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0 Quelles partitions de piano faciles à jouer pour les débutants ? ...
Lorsque l’on débute le piano à l’âge adulte et que l’on souhaite éviter les traditionnelles comptines pour enfant comme « j’ai du bon tabac » ou « au clair de la lune », il n’est pas toujours facile de savoir vers quels types de partitions se tourner. Des morceaux qui semblent faciles à l’oreille peuvent s’avérer plus complexes à jouer qu’ils n’y paraissaient. De la même manière, les partitions, lorsque l’on débute en solfège, ne sont pas toujours très parlantes. Comment identifier les partitions de piano qui correspondent à son niveau ? Nous vous proposons quelques astuces et des exemples !Identifier la difficulté d’une partition de piano Que l’on apprenne le piano en solo ou avec un professeur de musique, il est toujours agréable de pouvoir jouer des morceaux que l’on apprécie pour son bon plaisir. Cependant, en fonction de son niveau, surtout si l’on commence à peine son apprentissage, tous les morceaux ne seront pas aussi accessibles et peuvent parfois être un motif de découragement. Pour savoir comment choisir des partitions de piano pour débutant, voici quelques éléments à observer sur les partitions. La longueur du morceauLorsque l’on est un pianiste débutant, mieux vaut éviter les morceaux trop longs qui s’étalent sur des pages et des pages. Jouer des morceaux courts et diversifiés vous permettra d’appréhender différents styles et d’explorer des rythmes et des sonorités différentes.Les écarts de doigts et les mouvements de mainLorsque l’on joue ses premiers morceaux, il est préférable de choisir des partitions qui ne possèdent pas de notes trop éloignées les unes des autres, qui obligeraient à faire de grands mouvements de mains ou des écarts de doigts importants. Un débutant n’a pas la souplesse ni l’agilité d’un pianiste professionnel, ce qui est bien normal. Il faut donc commencer par des morceaux confortables pour les doigts et ainsi éviter de se faire mal ou de se décourager prématurément. Sur la partition, vérifiez donc qu’il n’y a pas de notes consécutives trop éloignées.Choisir une rythmique simpleUn autre élément non négligeable dans le choix de vos partitions, c’est bien entendu le rythme ! Point faible de nombreux débutants, il existe de nombreuses rythmiques et certaines sont beaucoup plus complexes que d’autres. Lorsque l’on commence le piano, on privilégie les rythmes binaires, symbolisés sur la partition sur la première portée par l’indication C, 4/4, 3/4 ou bien 2/4 ou des rythmes ternaires simples (3/8, 6/8, etc). Vérifiez également que les morceaux se composent principalement de rondes, blanches, noires, et croches. Évitez également les tempos trop rapides et les morceaux composés exclusivement de croches pointées, doubles ou triples croches. Bien sûr, si vous trouvez quelques doubles croches sur une partition mais qu’elles restent minoritaires, vous pouvez toujours vous lancer. Au contraire, cela constituera une bonne introduction à des rythmes plus complexes que vous aurez à apprendre lorsque vous aurez acquis un peu plus d’expérience.L’accompagnement et l’indépendance des deux mainsUne des principales difficultés au piano est l’indépendance des deux mains. Pour la travailler progressivement, commencez par choisir des morceaux qui ont un accompagnement plutôt basique, c’est-à-dire, des morceaux où la main gauche a peu de notes à jouer ou bien de quelques accords. Jouez ce qu’il vous plaît !Apprendre progressivement permet d’éviter d’accumuler des lacunes. En revanche, attention à ne pas rester trop longtemps dans sa zone de confort. Lorsque vous maîtrisez 3, 4 ou 5 morceaux du même niveau, n’hésitez pas à augmenter légèrement la difficulté des morceaux suivants pour progresser et éviter de vous lasser.Si toutefois vous souhaitez absolument jouer un morceau en particulier qui vous semble difficile, gardez en tête que rien n’est insurmontable. Si vous souhaitez absolument jouer un morceau qui vous émeut particulièrement, quel que soit son niveau de complexité, lancez-vous ! Cela vous constituera un beau challenge ! Pour maîtriser un morceau complexe, ne vous mettez pas trop la pression. Allez-y progressivement, déchiffrez-le mesure après mesure et n’hésitez pas à vous faire aider par un professeur, des amis musiciens, en regardant des vidéos sur internet, etc.En revanche, continuez à travailler des exercices et des morceaux plus faciles qui vous aideront à atteindre votre objectif et vous redonneront confiance en vous dans les périodes de découragement !Quelques idées de morceaux de piano faciles à jouerVoici quelques idées de morceaux de piano faciles à jouer lorsque l’on est débutant :Mistral Gagnant – Renaud Let it Be – The Beatles My heart will go on – Céline Dion Gymnopédie n°1 – Erik Satie Lettre à Elise – Beethoven Hallelujah – Leonard Cohen My baby just cares for me – Nina Simone No surprises - Radiohead
0 Le vocabulaire du violon et de l'archet ...
Appartenant à la famille des cordes frottées, le violon est un instrument de musique qui se joue, la plupart du temps, avec un archet. Certains musiciens peuvent également choisir de pincer les cordes, suivant la technique du pizzicato. Composé de 70 à 85 pièces, assemblées par collages et emboîtements, le violonl a dévoilé un vocabulaire propre que tout apprenti doit connaître pour apprendre à en jouer correctement. Les grandes parties d’un violonSchéma de l’intérieur d’un violon La têteLa tête du violon est traditionnellement ornée d’une volute (également appelée « coquille », un terme évoquant davantage sa forme enroulée), librement façonnée par le luthier, qui en fera sa signature. Ensuite, la tête se poursuit par le chevillier percé de 4 trous (à raison de 2 par côté), dans lesquels on insérera les chevilles chargées de tenir et de régler la tension de chaque corde : Sol, Ré, La et Mi.Le mancheLe manche relie la tête et le corps du violon. Sur le devant, le luthier colle le sifflet (avec ses 4 encoches pour stabiliser les cordes) et la touche en bois d’ébène sur le manche. Comme son nom l’indique, la touche est l’endroit que l’on touche avec ses doigts.Le corps du violonLa caisse de résonance est composée, sur le devant, d’une table d’harmonie, percée par 2 ouïes, à laquelle on oppose un fond. L’instrument compte également 6 éclisses ondulées sur ses côtés. À noter la présence d’un filet (3 brins de bois) incrusté dans la table et le fond pour suivre et souligner les courbures du violon et prévenir les cassures.À l’extrémité basse du violon, une courte cheville de bois dur est enfoncée dans le tasseau : appelée « bouton », elle sert à fixer le cordier, chargé de recevoir les cordes. À noter qu’un sifflet inférieur vient empêcher le cordier d’altérer la table d’harmonie.Entre la touche et le cordier se trouve le chevalet, situé au niveau des ouïes du violon. Ajourée, cette petite planchette d’érable supporte les cordes et transmet la vibration générée par le passage de l’archet. Les grandes parties d’un archetÉtymologiquement, l’archet est le « petit arc » qui accompagne systématiquement (ou presque) tous les violonistes… Là encore, la connaissance de son vocabulaire conditionne sa bonne utilisation… La têteL’extrémité haute de l’archet abrite une plaque de tête, sous laquelle sont fixés les crins de chevaux. Cette protection peut être réalisée en ivoire, en argent, en or, en nacre ou en bois rares, voire en galalithe (un polymère ressemblant à l’ivoire). À son strict opposé se trouve la tête de l’archet.La baguetteLa mèche compte, en moyenne, environ 80 crins d’étalons, provenant de régions froides comme la Sibérie, la Mongolie ou la Mandchourie. Trop lisses pour produire un son, les crins doivent être frottés avec de la résine de pin ou colophane.À l’opposé de la mèche, il y a la baguette : légèrement cambrée, elle est traditionnellement fabriquée en bois du Brésil, même si certains modèles peuvent être conçus avec d’autres matières comme la fibre de carbone.La poignéeAu talon de l’archet se trouve le bouton : il s’agit d’une vis destinée à régler la tension de la mèche, dont l’écrou se situe dans la hausse, sur laquelle se trouve la pastille, traditionnellement faite dans un matériau précieux (nacre, or, argent…).Pour favoriser la préhension de l’archet, il est muni d’une poucette, au début de la baguette, suivie par la garniture. Un fil de métal fin entouré sur 4 centimètres, destiné à équilibrer l’ensemble et à protéger l’archet de l’usure.
0 Apprendre à jouer de la batterie en 8 étapes ...
En autodidacte ou accompagné par un professeur, apprendre à jouer de la batterie se fait progressivement, étape par étape. Ce n’est pas parce l’on frappe des peaux pour produire du rythme et des sons que l’apprentissage est plus facile que celui d’un instrument « mélodique » comme le piano, la guitare ou le violon. Bien au contraire, dans un ensemble instrumental, la batterie est l’instrument qui va donner le tempo et le rythme. C’est sur son rythme que tous les autres instruments vont se caler. Jouer de la batterie demande donc beaucoup de régularité et de rigueur. Pourtant, une fois que l’on a acquis certaines bases, il est rapidement possible de jouer des morceaux qui ont une rythmique simple. L’apprentissage de la batterie, tout comme celui des percussions classiques doit se dérouler étape par étape et être cohérent pour se voir rapidement progresser. Voici donc les fondamentaux d’un apprentissage réussi en 8 points essentiels. 1. Apprendre à connaitre sa batterieCela résonne comme une évidence, mais avant toute chose il est indispensable de bien connaitre son instrument de musique. Une batterie qu’elle soit acoustique ou électronique se compose traditionnellement :D’une caisse claireD’une grosse caisseDe tomsD’un charlestonD’au moins deux cymbales (ride, crash ou splash)Selon les besoins du batteur, la batterie peut s’étoffer avec l’ajout de cymbales supplémentaires ou de toms. Selon les genres musicaux, il est également possible de voir des batteries complétées par des tambourins, des gongs, ou une cloche. Parfois, principalement dans les groupes de hard rock ou de métal on trouve également des batteries avec deux grosses caisses. Cependant, tous ces éléments complémentaires viennent après avoir acquis un certain niveau. Lors des premiers mois, un kit de base sera amplement suffisant !Dès les premières leçons, le professeur de cours de batterie (> Cours de batterie) vous apprendra le rôle de chacune des peaux. Avec le temps vous serez capables de les reconnaître facilement à l’oreille.Par la suite, l’apprentissage des différentes routines d’entretien vous permettra de conserver votre instrument en bon état : nettoyage des fûts, lubrification des tirants, application de paraffine sur le chanfrein, réglage des ressorts, plus vous prendrez soin de votre batterie, plus vous aimerez en jouer.Posséder une batterie acoustique n’est pas à la portée de tous les débutants. Si vous faites vos gammes sur une batterie électronique, ou que vous préférez simplement utiliser cet instrument plutôt qu’un modèle traditionnel, il faudra vous familiariser avec l’installation des kits pour jouer du rock, du métal, du jazz ou de la musique folklorique. L’entretien, de son côté, sera largement simplifié puisque les modèles électriques ne se dérèglent jamais. 2. Se familiariser avec les rythmes de basesInutile de se précipiter sur votre batterie et d’essayer d’imiter Stewart Copeland ou Keith Moon si nous n’avez aucune notion du rythme. La notion de rythme, cela s’apprend et peut se travailler sans batterie. Dans un premier temps, il est indispensable de connaître les temps en binaire :Ronde = pause : 4 tempsBlanche = demi-pause : 2 tempsNoire = soupir : 1 temps2 croches = 2 demi-soupirs : 1 temps1 croche = 2 quarts de soupir : ½ temps2 doubles croches = 2 quarts de soupir : ½ temps1 double croche = 1 quart de soupir : ¼ de tempsEntraînez-vous à battre la pulsation d’une main et de frapper le rythme de l’autre. Au début, si vous avez l’impression d’être lent c’est normal. Il est préférable de prendre une pulsion lente et d’être juste dans son rythme, plutôt que d’accélérer et de perdre la cadence. En vous entraînant régulièrement, les temps deviendront vite un automatisme et vous permettront de jouer vos premiers morceaux avant de passer à des rythmes plus complexes.3. Apprendre à tenir ses baguettesBien tenir ses baguettes, fermement sans être trop raide nom plus est une étape importante de l’apprentissage de la batterie. La batterie se joue à l’aide d’un outil intermédiaire qui prolonge le corps du batteur. Il est possible de les tenir de différentes manières selon son aisance ou son style de jeu. Pour les débutants, les professionnels recommandent une prise dite « Match Grip » à la française. Dans cette position, la baguette se tient entre le pouce et l’index et la paume de la main reste verticale.Pour en savoir plus consultez notre article sur les différentes prises de baguettes . 4. Jouer progressivement sur les percussionsLa difficulté de la batterie réside dans la synchronisation et l’indépendance des mains et des pieds. Contrairement à un autre instrument de musique, la batterie monopolise le corps entier : les yeux pour la lecture de la partition, les oreilles pour l’écoute des sons et du rythme, les deux mains, les deux bras pour réguler l’intensité de la frappe, les deux pieds (pédale du charleston et pédale de la grosse caisse) ainsi que les jambes. Il faut donc être capable de rendre chaque mouvement indépendant des autres.Là aussi, procéder par étape est essentiel pour être certain de prendre de bonnes habitudes. Dans un premier temps, entrainez-vous à enchainer des rythmes sur une table, par exemple, sans les baguettes. L’idée est vraiment de vous focaliser sur le rythme, le tempo et la régularité. Une fois que vous vous sentez à l’aise, prenez vos baguettes et reproduisez les exercices que vous avez effectués sur la table, sur la caisse claire ou bien sur un pad. Après quelques séances vous pourrez alors commencer à entrainer vos pieds. Votre professeur vous fera travailler le charleston et la grosse-caisse. Quand vous serez à l’aise, vous pourrez alors commencer à travailler l’ensemble sur des tempos lents. Au fur et à mesure que vous progresserez, vous accélèrerez le rythme.5. Utiliser un métronomeL’utilisation d’un métronome est fortement conseillée pour tous les instruments de musique et particulièrement pour l’apprentissage des percussions, afin de vérifier que l’on est bien en rythme. Les professeurs recommandent souvent l’utilisation du métronome aux élèves débutants, mais quelque soit son niveau, utiliser le métronome de temps en temps permet de régler certains petits décalages qu’il est parfois difficile d’identifier par soi-même.En tant que batteur, vous êtes le métronome dans le groupe ou l’orchestre. C’est à vous de savoir donner et garder le bon tempo tout au long du morceau. Pour vous entraîner à appréhender les différentes vitesses, essayez de trouver le nombre de pulsations par minute de vos morceaux préférés, à l’oreille ou en comptant. Au fur et à mesure, votre système auditif s’habitue et retrouve de plus en plus facilement les valeurs correspondantes. Inversement, tentez de jouer un rythme à une vitesse donnée, puis vérifiez avec le métronome la pertinence de votre jeu.Tous les morceaux ne s’effectuent pas à vitesse constante. Dans les parties solos, les ponts ou les interludes, il n’est pas rare de constater un changement de tempo sur la partition, d’où l’importance de pouvoir retrouver rapidement la vitesse adéquate.6. Apprendre le solfège rythmiqueLe solfège rythmique est ce qui permet de lire et d’écrire une partition de batterie. Cette étape est redoutée par beaucoup de débutants, et pourtant elle ne constitue pas une difficulté majeure de l’apprentissage. Elle est néanmoins indispensable pour jouer des partitions ou pour retranscrire sur le papier des compositions. Contrairement à une partition de piano, une partition de batterie ne possède qu’une seule portée, toujours composée de 5 lignes. Sur ses lignes sont notés des symboles correspondant aux différentes percussions et aux différents temps. Selon s’il s’agit des cymbales, des toms ou de la caisse claire, les symboles ne seront pas placés au même endroit sur la portée. Il est donc indispensable de tous les apprendre par cœur pour être rapidement à l’aise dans la lecture de partition.Le solfège peut se pratiquer en voyage, dans les transports en commun, sur le canapé de son salon ou sur sa terrasse. Munissez-vous simplement d’une partition et entrainez-vous à la lire en visualisant les gestes dans votre tête. Si cela vous aide, vous pouvez aussi mimer les coups de caisse claire, de cymbales ou de pédale. Plus votre cerveau déchiffre de partitions, plus cet acte devient instinctif et facile.7. Apprendre des rythmes plus complexesSi vous maitrisez déjà tous les points précédents, il est temps de vous attaquer à des rythmes plus complexes, qui vous permettront de diversifier et de nuancer votre jeu. Certaines rythmiques vous aideront à progresser de manière ciblée :le funk : idéal pour bien apprendre à désynchroniser les deux mains et les piedsle shuffle : s’ initier au ternairele swing : travailler l’indépendance, le ternaire et les cymbalesle bossa nova : travailler l’indépendance en binaire et les doubles coups de grosse caissele reggae : maitriser les triolets et les doubles-crochesle jungle : s’entrainer aux rebonds sur la caisse claire8. S’entrainer régulièrement sur sa batterieIl n’y a pas de secret. Pour progresser il faut s’entrainer, et régulièrement. Ce n’est pas en jouant une heure par semaine que vous pourrez constater de gros progrès. Le mieux est de consacrer un peu de son temps chaque jour à la batterie. Même si cela semble peu, jouer 20 minutes par jour est suffisant progresser de manière régulière. Bien sûr, plus vous jouerez, plus vous progressez !La motivation, utile pour réaliser de longues séances, fait souvent défaut au quotidien. Pour parer à cela, fixez-vous un créneau régulier d’entrainement, et tenez-vous à cette habitude. Après quelques semaines, vous n’aurez même plus besoin d’y penser et vous réaliserez votre session quotidienne avec spontanéité. N’oubliez pas de vous fixer des objectifs et de les évaluer après chaque séance, afin de continuer à progresser. Un plan affiché à proximité de votre batterie peut être une solution idéale pour les avoir toujours à l’œil.Vous avez désormais toutes les clés en main pour devenir un bon batteur ! N’hésitez pas à vous faire accompagner par un professeur pour aller encore plus loin.
0 Comment choisir le piano parfait ? ...
Il n’est pas rare que les élèves et leurs parents demandent à leur professeur quel piano acheter et combien il devrait coûter. En effet, il y a un lien direct entre la qualité de l’instrument et les progrès d’un apprenti pianiste. Un instrument de moindre qualité ne vous laissera pas la même qualité de son et la même finesse des notes. Voici quelques éléments pour vous aider à déterminer un bon piano d’un mauvais investissement ! Le son et les touchesUn bon piano doit avoir un son de haute qualité, ses notes ne doivent pas sonner creux, mais au contraire produire un son à la fois doux, puissant et chaleureux. Leur musicalité doit permettre de remplir la pièce de vibrations. Les touches sont de bonne taille et ont une bonne résistance lorsqu’elles sont appuyées. Les touches dites "lestées" comme sur la plupart des claviers électroniques, qui n’ont pas assez de résistance ne pourront pas aider les muscles des mains et des doigts à se développer correctement pour que chaque doigt devienne fort et indépendant et donc capable de créer une variété de nuances. En appuyant sur une touche, on doit sentir comme un effet de coussin sous ses doigts, pour amortir les chocs subits par les jointures. Si vous optez pour un piano numérique, faites attention au nombre de touches. De nombreux modèles en possèdent moins que les 88 touches traditionnelles, ce qui peut-être problématique pour des morceaux aux tonalités très graves ou très aigües. Les pédales et le pupitreUn bon piano doit également avoir une pédale forte parfaitement fonctionnelle (celle de droite) ainsi qu’une pédale de sourdine (celle de gauche). Elles doivent avoir une bonne résistance, car un bon équilibre permet de mieux contrôler l’expression et la précision d’une performance. La pédale du milieu change de fonction entre différents constructeurs et différents modèles de piano, choisissez celle qui vous convient le mieux. De plus, un bon piano doit avoir un pupitre robuste. Il faut veiller à ce que celui-ci ne soit pas placé trop haut par rapport au clavier afin qu’il soit facile de l’atteindre et donc de tourner les pages des partitions. Numérique ou acoustique ?Les deux choix ont leurs avantages, tout dépend de votre façon de jouer. Le numérique est un excellent choix pour de nombreuses raisons : la sensation de jeu est très proche que sur un instrument acoustique et la qualité du son est superbe. Vous aurez l’avantage de pouvoir brancher un casque audio pour vous entraîner sans gêner quiconque, surtout si vous vivez dans un appartement dont les cloisons ne sont pas très épaisses. Cependant les pianos numériques ont aussi leurs inconvénients. Ce sont des ordinateurs et comme tout ordinateur ils deviennent très rapidement obsolètes étant donné la vitesse à laquelle les technologies se développent actuellement. De plus, lorsque les touches vont commencer à faiblir, elles feront du bruit lorsqu’elles seront frappées, en plus du son du piano. Et enfin, aussi bon qu’il soit, le son d’un clavier numérique ne sera jamais aussi réel et d’aussi bonne qualité que celui d’un piano acoustique. Acheter un piano, un bon investissementAcheter un piano est une dépense non négligeable, mais il faut la voir comme un investissement financier. Comme pour une voiture, la marque peut avoir son importance. En effet, des pianos de marque et de bonne facture prendront de la valeur au fil des années. Si vous débutez le piano ou que votre enfant vous demande de l'inscrire à des cours de piano, vous pouvez opter pour un piano droit d'occasion ou bien un piano numérique moyen de gamme pour commencer et vous tester. Au fil du temps, votre oreille s'aiguisera et vous deviendrez plus sensible et exigeant sur les sonorités, les nuances et toutes ces petites subtilités qui donneront à votre jeu émotion et précision. C'est à ce moment là qu'il est conseillé d'investir dans un piano d'une certaine qualité. Les puristes vous recommanderont d'investir dans un quart-de-queue ou un piano à queue. Si votre budget ne le permet pas, vous pourrez trouver de très bons pianos droits ou numériques à des prix plus abordables !Le mot de la finPour résumer, voici les points importants à vérifier quand vous choisissez votre piano :N'hésitez pas à essayez un maximum de modèles.Prenez des notes sur ce que vous aimez ou pas à propos de chacun.Demandez à d’autres personnes de jouer pour prendre du recul sur la tonalité du piano.Prenez en considération la taille de la pièce dans laquelle vous voulez placer votre piano : il ne sert à rien d’acheter un magnifique piano à queue si vous avez un petit appartement !
0 Comment chanter a Capella ? ...
Le chant dit « a capella » est une technique redoutée par les élèves de collège, dès leurs premiers cours de musique. Dans le monde de la chanson pourtant, les morceaux a capella sont légion et cette technique mérite toute notre attention. Comment bien chanter a capella ? Chanter « a Capella », comment et pourquoi ?Il suffit d’allumer un poste de radio, de télévision ou une chaîne Youtube pour se rendre compte qu’aujourd’hui, chanter se fait presque toujours en étant accompagné. Les labels et producteurs de musique ont même tendance à tout faire pour qu’une voix ne soit pas dévoilée seule : instruments, effets vocaux, équaliseurs, doublements… Cette tendance est en réalité révélatrice d’un autre fait bien connu : chanter seul, a capella, est plus difficile que de chanter en étant accompagné !Le terme « a capella » vient de la tournure italienne « alla capella » qui signifie littéralement « pour la chapelle ». Cette mention était notée dès le début du XIXème siècle sur les partitions et les textes qui devaient être chantés dans les églises, sans aucun instrument. Les chants « A capella » étaitent les plus religieux et les plus traditionnels.Dans le registre musical actuel, chanter un morceau « a capella » signifie simplement chanter sans aucun autre accompagnement. Apprendre à chanter a Capella, c’est possible !Lors des concerts des plus grands chanteurs, même de nos artistes contemporains préférés, les moments de chant a capella sont toujours clos par une salve d’applaudissements. Johnny Hallyday, Céline Dion, Patrick Bruel, Florant Pagny, tous ces chanteurs aux voix puissantes chantent ou ont chanté des parties de leurs chansons a capella. Chanter sans instrument revient à dévoiler sa voix, ses possibilités et donc inévitablement ses défauts. Voilà toute la puissance de ce mode de chant : de la voix, des émotions, et rien que des émotions.Mais pour que le chant a capella soit une réussite, il est nécessaire que le chanteur maîtrise à la fois sa voix, sa respiration et la justesse de ses notes. Souvenez-vous que toutes les oreilles seront tournées vers lui ! Prendre des cours de chant, de façon régulière ou ponctuelle, peut être un coup de pouce salvateur et constructif à la fois.Des exercices pour mieux chanter a CapellaVous ne savez pas si vous êtes capable ou non de chanter a capella ? Mettez votre morceau de musique préféré et chantez de bon cœur par-dessus. Coupez le son quelques instants, quelques secondes ou quelques minutes pour les plus confiants, et remettez le son. Si vous avez su garder la note, félicitations ! Si non, pas de panique, le chant a capella se travaille.Travailler sa respiration : Lorsque vous chantez a Capella, vous ne pouvez pas vous permettre de prendre de grandes et bruyantes inspirations pour reprendre votre souffle.Travailler sa justesse : La voix est un instrument qui se module et se dompte. Chanter juste, cela s’apprend lorsque ce n’est pas naturel. Le chant a capella ne laisse pas de place à l’erreur.Travailler sa puissance : Que vous chantiez seul ou à plusieurs, le chant a capella nécessite une puissance vocale importante.La fluidité de votre diction, votre souffle, votre justesse et votre puissance sont des choses que vous pouvez améliorer aux côtés d’un professeur de chant Allegro Musique.Dans une société qui souhaite revenir à l’essentiel, au naturel et à l’humain, le chant a capella retrouve toutes ses lettres de noblesses. En témoignent des groupes tels que Pentatonix, Voca People, L.E.J. ou encore le succès de l’application « Acapella ».
0 Comment concilier cours de musique, travail et famille ...
Entre un travail prenant, des trajets pas toujours reposants et une vie de famille, des amis dont on a envie de profiter, il nous parait souvent difficile de caser une activité supplémentaire. Et notre piano prend la poussière en attendant qu’on « ait le temps ». Quel dommage quand on connait tous les bénéfices que la musique et le temps consacré à une activité personnelle peut nous apporter.Romain J, 42 ans, a longtemps hésité avant de reprendre ses cours de guitare, abandonnés à l’adolescence : « avec 2 enfants dont un tout petit, j’avais l’impression de ne rien pouvoir faire d’autre que de m’écrouler dans le canapé en fin de journée. Pourtant je m’étais toujours dit que, même papa, je saurai me laisser la place pour des activités personnelles. Mais une fois en situation, ça n’était pas si simple ! Un de mes amis, qui chantait beaucoup depuis toujours, m’a pas mal tanné pour que je reprenne ma guitare, il m’a parlé de former un groupe, ça m’a motivé et j’ai sauté le pas. Je me suis organisé pour réserver un peu de temps à ma passion, et finalement, non seulement ça n’a rien d’impossible, mais je me sens aussi encore plus pleinement épanoui » S’organiser pour jouer c’est possible !Le maître mot pour Romain a été l’organisation. Hors de question pour lui que ça empiète trop sur sa vie de famille. Mais progresser dans l’apprentissage d’un instrument, cela ne veut pas dire travailler des heures par jour.Il est important d’être régulier, quitte à répéter 10-15 minutes par jour. Cela sera bien plus bénéfique et agréable que de travailler deux heures la veille de son cours. Le cerveau a besoin de digérer les informations que vous lui apportez à chaque répétition. Si vous vous imposez de tout intégrer en une séance, vous risquez fort d’être frustré. A l’inverse vous serez étonné de voir vos doigts se placer plus facilement que la veille et que l’avant-veille sur le manche de votre guitare en adoptant une bonne régularité.La régularité n’améliorera pas seulement votre apprentissage. Ce sont aussi 10 minutes par jour qui seront consacrées à vous et vous seul. Si cela vous est possible, isolez-vous dans une pièce et prévenez vos proches que vous êtes indisponible durant le prochain quart d’heure, afin de bénéficier au maximum de votre moment. Fixez-vous un horaire précis, celui qui vous convient le mieux. Dès que vous rentrez du travail, avant manger, après manger, après le coucher des enfants, tout dépend de votre organisation de vie, de la configuration de votre logement et de vos habitudes familiales.En fixant un moment délimité dans le temps et qui prend en compte vos impératifs familiaux, vous favorisez également la compréhension de votre entourage concernant votre passion. Il est très important que votre pratique d’un instrument reste un plaisir. Les astuces pour s’accorder du tempsCertains font preuve d’inventivité pour trouver du temps, comme Claire Z, cadre dans une banque, et qui travaille son saxophone tous les midis dans son bureau « au début, il y a eu pas mal de curiosité de la part de mes collègues, mais finalement ils se sont habitués et n’y font plus attention ou trouvent ça plutôt agréable (malgré quelques couacs) ». D’autres privilégient les heures tardives, même en appartement où les voisins se montrent parfois peu compréhensifs. « Il existe des solutions » nous indique Roméo S qui joue pourtant de la batterie « je savais que pour pouvoir travailler tranquillement, il fallait que je choisisse un instrument le plus silencieux possible. Dans un magasin de musique, on m’a conseillé une batterie électronique et un bon casque et ça me permet de jouer dans la soirée sans me mettre mes voisins à dos. Evidemment il y a quand même des vibrations et j’évite de jouer trop longtemps ou à minuit mais c’est déjà génial par rapport à une batterie ordinaire. »On peut décliner ce principe pour quasi tous les instruments. Par exemple, il existe un très grand choix de pianos numériques de très bonne qualité et qui permettent de jouer avec un casque. On peut jouer de la trompette avec une sourdine qui atténue la puissance du son. Une sourdine est également très efficace sur le violon. Le plaisir sera d’autant plus grand quand, le week-end, vous l’enlèverez pour révéler toute la sonorité de votre instrument. Une bonne entente avec votre professeur, un élément indispensable !Votre professeur est celui qui vous guidera dans votre apprentissage. Il vous fixera chaque semaine un objectif pour la semaine suivante et structurera votre apprentissage sur le long terme. C’est votre partenaire indispensable pour progresser.Le choix de votre professeur fait partie intégrante de votre projet et de votre organisation. Il faut que vous soyez clair avec lui sur vos possibilités de travail et vos objectifs et que vous tombiez d’accord sur un rythme. Hors de question que vos cours de piano deviennent une corvée et que vous craigniez de vous faire disputer comme un collégien au prochain cours ! Votre professeur est là pour vous faire tenir le cap, mais doit aussi prendre en compte vos contraintes. Discutez de ces points avec lui avant de commencer les cours.Votre professeur doit pouvoir prendre en compte vos envies, tant pour le répertoire abordé que pour le projet musical.Si vous souhaitez jouer dans un groupe à côté de vos cours, il est important que les deux se rejoignent un tant soit peu et que votre professeur de musique vous aide dans ce projet, surtout si votre temps est limité.Si vous traversez une période professionnelle ou familiale intense, vous devez pouvoir en parler avec lui, afin qu’il puisse réadapter votre programme et vous permettre d’espacer un peu votre travail musical.Un professeur à l’écoute, de la régularité, du plaisir et vous serez très vite très fier de vous et de ce que vous avez réalisé, et étonné de ne pas l’avoir fait avant !
0 10 bonnes raisons d'apprendre le violon ...
Vous souhaitez vous lancer dans l’apprentissage d’un instrument de musique mais vous ne savez pas lequel ? Votre enfant voudrait apprendre le violon mais vous n’êtes pas convaincu par ce choix ? Parce que des arguments clairs valent mieux qu’un débat passionné, voici 10 bonnes raisons d’apprendre à jouer du violon ! 1. Le violon, est un instrument de prestige à la portée de tousLe violon, nous entendons par là l’instrument lui-même, est un symbole de savoir-faire artisanal et de prestige longtemps imité, mais jamais égalé. C’est un instrument encore majoritairement fabriqué par des artisans, qui demande un alliage incroyablement précis de près de 70 pièces de bois. Le prestige dont nous parlons, c’est plutôt celui dont jouit le violon dans l’inconscient collectif, et non pas au regard du prix de l’instrument. Vous pouvez louer un violon auprès d’une école de musique, d’un magasin spécialisé ou encore trouver des violons d’étude à des prix raisonnables. Ce prestige n’empêche pas le violon d’être un instrument à la portée de tous. Il n’est pas plus difficile à apprendre le violon que la harpe, le piano ou la clarinette. Tout est une question de motivation et d’accompagnement.2 Apprendre le violon permet de sortir du lotLe violon est un instrument qui rencontre moins de succès dans les écoles de musique que les plus classiques piano, flûte ou guitare. Si vous vous rendez sur des sites de petites annonces dédiées à l’univers de la musique, vous verrez que les violonistes sont des perles rares, recherchées par les orchestres ou les petits groupes de musique. Si vous ambitionnez déjà de devenir musicien professionnel, choisir le violon est un atout de taille pour se démarquer des autres musiciens ! Si vous souhaitez simplement le pratiquer pour votre loisir, notez qu’un professeur de violon sera souvent bien moins demandé qu’un professeur de guitare, et donc plus flexible pour s’adapter à vos horaires.3 Le violon est un instrument facile à transporterContrairement à des instruments plus imposants, le violon est un petit instrument qui peut être facilement emporté partout. Cette donnée plus technique ne vient pas toujours à l’esprit des futurs musiciens mais peut être largement regrettée si elle n’a pas été prise en compte plus tôt. Transporter une guitare ou un synthétiseur dans le métro n’est vraiment pas pratique, surtout pour les jeunes musiciens. Les violons d’études, destinés aux plus jeunes sont légers et évitent les problèmes de dos que l’on attribuait autrefois à l’instrument. Ils peuvent donc être emportés partout, le soir chez les copains et le week-end en réunions de famille pour de joyeuses démonstrations.4 Le violon enchante tous les publicsDès les premières notes d’un morceau, le violon attire l’attention. On ne saurait dire si c’est la rareté de l’instrument, la manière dont on le manipule ou la particularité des sons qu’il produit mais le violon enchante, subjugue et fascine tout de suite. Entre l’apparence de son instrument et les gestes toujours impressionnants qu’il réalise pour jouer, un violoniste sait qu’il ne peut pas passer inaperçu. Toutes les générations portent en effet la même attention à cet instrument à cordes qui semble mêler puissance, technique et fragilité. Pensez à la façon dont Charles Ingalls rassemble les habitants de Walnut Grove, dès ses premières mesures de violon. 5 Le violon permet une réelle mobilitéVous aimez danser et chanter ? Sachez que c’est tout à fait possible de le faire tout en jouant du violon. C’est aussi cela qui fascine le public. Alors que, face à un piano, le public n’a qu’un très petit aperçu des mains du pianiste et doit souvent se résoudre à fixer son dos, il peut profiter d’un spectacle complet en regardant jouer un violoniste. Sauter, danser, marcher, se déplacer sur la scène ou dans une salle pour interagir physiquement avec d’autres musiciens ou avec son public, tout est possible quand on joue du violon.6 Le violon est l’instrument classique par excellenceComposé de quatre cordes et d’un archet fait de crin, le violon n’est pas au demeurant un instrument très complexe. Il permet pourtant de jouer une incroyable palette de morceaux classiques. Créé et popularisé au XVIème siècle, le violon était l’instrument de référence de tous les grands compositeurs : Monteverdi, Vivaldi, Mozart (père et fils), Bach, Brahms, Tchaikovsky, Paganini… Celui sur lequel ils composaient et faisaient entendre pour la première fois leurs œuvres. Il est encore aujourd’hui l’un des instruments classiques les plus populaires de France. André Rieu, Renaud Capuçon, Camille Bertholet sont des artistes complets qui rassemblent les foules à chaque concert.7 Le violon est le roi du folk et du celtiqueC’est le « fiddle » dont parle les anglosaxons, le violon populaire, par opposition au violon classique. Le violon est l’instrument roi de la musique traditionnelle, du folk et des morceaux de musique celtique L’amplitude de ses sons permet d’illustrer tous les tableaux, des paysages de l’Irlande aux plus grandes romances bretonnes. Dans ces registres, il est fréquent de voir le violoniste tenir son instrument sur le coude ou sur sa poitrine : un signe distinctif pour se placer à contre-courant des traditions et de la rigueur du classique.8 L’option violon électrique pour encore plus d’originalitéMoins connue que la guitare électrique, la version électrique du violon permet elle aussi bien des fantaisies. Elle peut comporter quatre cordes comme son homologue ou en posséder une cinquième. Le violon électrique a besoin d’être amplifié pour produire un son correct mais une fois branché, il peut jouer une incroyable palette de sons et d’effets. Visuellement, le violon électrique peut aussi être très impressionnant : plus besoin de corps de résonnance, le manche, les cordes et le chevalet suffisent.9 Jouer du violon pour séduire et émouvoirEntre légèreté, force, lenteur et rapidité, le violon peut être utilisé pour servir et illustrer toutes sortes de sentiments. Il est la chaleur du soleil dans les Quatre Saisons de Vivaldi, les mouvements sensuels des fées dans la version de Casse-Noisette de Fantasia, le symbole de l’amour éternel et envoûtant dans les chansons de Louise Attaque… Les trilles, le trémolo ou encore le vibrato sont autant d’ornementations qui permettent au violoniste d’illustrer toute la complexité des sentiments humains. Ce n’est pas pour rien que le violon est présent dans de nombreuses chansons d’amour.10 Le violon ne passera jamais de modeLe violon est un instrument qui permet de jouer de très nombreuses façons différentes, et d’embrasser tous les styles de musique existants. De longues notes liées à l’archet sur un morceau classique, des pizzicati joués avec un effet de résonance pour un morceau plus rock, des notes courtes et très rapidement enchaînées pour rythmer un morceau de jazz manouche… Le violon qui a su s’adapter à chaque époque jouira toujours d’une image moderne et positive, alors qu’il est l’un des plus anciens instruments de notre société occidentale.Enfin, notez que le violon ne nécessite pas un apprentissage expert du solfège et que de plus en plus de méthodes s’appliquent à simplifier son apprentissage. Vous hésitez encore à choisir le violon ? N’hésitez pas à prendre rendez-vous avec un professeur de musique pour tester le violon avant de faire le grand saut !
0 Les accords au piano indispensables à connaître ...
Le piano est un instrument qui est très souvent choisi par les musiciens pour sa capacité d’accompagnement. Depuis de simples accords joués en arpège à des partitions bien plus complexes, le piano est toujours capable, à la fois de produire des mélodies autonomes, des morceaux à part entière, mais aussi d’accompagner une voix ou un autre instrument. Quels sont alors les accords au piano à connaître pour jouer et connaître les bases ? Piano et premiers accords, le fond avant la formeAvant de commencer à jouer du piano, il convient d’abord de posséder certaines bases. Le solfège semble souvent rébarbatif et les pianistes amateurs, surtout une fois passée l’adolescence, sont nombreux à penser pouvoir s’en passer. En effet, promener ses mains sur un clavier est à la portée de tous, mais le faire avec précision, justesse et rythmique, demande un apprentissage complet et un travail quotidien. Pour progresser plus vite, même si vous vous sentez l’âme d’un grand pianiste autodidacte, n’importe quel professeur de piano vous conseillera de vous renseigner sur les bases des accords de piano, soit en premier lieu, la différence entre les accords mineurs et les accords majeurs. Un peu de technique pour une meilleure pratique des accords au pianoLa musique actuelle est très souvent basée sur une suite de quelques accords. Il suffit alors de les étudier et de les retenir. Dans la majeure partie des cas, la main gauche plaque des accords, ou les joue en arpèges, tandis que la main droite joue la mélodie. Lorsque l’on explique alors aux débutants ou aux enfants la différence entre majeur et mineur, on réalise souvent une comparaison avec les sentiments : le mode mineur fait appel à nos sentiments plus tristes ou à une impression plus froide, tandis que le mode majeur donne une coloration plus gaie et chaleureuse aux morceaux. Attention tout de même, il est tout à fait possible de jouer un morceau plutôt gai en mineur et à contrario de jouer quelque chose de plus nostalgique en majeur.Il faut aussi savoir qu’un accord est composé de trois notes : la fondamentale, la première note, la tierce (deux tons au-dessus pour un accord mineur) et la quinte (un ton et demi au-dessus encore).Les accords majeurs sont alors :Do : do-mi-sol,Ré : ré-fa#-la,Mi : mi-sol#-si,Fa : fa, la, do,Sol : sol, si, ré,La : la-do#-mi,Si : si-ré#-fa#. Pour jouer un accord mineur, il suffit de diminuer la tierce d’un demi-ton. Soit :Do : do-mi bémol-sol,Ré : ré-fa-la,Mi : mi-sol-si,Fa : fa, la bémol, do,Sol : sol, si bémol, ré,La : la-do-mi,Si : si-ré-fa#. Tout jouer grâce aux quelques accords indispensables au pianoSi vous ne souhaitez pas trop réfléchir et que vous souhaitez simplement connaître quelques accords de base, nous vous conseillons deux suites d’accords :laM – Fa – Do – Sol ou dans une autre tonalité : miM - Do - Sol – RéVous trouverez sur le net des dizaines de vidéos vous expliquant que ces suites d’accords composent tous les morceaux que vous entendez à la radio tels que : Femme libérée, une bonne partie des chansons de James Blunt, Grégoire, Christophe Maé, Kyo ou même Sean Paul. Pour plus de titres encore, n’hésitez pas à vous rendre sur cette page Wikipédia qui rassemble les titres que vous allez enfin maîtriser avec seulement ces 4 suites d’accords ! Seuls les rythmes et parfois l’agencement des accords peuvent varier un peu.La musique est une histoire d’habitude, habitudes techniques mais aussi mélodiques. En apprenant le système des accords au piano et en vous entraînant régulièrement, vous ferez non seulement travailler vos doigts mais vous serez aussi capables de faire chanter tous vos amis ! Pour en savoir plus sur les bienfaits de la musique, nous vous invitons à consulter notre livre blanc !
0 Le guide complet des principales techniques de guitare ...
Pour jouer vos morceaux préférés à la guitare et progresser rapidement, rien de tel que d'apprendre les principales techniques utilisées en guitare. Seront développées ici les techniques jouées par la main du manche, la gauche pour un droitier ou la droite pour un gaucher. Voici donc un guide non exhaustif, mais relativement complet des techniques les plus utilisées en guitare électrique ou acoustique.La technique du bend en guitare Qu'est-ce qu'un bend ?De l'anglais to bend, courber, le bend en guitare est une technique utilisée pour modifier la hauteur d'une note sans la rejouer, en tirant avec les doigts de la main du manche sur la ou les cordes pendant le jeu. Par exemple, si vous jouez un do à la guitare et que vous effectuez un bend d'un demi-ton, vous obtiendrez un do dièse. Le bend permet notamment d'atteindre des quarts de tons, impossibles à jouer simplement avec la gamme tempérée proposée par les frettes de l’instrument. En effet, une gamme tempérée sépare les différentes notes en intervalles égaux, et ne reconnait pas les sonorités situées entre ces intervalles. En jouant un do puis en effectuant un bend d'un quart de ton, vous atteindrez une note inexistante dans cette gamme, mais très utile pour donner des couleurs à un solo de blues.L'un des principaux intérêts du bend reste de pouvoir produire deux notes liées sans avoir à gratter de nouveau la corde, un bienfait essentiel dès lors que le musicien souhaite augmenter sa vélocité et son expressivité de jeu.Symbole ou notation musicale du bendPour marquer la présence d'un bend, les tablatures et partitions peuvent utiliser la lettre "b" ou, plus fréquemment, une flèche. L'indication chiffrée 1/4 ou 1/2 indique à l'interprète la hauteur de note à atteindre. Si la partition prévoit un bend d'un ton entier, il est alors inscrit "full". Parfois, la flèche monte puis redescend, une ou plusieurs fois. Cela signifie simplement qu'il faut effectuer le bend, puis relâcher la corde pour retrouver la note de base, puis la remonter à nouveau si besoin, etc. Comment réaliser un bend en guitare ?Les doigts sont placés perpendiculairement au manche et poussent ou tirent la corde (selon la préférence anatomique du guitariste) jusqu'à en modifier le son. Le coup de médiator ou le pincement s'effectue avant de pratiquer le bend. La difficulté d'un bend réside dans le tirant plus ou moins fort des cordes, et dans la hauteur souhaitée pour la note à atteindre. Avec des cordes au tirant fort, vous devrez pousser plus intensément sur la corde. De même, pour réaliser un bend d'un demi-ton, il faut deux fois plus de force que pour un quart de ton. Il est fréquent de trouver chez les guitaristes amateurs de cette technique des cordes au tirant light ou extra-light. Une autre possibilité consiste à accorder la guitare un demi-ton plus grave, pour que les cordes soient plus souples.La technique du hammer on en guitareQu'est ce qu'un hammer on ?De l'anglais hammer, le marteau, le hammer-on pourrait se traduire grossièrement par "le martèlement sur". La technique est utilisée pour produire une note plus aiguë que la note initiale sans gratter de nouveau la corde. Par exemple, un hammer on permet de jouer un mi sur la corde à vide, puis de taper le fa, et ainsi de suite. Relativement facile à exécuter, le hammer on trouve sa place dans tous les styles, notamment dans les lignes mélodiques et les solos, car il offre un gain de vitesse et de musicalité dans leur exécution.Symbole ou notation musicale du hammer onLe hammer on se note sur les tablatures et partitions avec la lettre "h" minuscule, ou par une liaison. Par convention, les notes liées sont généralement jouées avec cette technique, ou avec son inverse le pull off si les notes descendent.Comment réaliser un hammer on en guitare ?Le hammer on se pratique sur une corde qui vibre, il commence donc par un coup de médiator ou de picking sur la corde concernée, avec assez de puissance pour que le son dure le temps des deux notes. Ensuite, le doigt de la main du manche appuie fortement au niveau de la case souhaitée de façon à produire la note plus aiguë. Ce mouvement doit être rapide et précis, sinon la corde risque d'être étouffée par la pulpe du doigt ou de vibrer. Il est possible de jouer plusieurs notes d'affilée avec la technique du hammer on, en tapant la corde avec l'index, puis le majeur et l'annulaire. L'auriculaire disposant de moins de force que les autres doigts, il gagne à être particulièrement entraîné car il permet d'atteindre les notes situées vers les aigus, au niveau de la caisse.La technique du pull off en guitareQu'est-ce qu'un pull off ?Par opposition au hammer on, le pull off en guitare consiste à retirer le doigt de la corde pour produire une note plus grave que la note initiale. Cette technique est légèrement plus complexe, car elle implique souvent de faire résonner la corde en la tirant légèrement, tout en évitant de modifier la hauteur de la note. Si vous suivez des cours de guitare, sollicitez votre professeur pour une démonstration et une explication approfondie.Symbole ou notation musicale du pull offLe pull off apparaît simplement sous la mention d'une lettre "p" minuscule. Lorsqu'un lié rejoint une note à une seconde plus grave, il est admis que la technique utilisée pour réaliser cette liaison est le pull off.Comment réaliser un pull off en guitare ?À la main gauche (ou droite pour les gauchers), le premier doigt appuie sur la case de la première note, le deuxième sur la case de la note inférieure, sauf si celle-ci est jouée sur la corde à vide, auquel cas un seul doigt est nécessaire. Grattez la corde, puis ôtez rapidement le premier doigt de la corde en l'accrochant au passage pour la faire bien sonner. Vous devriez distinctement entendre les deux notes.La technique du slide en guitare Qu'est-ce qu'un slide ?En dépit des principales difficultés rencontrées en guitare, le slide attire souvent les amateurs de musique métal ou rock. La technique parait simple : il s'agit de glisser le doigt sur la corde pour passer d'une note à une autre, en faisant plus ou moins résonner les notes intermédiaires.Dans sa version courte, le slide permet de lier des notes séparées d'un ou deux tons, à la manière d'un hammer on ou d'un pull off sans toutefois lever le doigt du manche. Dans sa version plus longue, le slide offre un effet auditif souvent recherché par les virtuoses pour ajouter de l'éclat aux solos.Symbole ou notation musicale du slideLe slide se retrouve sur les tablatures sous la forme d'un trait allant de la première note à la dernière note. Il peut aussi apparaître sous l'appellation glissando ou "glissé" dans les partitions.Comment réaliser un slide en guitare ?Jouez la première note normalement, puis en gardant le doigt appuyé sur la corde, faites glisser votre main le long du manche jusqu'à atteindre la dernière note. Il existe différentes variantes du slide :en commençant et finissant sur des cases précisesen commençant à vide jusqu'à une case préciseen commençant sur une case précise pour finir à videen style libre, en promenant le doigt sur le manche à loisirLe vibrato en guitare Qu'est-ce qu'un vibrato ?Que vous souhaitiez devenir guitariste professionnel ou jouer pour votre simple plaisir, il est toujours intéressant de maîtriser le vibrato en guitare. Souvent confondu avec son frère le trémolo, le vibrato ne produit pas exactement le même résultat auditif. Pour faire simple, le trémolo fait varier l'intensité de la note (plus ou moins fort) tandis que le vibrato en modifie la hauteur (plus ou moins aigu).Symbole ou notation musicale du vibratoOn retrouve l'indication d'un vibrato sur les tablatures ou partitions sous la forme d'une vague, d'une longueur correspondante à la durée du vibrato. Le symbole peut être associé à une indication concernant la hauteur du vibrato (généralement 1/4 ou 1/2 ton, plus rarement un ton entier).Comment réaliser un vibrato en guitare ?Si de nombreux modèles de guitares électriques prennent en compte un système de vibrato manuel, il est toujours possible de réaliser un vibrato sur une guitare classique ou dépourvue dudit accessoire. Il s'agit en quelque sorte de pratiquer un bend sur la corde et d'alterner rapidement la note de base et la note modifiée d'un quart, d'un demi ou d'un ton entier. À noter : le vibrato ne peut pas s'effectuer sur une corde à vide, il faut donc choisir la position sur le manche qui corresponde à la note souhaitée.Placez votre doigt bien perpendiculaire au manche, en appui sur la corde concernée. Grattez avec le médiator ou le doigt, puis faites trembler votre doigt sur la corde en tirant et relâchant la tension sans ôter la pression. Le rendu doit vous rappeler celui de votre voix lorsque vous tapotez sur votre poitrine, ou que vous roulez sur une route cailloutée à vélo.Les techniques de la main droite en guitarePlus que de simples effets, ce sont souvent des techniques de jeux propres à un style, qui apparaissent tout au long du morceau pour en caractériser la couleur (flamenco, jazz, metal, etc). Elles sont à transposer à la main gauche pour les gauchers. Vous pouvez rencontrer par exemple :le sweepingle tappingle pickingle butél'arpègeles accordsle battementle flamencol'aller-retourle palm mutele slapN'hésitez pas à vous intéresser à ces différentes techniques pour enrichir votre jeu et dépasser un palier de stagnation en guitare.
