et on tourne les mécanismes dans le sens des aiguilles d’une montre.Après ce remplacement, il convient naturellement d’accorder chaque corde individuellement, puis de s’assurer que le son de l’instrument est optimal et harmonieux ! Avec de nouvelles cordes, on remarque parfois qu’il faut raccorder la guitare plus souvent : c’est tout à fait normal. En quelque temps, le manche va se stabiliser et le musicien retrouvera son aisance initiale.
